儿童影评范文（共20篇）由网友“卖火柴的老阿姨”投稿提供，以下是小编为大家整理后的儿童影评范文，欢迎阅读与收藏。
篇1：影评
《精舞门》影评（一）
这是一群丑小鸭变成白天鹅的故事，这是古老东方升华西方街舞的传奇，这是一部舞蹈，功夫大片，强大的舞蹈阵容，超级明星演绎DD《精舞门》，给我们带来了视觉和精神上的冲击。
街舞是本片的线索，将原本不相识的人联系在一起。楚东出生在武术世家，但他从小喜爱跳舞。由于跳舞，他使得妹妹从高处摔下，造成失明。也是因为跳舞，他交到了共度难关的兄弟和知心的朋友。
楚东少年时期由于跳舞，疏忽了旁边的妹妹，导致妹妹失明。多少年来，楚东心中一直存有对妹妹的歉意和把妹妹眼睛治好的希望，正是这一点，让楚东带着他的兄弟们沾上了街舞大赛的舞台上。
影片最精彩的一部分是楚东带领功夫小子参加比赛。从完全照搬别人的舞姿，到自己开始编舞，从完全西化的街舞到融有中国功夫的街舞，我们看到了中国功夫正在一步一步地融入街舞中，让西方的现代街舞拥有了神秘的东方色彩。在决赛前夕，功夫小子与对手都在紧张的训练，导演用了蒙太奇的手法给我们展示这一幕幕，一边是西方化的街舞，一边是融入武术的街舞，形成了强烈的对比，给人一种视觉的冲击。
如果说导演前一个蒙太奇手法的运用让我们看到东西方文化平分秋色，那么后一个蒙太奇手法的运用就可以看到中国功夫以强大的的实力而胜利。场内是楚东带领的功夫小子跳着带有鲜明功夫色彩的街舞，场外是二叔在运用中国功夫与别人打架。二叔提前结束战斗并取得胜利也预示着功夫小子的胜利也在不久之后。最后一个动作，对手钟少雄完成了一个漂亮的倒立，对楚东说：“这才是街舞。”楚东则运用爷爷教的功夫完成了一个更加完美的倒立，对对手说：“这不是街舞，是中国功夫！”与其说楚东用舞姿打动了观众，不如说使用功夫打动了观众。
影片除了跳街舞这一条主线，还有一条副线，就是楚东与TlNa的爱情。TlNa是一名金牌DJ，当她看到楚东跳舞后，发觉自己已经麻木的双手又苏醒过来，这里边不仅仅有爱情的力量，更重要的是中国功夫的力量。
影片还有一条线索，是功夫小子历尽辛苦终于站在了冠军的领奖台上。从某个角度上看，这可以看成一部励志的电影，但是却有一种后劲不足的感觉。在强大的中国功夫的力量下，它弱化的不仅仅是西方化，还有励志的成分，这一点破坏了这一部电影的完整性。
影片的结局似乎是喜剧，形式是熟悉的大团圆式，其中夹杂着西方的文化，这与影片略带悲剧色彩、纯中国化的开场形式形成了鲜明的对比。预示着主人公楚东的生活越来越好，也代表着一种希望，一种导演对于中国功夫，乃至中国文化的希望。
绿里影评（二）
个人以为，《绿里》并不输于《肖恩克的救赎》。之所以把两者放在一起比较，是因为它们不仅同出一个作者，还同出一个导演，并且都属于监狱题材。但是很奇怪，这部片子知名度远没有《肖恩克》来的高，真的很奇怪!
汤姆。汉克斯的表演无疑是成熟老道无可挑剔的。而其实我最喜欢的，反倒是演佩西的那个。那叫一个坏啊，坏到流脓水的坏啊!那种猥琐卑鄙的嘴脸，那种凶狠毒辣的手段啊。其中两个细节无疑坏的让人咬牙切齿恨之入骨。一个当然是他在执行死刑时故意不给海绵浸水，让那名囚徒死的格外痛苦和凄惨。另一个当然是他抬脚踩死了小老鼠金格。佩西的那一脚，真让人痛恨到了极点。()他最后被关进暗房，直至被送疯人院。真是大快人心!
演的越坏，也越证明了演员的精彩。所以演佩西的演员真是很让人刮目相看，而且说实话，他长的很帅，其实长相一点都不丑陋不猥琐。
片子里出场人物虽然不多，但几乎个个精彩。黝黑高大貌似木讷笨拙的克菲当然也是另一亮点。还有监狱里的囚犯，另外几个狱警，都个性鲜明。连那只伶俐可爱的小老鼠金格，也让人喜欢得不行。
《绿里》的情节也是相当引人入胜的。最后克菲被送上刑椅，执行死刑的时候。忍不住要掉泪的，所有执行死刑的狱警也都掉泪了。然而面前观刑的人群还是无知的，他们痛骂着唾弃着克菲。可怜的人们啊，他们不知道，坐在他们面前将要死去的，是一个多么圣洁的灵魂!
赵氏孤儿影评（三）
这个学期看了下《赵氏孤儿》，我想写一下影评。
电影的前一部分特别引人入胜。影片中印象最深的人物当属，屠岸贾，程婴，晋王，庄姬，韩厥。屠岸贾对赵氏家族的怨恨，起初是嫉妒赵家的军功卓越，位高名重，其实，这里，王学圻的演技可以算是精湛的，将他内心活动的变化展露出来。中国奸臣会如此之多，很多时候就是嫉妒心在作祟。看到别人比你好，就使出浑身伎俩来让别人身败名裂，身首异处。假传圣旨，屠杀赵家三百余口的事情。在没有做之前，内心是有挣扎的，可是心里的恶魔还是在别人的挑唆下冒出头，血腥无比。而对年幼的程勃是，孩子的天真触动内心的柔软，露出父亲般的慈爱。屠岸贾虽非善类，但也并非真正十恶不赦的坏蛋，将其推向倒行逆施边缘的还是赵盾父子的飞扬跋扈、目中无人和不可一世，他们的被灭门倒是应了做人不能太嚣张的道理。这样的赵氏为什么不杀？对皇上来说，功高盖主且每天装模作样的告诉他要做一个圣明的主上；对屠岸贾来说，权重且猖狂，赵盾和他同辈，同朝为臣，赵朔可以抢他兵权，难道还可以当面对他嘲讽：“屠大人的儿子如果还活着，应该也要生孩子了吧？”――能说出这话，就已经代表不打算和平相处，既然赵家已当他为敌，那他为什么不能先下手为强？电影前半部分中屠岸贾诛杀赵氏亲族的冷血、挥刀劈向韩厥脸部的凶狠以及摔死程婴儿子时的阴毒到电影后半部分完全消失了，在继子面前，他成了一位慈父，一个让人尊敬的长者，一个快乐地享受着天伦时光的老人。
程婴，作为一个普通的医生，本来可以平平安安的过日子，守着老婆孩子，但因为遇到了庄姬，面对庄姬的请求，想过退缩，但是道义占了上风。为了救赵氏孤儿，搭上了老婆和自己孩子的性命。一个已经心死的人，能做和能想的，只有复仇了，他含辛茹苦，十五年，养大赵氏孤儿，就是为了让屠岸贾知道，他是谁，孩子是谁，他要为一家人报仇，为赵家报仇。我觉得后面的情节，不够生动，如果那个孩子成为一代名将，最后带兵杀了仇人，也许会精彩点。但对心里的刻画可能没办法像影片那样细腻了。程婴在临死前，走在路上，看到妻儿来接他，我想他那个时候是幸福的，这也揭露出中国人最终还是以家和家人为重。这也是人内心最深的渴望――家庭的平安，团聚。程婴只是一个小人物，无意卷入争斗，只是阴差阳错被迫成为了“忠义之士”。整部影片可以归纳为“民干了士该干的事”。并且，这个民不是像士一样出于某种信念去主动牺牲，而是当命运把他卷入到这个漩涡中来时，在苏醒的人性面前，几乎被动地完成了他的义举。当庄姬“托孤”之时，程婴并非不怕，是对赵孤的同情使他选择了冒险；当屠岸贾全城“搜孤”时，程婴也像所有的父母一样首先想到的是救自己的孩子，是程妻无意间的举动导致了最后的牺牲；之后在公孙府上，当藏在隔墙中的妻儿被发现时，程婴才真正地面对一种道德决断：是牺牲自己家的孩子还是让一百多婴儿遭受屠戮？这时，他意识到这就是他的命，接着他做出了选择。程婴不是任何传统意义上的英雄，他不是为了忠与义去选择牺牲，他是最真实意义上的普通人，但这普通人却干了英雄才能干的事。
庄姬，一个高贵，脱俗，可以说看惯风浪的女人，她是高贵的公主，有一个英武神勇的丈夫，即将生下一个可爱的孩子，电影中，庄姬和赵朔乘坐马车的镜头，让我久久难忘，那么倾国倾城，那么让人嫉妒，羡慕。范冰冰的演绎真的很棒，一个临危不乱的女性，果断的要求程婴帮忙生下孩子，想就是因为作为母亲，当爱情没有了，最想要的是自己的孩子的快乐，安定生活。所以，才会在临死前，告诉程婴，让孩子做个平凡人，普通人，不要告诉他身上的家仇。整个故事里只有庄姬一个人活明白了，庄姬死前对程婴说“不要告诉他父母是谁，也不要告诉他仇人是谁，让他去过普通人的生活。”说这句话是整个电影里最感人至深，最真切也是最实在的一句话。这份谅解是出于母亲对儿子的大爱。她不想让孩子在仇恨中长大，不想孩子因为仇恨而冒险，也许，她根本从一开始就很明白，这就是政治，不是杀人，就是被杀，别人杀你，你要报仇，你报了仇，仇人的亲人也会报仇……庄姬求的，不过是孩子活着平安快乐。而程婴毁的也许正是这个。但由于这个孤儿让程婴遭受如此大的.惨剧，他在抚养这个孩子的过程里，其实已经将这个孩子变成了一个复仇的工具。他要让这个孩子认屠岸贾为干爹，让老年无子的屠岸贾视赵氏孤儿为亲生儿子，然后，再用他亲手杀掉屠岸贾。这是一个残忍的计划，最不可思议的复仇，不是杀人，是杀心。
韩厥，一个将军，就像凯歌导演说的那样，他们都是小人物，韩厥也一定是由一个普通的士兵成长为一个将军的，他一定有赫赫的战功，卓越的才华，才会有今天的地位，他是屠岸贾的部下，当然，服从命令是军人的天职，作为一个部下，他是会听从屠岸贾的调遣的。毁容前的韩将军，英俊，儒雅，眉宇间淡淡的英气，但他却因为放走了赵氏孤儿，而惨遭毒手，容貌被毁，功名丧尽，这样的变故，对于一个人来说，是怎样的打击，但他知道，程婴为了救赵孤牺牲了自己的孩子时，他肃然起敬，匍匐在地，对程婴深深一拜，可见，韩厥是一个有情有义，有良心的人，不会为了自己的私力，去伤害别人。黄晓明后面的演绎越加自然，不着痕迹，我这么看着这样的晓明更帅了，更可亲了。他和程婴一起，苦等了十五年，相互安慰，终于等到了报仇的时刻，但由于赵孤的不理解，韩厥就只有自己出手了，他暗箭伤了屠岸贾，最后跟程婴的一抱，彻底的解脱了。以后的韩厥会去向哪里，浪迹天涯，一剑，一酒，走江湖嘛。
最后，我觉得不满意的是程勃，这个孩子显得不够成熟，果敢，程勃对义父的感情，成为了他内心挣扎与矛盾的原因。《赵氏孤儿》始终无法交代出他的真实动机，更无法表现出人的崩溃。由于程婴受制，他也不停摇摆，他如何接受事实并向义父刺出剑，他整体上，就是矛盾的综合体。最后，当他养父走了后，也许他会成长起来。
赵氏孤儿的故事已在中国流传了两千余年。一个情节并不复杂的故事铺展于历史的长河中如此之久，能够与各个时代的人产生精神共鸣而不衰竭，它便不再是一个简单的故事而成为文化。
影片最初重要人物的出场及那场血雨腥风的宫廷争斗拍得极为精彩，宫廷政变一幕的壮丽与惨烈，可以与大多数史诗电影杰作并列而无愧色。赵家的灭门惨案把整个气氛推上了高潮。
这个电影，让我们重新审视了下古老的故事，我们收获颇丰。好的电影给人以启发，以后还要看好的影片。
篇2：国徽影评
北京天安门钱的国徽，是由工人们辛苦制作而成的，从“国徽”这部影视中我们了解到了国徽是什么，国徽的含义，了解到当时人们在听到广播国家征集国徽图稿是的激动心情。
于是，在全国掀起一片制作国徽的热潮，全国人民积极创作想要为国家的国徽制作上献力，而在沈阳钢铁厂里的工人们主动向领导请示想要担任铸造国徽这一光荣任务，周总理在看到请示后立即表明同意将铸造国徽的任务交给沈阳钢铁厂。消息传到厂里时，工人们在高兴之后开始检查铸造机器设备是否有问题，并专门成立了国徽铸造小组。就在工人们接送到的国徽木模时送木模的车子陷入泥中，众人齐心协力，将车子将车子推出把木模运回场中，就在众人跃跃欲试想要铸造国徽时，看到木模时没想到竟然会那么大，而厂中从未铸造过这么大的铸件，铸造这么大的铸件不能用铁，只能用铝，厂中又没有融铝的熔炉，大家只能将设备拆除，工人自己想方设法的制作了熔铝的熔炉，工人们先开始制作沙子模型时发现工厂里的沙子颗粒大不细腻，会造成国徽表面不光滑，就在这时厂中的领导让之前技术好却因为出身不好而没被选上铸造国徽小组中的一位老师傅去大连运沙子，老师傅怕耽误时间一路将车从大连开往沈阳除过吃饭，未曾休息一刻，导致回到厂时因体力不支晕倒在地被送往医院，这时领导被老师傅的精神所感动对老师傅承诺等老师傅出院时便直接去国徽铸造小组中。老师傅回来后和大家一起制作了沙模，准备铸造，等铝冷却好后。大家刚松了一口气，但是，就在将国徽竖起时发现铸造出来的国徽凹凸不平，就在大家在焦头烂额中，有一个外号秀才的工人发现失败原因是由于冷却时间不同导致凹凸不平。发现问题后，工人们把铸融浆入口由原先的一个改为两个。这一次在众人努力认真的劳动下，我国的第一枚国徽在沈阳钢铁厂中由工人们铸造成功。
随着影片的结束我们了解到国徽是一个国家，民族的象征，是我们中国人的脸面。是代表国家的政权。并且在工人的问题与回答中我们知道，我们国家是工人阶级领导的，以工农联盟为基础的社会主义国家。
高一:宋阿萍
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篇3：钢琴家影评
奥斯卡获奖影片《钢琴家》是一部以二战为背景的电影。波兰导演罗曼。波兰斯基以半回忆录式的叙事结构，讲述了一位波兰钢琴家（犹太人）在德国纳粹时期不断逃亡最终得以幸存的故事。观看此片，不能不联想到《辛德勒的名单》。相同的时代背景，相似的犹太人被杀戮被救助的镜头，只是故事的视角从施救者辛德勒换成了逃亡者钢琴家。
二战题材的影片一向吸引眼球。我观看此片时的感受，只是感觉生命的脆弱，在战争背景下的人性的扭曲。影片没有给纳粹多少特写的镜头，那些杀人不眨眼的士兵，让你的感觉他只是在杀一个牲口而不是人。和平年代，人不可能如此没有人性，是战争的残酷让杀人者与旁观者都变得麻木。观看影片，你不会恨那个举枪杀人的人，因为他们显得如此冷血，因而面目模糊，如果愿意思考，你会恨那个发动战争的人，是他把悲剧带给了波兰，最终也带给了德国。尤其当影片最后，钢琴家被德国军官所救，你怎么会把那个德国军官当敌人？他也有人性的一面，当他听到钢琴家那动人的琴声，他人性美好的一面得以展现，所以明知钢琴家是犹太人仍然给他送食物，让他躲藏在司令部的阁楼内，他是不愿意那么美妙的音乐消失在自己手中吧。此刻的德国军官脸上，你能看出他曾经杀过人吗？他一定是杀过无数犹太人的，对了，()片中有个镜头是他犹豫中签了几份文件，我猜是批准枪决的文件吧？但是，当他面对一个真实的灵魂，一个音乐家的灵魂，他放下了手中的屠刀。他是谁？一个偶尔才有灵魂的杀人机器。这就是战争。
日本人也曾这样杀戮过中国人，我不知道是否也有类似日本人救自己手中的中国人的故事。今天的日本人与中国人，一旦开战，每一个被推向了战场的人，灵魂一样也会消失到某个角落，成为一部只会开枪的机器。是否，偶尔，人性的美好也会跳出来呢？人类历史上的每一场战争，都有其渊源，却无不为各自的利益而战。利益的获得过程也许客观上就已经对他人形成了威胁，如果既得利益者不能有足够的力量保护自己的利益，也不能够舍弃一部分自身利益以消除部分利益差别，双方的战争也许就不可避免。
篇4：钢琴家影评
在以黑白之间的不同层次与明暗对比表现悲喜色调的晃动的影幕下，动荡与不安充斥着，人们疯狂地四处躲闪，而那个无形的恶魔般的大手早已覆盖掌控了一切，逃避已是最无助的稻草，绝望蔓延至城市最荒芜的角落。只有当你听到街边一家原本幽小而静谧的电台传出生命的委婉与涟漪交织在一起的《小调夜曲》的时候，你才或许会有那么一瞬惊觉命运原本包容着的美好和宽厚，或许前一分钟你正倚靠在阁楼里厚重的沙发上，循着嘴边氤氲的烟雾捕捉电台里传来的极度柔软而又幽怨的旋律……这就是1939年二战前夕的波兰首都华沙，那个以美人鱼作为城徽的美丽城市。然而，我却通过导演罗曼・波兰斯基，透过犹太钢琴家斯皮尔曼的双眼，看到了那个城市曾经经历过的太多伤痛。
欧洲对犹太人的迫害在纳粹德国时期达到顶峰，曾发生了灭绝约600万犹太人的大屠杀，几乎彻底摧毁犹太人在欧洲的文化历史沉淀。那时，犹太人出门必须佩戴象征犹太人标志的大卫王之星袖章，蓝白之间的抢眼色差将普通犹太人与德国人之间的种族差异赤裸的彰显出来，而它更多的却是表现了人性的脆弱性与劣根性，同根之煎尤甚，一幕幕德国士兵枪杀草菅犹太人的粗暴画面，令人瞠目及至不忍。作为二战大背景下的一个历史缩影，犹太人身份的斯皮尔曼经历了家破人亡以及各种凌辱迫害后，终于死里逃生，重获自由。在这之中，一名德国上校暗中的解囊相助，对于斯皮尔曼的重生有着极大的助力作用。而让这位上校产生恻隐之心的仅仅是因为斯皮尔曼弹奏的一首钢琴曲――《G小调第一叙事曲》，那是“钢琴诗人”肖邦创作的一首将命运的悲壮和对自由的渴望强烈交融在一起的叙事曲。其原诗的内容是讲述立陶宛英雄伍连罗德，在一次宴会上意气风发的饮酒后，向客人说了一个故事：摩尔人在战役中败给西班牙人。为报复他们，便假意和西班牙人说话从而将黑死病与麻疯病传染给西班牙人。但要这么做要有一个先决条件，就是自己要染上这些病。当宾客听到此时，个个大惊失色。而伍连罗德却说：“若立陶宛人有一天也遭到与摩尔人相同的命运，我也会与他们一样，不顾我个人的生死，给敌人一个死的拥抱。”当时在德国上校注视下演奏的斯皮尔曼，也一定是决定用此种方式“给敌人一个死的拥抱”。而这位原本明显的敌人，竟在之后被证明是一位隐形的友人。
影片根据波兰钢琴家瓦拉迪斯罗・斯皮尔曼的自传体小说改编。二战结束后，他将自己惨遭纳粹迫害直至重获自由的经历写成小说《死亡的城市》，于1946年出版。但由于书中描写了波兰犹太人对当时苏联的不信任，遭到苏联查禁。直到90年代，该书才得以重见天日，改名为《钢琴家》在美国重新发行。
直到他重新以钢琴家的身份在万众瞩目的耀眼音乐厅中轻抚那88个黑白琴键的时候，我知道，他经历的所有正是为了此刻内心的明澈与坦然，那数年的坚持与等待一定是值得的。
篇5：钢琴家影评
《钢琴家》取自一个真实的人的真实故事，故事背景是二战，主人公斯兹皮尔曼是波兰一位非常著名的`犹太钢琴家。整个电影有一条非常明显的故事发展脉络，即德国闪击波兰――波兰反击战――苏军反攻德军，解放华沙。当斯兹皮尔曼的家庭听到英法声明要进攻德国的时候，全家人为英法干杯，这有点讽刺的意味，因为英法只是喊喊口号罢了，根本阻止不了波兰的亡国。斯兹皮尔曼是个痴迷于他的钢琴里的人。在战争突如其来的时候，他显示出对战争的无比恐惧，虽然免于运送到集中营的命运，但是也是东躲西藏，食不果腹。在他躲藏的过程中，他因为处于相对安全的境地，于是见证了许多血的事实：犹太人被任意处死，无数犹太人被押往集中营接受死亡的命运，波兰地下抵抗组织被活生生地围剿枪杀，德国人败退的时候，他躲在废墟中，而他的音乐才华感动了一名德国军官，在军官的冒死保护下，钢琴家终于捱到了战争结束，迎来了自由的曙光。
《钢琴家》首先是一部史实片，从这一部电影中观众可以了解二战过程在波兰的一个侧面反映。电影前面大半部分毫不客气地揭露了纳粹德国对波兰人民的屠杀罪恶。后半部分转而突出德国军官对钢琴家的救助行为的人性救赎的一面。我特别注意到的是片尾的字幕：“那位令人尊敬的德国军官名叫威廉・霍森菲尔德，1952年死于苏联设在西伯利亚的战俘营。”德国战败后是被苏联统治的，可以肯定的是德国人在战败之后受到他们对待其他国家人民那样或者更甚的虐待和屠杀，正如电影里面钢琴家的哥哥读的莎士比亚作品里的一句话“你们这样残杀我们，我们不会报复吗？”。这样看来人性必定是有善有恶，而并不区别于国界。犹太人里有很多人为生计也当了纳粹的帮凶，中国人也有汉奸。而德国人日本人里也有对战争厌恶、对音乐艺术有崇高景仰、有人道精神的善人。因此我们起码应该善恶分明。
很有趣的是钢琴家在华沙进攻波兰时和在波兰复国时弹奏的都是肖邦的小夜曲。也许音乐和艺术是可以跨越国界的，不会因为战争而有颜色。这又让我想起之前看过的《梅兰芳》，梅兰芳蓄须明志不为日本帝国主义唱戏，是爱国主义的表现。梅兰芳的绝世唱腔却是全世界独一无二的艺术瑰宝，应该发扬光大。而《霸王别姬》里程蝶衣因为给日本人唱戏而在文革里被打倒。命运与梅兰芳截然相反。如果钢琴家在中国的话，也许很早就死了，也不会活到88岁高龄。
如何对待战争和战争遗留问题？是否就应该以怨报怨或者忘却呢？都不应该的，至少应该求同存异。如何对待音乐艺术？是否就应该以国家意志凌驾其上，加以捧或杀呢？也不应该的，至少应该有容乃大。历史不容忘却，未来的路还是要继续前行的。
篇6：挪威的森林影评
“木月照旧17岁，直子仍然21岁，直到永远。”镜头切换黑场，Beatles的歌声响起，青春过去。村上春树写《挪威的森林》是37岁那年，在飞机上，想念那片北方的森林。
的某个深秋，我看了基耶斯洛夫斯基的《双生花》，如同洞悉了我们身体深处的永恒孤独一般，我得已在华沙的这个美丽女子身上确认一种哲学的悖论，之后，我对于自己一再抱有的际遇中悲观开始释然。
人生不过如此，再过三十年也只是为了印证错过与相守的殊途同归，终究只一个人形影相吊罢了。每个人都独自行走在枝藤缠绕的森林中，貌合神离，你与我隔着树相遇，对视良久，然后转身各自走向疏离。“随着四季更迭，那些逝去的生命也会离我越来越远。”《挪威的森林》是你我青春的枯萎华章，纯净而决然。
直子和薇若妮卡有很多的相似，譬如她们本身就是欲和爱的隐喻，譬如她们的纯净和透明。直子对性与爱是疑惑的，正是这份疑惑直到她生命结束也未曾解开。她对爱的理解和接纳始终停留在17岁。在直子的生命里，爱是一个三岁就开始的透明物体。从三岁到十七岁，她一直和木月相爱着，像张艾嘉的那碗粥的男孩，像歌曲《小小》中“为戏入迷我也一路跟”的女孩。
十多年来，直子已经习惯了木月的拥抱，木月的味道，没有了木月，直子就不知道存在这个世界的理由。这也是一对双生花。但明知自己深爱木月的直子却没法给木月性的愉悦，或者说纯净到没有任何欲望。这或许是作为男人的木月无法释怀的深深绝望，最终选择了自杀。
木月的告别给直子带来了无尽的灰霾，也让他们的好朋友渡边痛苦地离开。
三年后，直子找到了渡边，两个人总在荒芜的街道上匆忙地走着，不说什么话。直子20岁生日那天，竟对只有依赖感的渡边产生了性的渴求。他们完成了各自的成人礼。然而，直子却因此被自己无法遏制的性欲彻底粉碎，深埋了二十年的秘密以这样的方式揭晓，令自己感到痛苦。她无法排解自己对爱与欲的选择，开始审问这个悖论。她离开渡边，去了森林疗养院。两人于是开始了漫长的等待。
在《双生花》中，薇若妮卡的孤独是一种与生俱来的神性追问，她不断在人群中寻找，以求得自己灵魂的契合者。她对于性的尝试或许更多只是一种求解，但快感也无法排遣孤独，对话，似乎存在于渺不可及的宇宙深处，最终，她在艺术中求得片刻的安宁。
直子和薇若妮卡同时还给我们带来了一份关于性爱与死亡的孪生命题。当直子终于在最后向渡边倾诉了关于木月的那份爱意之后，渡边也发觉自己更可能只是木月的影子。即使到最后，直子呼唤的仍然是木月的名字。直子迷离的身影在森林中穿梭，她甚至怀着对重返城市人群的恐惧。她无法面对渡边，她更无法在面对渡边的同时还必须面对木月的灵魂，因为性让她愧疚于对木月的爱。这个女孩最终打碎了自己的水晶，在森林中永久迷失。死亡，是她唯一的出路。人群对她的压力并不是来自于陌生，而是来自于喧哗的孤独。她无法想象和接受渡边在城市的生活，渡边普通到仅仅只是给予她一份安全罢了，他只是和我们一样，会思念也会寻花问柳，会痛苦也会转瞬忘却。相比之现世的绿子来说，渡边更适合她。当然，春树似乎告诉我们，这等于宣判青春的终结。
20岁过后，不能再长大。直子是青春的一个符号，无限靠近美好，无限接近死亡。巴黎的薇若妮卡在性爱中看到了自己的死亡，这并非是快感，而是一种生命无法填补孤独的巨大恐惧。青春与死亡的接近，在文艺作品中可谓不胜枚举。我的理解这并不是年少的不谙世事，恰恰是最本真的过渡。我们顺利地跨过了那道坎，所谓长大，也就是瞬间老去。我们活着，却早已在青春结束时宣告了死亡的来临，之后行尸走肉的几十年，还是我们自己吗？正如渡边的电话那头问自己的：“我在哪里呢？”后来的人生，是我们替别人活着，为着一种所谓的责任。
挪威的森林是人群的森林，我们是其中迷路的小孩。村上春树将一个巨大的隐喻埋藏在里面，却将一堆现实的符号展现在我们面前。也许电影很难再现书中弥漫的祭奠伤感，但是，这一回，电影的描述没有令我失望。很多次，他将镜头对准了无尽的草地、阴郁的山峦、苍茫的白雪，还有迷宫的森林，这一切都很准确地把握住了那份神经质的脉动。他没有使用之前《三轮车夫》中的逼近现实，也没有《夏天的味道》中的优雅舒缓。他影像中近景、前景、远景中漫布植物的绿，满盈盈的，风一吹，似乎都有跳跃的舒缓爵士音调。那些东方女子在精心构思的画面里缓缓地走过，时光的印痕特别清晰。这种格调，在《挪威的森林》转化成怀旧和追忆。即使很多对原著抱着偏执热爱的春树迷一再地声称电影打破了他们对直子的幻想，但影像确实很忠实地将那份若直子一般的气质表达了出来。
看完电影，你是否还会无言的难过？是否还会无端地感伤？是否还会莫名的孤独？是的，想一想，难过、感伤、孤独时像极了十七岁的那个雨夜，悲伤直抵苍穹。然而，我们拿什么找回我们的青春？
篇7：挪威的森林影评
这部片子开拍时就知道了，但是对片子没抱什么太大的希望，不是不信任导演只是村上春树的作品实在很难搬上银幕，对剧本改编会有很多读者不喜欢，不改编照拍又很难在2个小时的电影里把小说要表达的东西讲清很多细节会缺失，最理想的是拍成一部mini剧，但是按步就班的拍又会让导演抓急，这样显得导演没性格不能把导演的风格体现，换是我的话我会打乱时间轴，先绕个圈然后再一幕幕的把原著展现，这样既能体现导演的编剧能力又能把已读过原著的观众抓牢，所以要想拍好这部片子一定要有个巧妙而狡猾的导演，一个逻辑能力很强的编剧，至于演员大可以不用松山健一菊地凛子玉山铁二这样的明星，用些新人效果会更好些！
第一次读《挪威的森林》是上高中时候的事，那时书店还很少，书是同学那里借的赖明珠老师的译本，之后又陆续的读了林少华老师的译本，叶惠的译本和其他的译本，更甚的还有本上世纪九十年代初的版本，诸多版本大家有很多争论，个人比较喜欢赖明珠老师的译本，叶惠更接近赖明珠，其实翻译做到信达就好了大可不必可以追求雅的境界，过分的雅就显得矫情做做闷骚了！
至于电影，缺失了很多细节，演员也和原著差些，导演的功力一般，对小说的理解只在表面上，影片在木月的死上着墨过多浪费胶片，渡边其实满可以更酷些，绿长的实在很混血，越南导演的眼光真的很符合他们本国特色！还是等着这部片子重拍吧！其实这部片子用动画来表达也未尝不是个好办法！
篇8：挪威的森林影评
这几天读完了村上春树的《挪威的森林》，意犹未尽，于是从网上搜到同名电影看了一遍，结果却大失所望，当然作为一个外行，我也许不能对影片的质量妄加评论，同时，毕竟，每个人的心中都有自己的挪威森林，而在不同的年龄段也会有不同的感悟，仅以我当下的体会，相比小说，对于电影我所能表达的也只能是失望两字。
初读《挪威的森林》虽谈不上震撼，却也被扣住心弦，之后是淡淡的怅然和感慨，也许我应该庆幸在40岁后读这本书，这样就少了些许少不更事的茫然和躁动，而多了一些曾经沧海的理解与感悟。但换个角度想想，早个二十年，读这本书也许会对自己产生理念和行为上的改变，从而划出截然不同的人生轨迹也未可知。这也许就是一部优秀小说的价值所在。
一部好的作品（以我的喜好）能够经久不衰无一例外的是它能直击人心，把读者（观众）带去那个时代，带到那些人物之中，感同身受他们的喜怒哀乐，并在中间找到自己的影子。但艺术作品又往往高于现实，不能将其与现实完全对接，就拿《挪》来说，其中描写的生死与性完全能够从日本的现实社会中找到影子，但我想即便是在最糟的状况下，这些情形也不可能如此频繁地出现在主人公身边，所以大可不必过分地为人物感伤和愁苦，现实生活也并不总是那么地艰难，而作者在作品中并没有传递过于负面的情绪，而只是反复流露出淡淡的忧伤、无奈和迷茫。总体来说，全书的风格并不是阴郁的，虽谈不上积极向上，却总有希望和光亮。而这正是我对同名电影的最大诟病，因为它显然没有很好把握作者的基调。书中记忆中的那一片草地沐浴在和煦的阳光下，就像温婉的直子给人无限甜美的遐想，而影片中的草场却密布着阴霾，几乎没膝的杂草被阵风摇弋，一派凄凉的景象，难以想象主人公如何能被如此景致吸引，而在其间纵情忘我。书中直子的形象始终是美好的，让人温暖，让人怜惜，哪怕是病态也仅仅表现为沉默和恸哭，但影片中的直子却更像现实意义上的精神病人，时不时发出歇斯底里的嚎叫，试想这样的直子又怎会使我不能自持，忘情难耐呢？正因为书中的直子被刻画的如此婉约，如此的几近完美，她的撒手人寰才让人痛彻心扉，无法接受，正如一开始木月的自杀一样，他们对死亡的选择都是如此的突兀，却又那么的从容，才令人无限的感慨生命的脆弱和世事的无常，这就是艺术的高于生活，而电影作品在此显然落入了凡间。
由于篇幅的原因，文学作品更能够完整的铺陈叙事，也更能细致地描述人物的心理活动，与之相比，电影的难度确实不小，尤其是在改编名著的时候。《挪》中除了直子外，绿子、玲子、初美、永泽，以及哪怕是“睡在我上铺的兄弟”敢死队这些主人公身边的人物个个都是性格鲜明、有血有肉，因此故事的展开也就顺理成章，包括各种爱恨交织、性爱纠葛，也显得合情合理、水到渠成。在这方面，电影的劣势显而易见，尽管导演力图以自我的方式对原著加以完整的诠释，但即便是130分钟的时长也未能很好地展现原著的风貌，除了被世俗化了的直子，绿子的形象也不够丰满，玲子就更加单薄，而由此片尾渡边与玲子共同缅怀直子的性爱情节就显得异常突兀而不能接受。
谈谈小说本身，尽管作者和《挪》的名声已如雷贯耳，但我还是第一次读村上春树的作品，感觉还不错，至少比《百年孤独》和《蛙》这些诺奖得主的作品更能让我读下去，也许是已过不惑之年的缘故，我倒不认为这是本充满了性和自杀的作品，在这些表象的.背后是作者对生死和社会的思考，在村上的笔下，那个所谓不正常人生活的世界才是恬静和美好的，()日出而作，日落而息，互相坦诚，彼此帮助，倒像是人间乐土、世外桃源，而现实生活则是杂乱无章，充斥着各种情欲、诱惑，光怪陆离的世俗场；而生与死并不是对立的，死是生的一部分，我们无时无刻不在感受死，吸收死，走向死，木月、直子的死都永远成为了生者无法割弃的一部分，所以死并不可怕，可怕的是不被理解、不被接纳的孤独，我想这也许是作者通过作品真正想要传递给我们的东西吧。
撇开原著不谈，客观上说，电影本身拍得尚可，越南籍导演陈英雄有其自身的风格，在故事的展开、镜头的调度、演员的配置上均有较好的把握，鉴于村上的作品不易被电影展现，之前的成功案例也极少，这次的尝试也还过得去吧，至少像是一部俊男靓女点缀的青春剧。毕竟我不是专业人士，而且观影与看原著的间隔又是那么近，珠玉在前，难免比较挑剔，还是要感谢陈导演将这部作品搬上了银幕，至少在今后回味小说的时侯，脑海里就会浮现被现实影像化了的人物印记。
以此一番评论作为对村上春树和《挪威的森林》的致敬，尽管还没有诺奖的肯定，而仅仅归类为一部畅销小说而已。
篇9：倩女幽魂影评
在大银幕上看经典版《倩女幽魂》（87版）是件很难得的经历，甚至也是人生中为数不多的得以有穿越时空感受的机会，看完电影，出来遇上老晃，他问我怎么样，我回答说很感动。老晃，这位以犀利著称的老男人，点点头说了一句：是啊，也真怪，都看了这么多遍了，在电影院里看，还是这么感动。
其实我们所感动的应该是时间，是一部电影也触发的回忆。1987年，我8岁，当然我应该是在几年后才看到这部经典，媒介是录像带，地点是我街坊邻居家小伙伴的某位舅舅家里，印象深刻的有当时还不认识的王祖贤与张国荣的水中一吻，当时还纯洁的并未有什么不健康的念头，引起强烈不安的是当时看来极为逼真的鬼怪（后来知道了，这叫停格动画），以及本以为电影已经结束了却惊喜的又来了一段地府大营救……
再看《倩女幽魂》，已经世纪之末，成为港片迷，徐克迷，理想主义的年龄，喜欢美，渴望爱，新看懂的东西，包括孤独，包括浪漫，包括郭北县里交头结耳等着看宁采臣如何挂掉的男男女女，以及看到宁采臣忙说着“品位高身份低的人又来了”把画都翻过来的小市民（看懂《倩女幽魂2》的隐喻，那又是几年后的事情），程小东与徐克联手打造的凌空舞蹈御剑飞行不只是感官上的刺激，而是内心渴望自由的暗合，只不过我们自己无能为力，只能在银幕上跟随着偶像作梦，这是一个梦想时代。
30岁再看《倩女幽魂》，已为人父，面对自身从肉体到心灵的巨大变化，常常自己也觉得不敢相信，对于过去的时光，既真实而又虚幻，青春没有多少记忆就过去了，只有银幕上的一切仍然不老，即使在人世间已经不复存在的。我并不是张国荣的粉丝，但还是在看过新版后慨叹，“世间已无张国荣”，和很多长的不怎么样的男性一样，我一向不喜欢男人太漂亮，特别是精致的那种，但漂亮过头的张国荣仍属例外，因为他的精致浑然天成，看不到加工的痕迹。在银幕上看到这位早已在天上笑看我们的人，深深感动到什么是“传奇”，犹如被诅咒的天赋，因为得到太多常人无法企及的才具和魅力，太多的与众不同，于是也同时背负了太多的因之而来的痛苦，现在更加觉得，他的死，是一个他这样的传奇最好的归宿，犹如猫王，犹如迈克尔・杰克逊，犹如约翰・列侬，犹如詹姆斯・迪恩，犹如李小龙。
午马的燕赤霞，弹剑作歌，唱出“道道道，道可道，非常道……”，电影里为他替声的是另一位天才黄沾，他是真正的燕赤霞，是生活中的侠者，《道道道》这首歌，是他与徐克在飞机上边喝酒边聊，聊出来的作品，真是高山流水般的令人神往的佳话。林青霞回忆，黄沾有一次在喝酒时说，死是不值得伤心的，他要录一盘带子，一开场就哈哈哈一阵大笑，然后告诉大家不要悲伤，要开心，准备录了等到自己葬礼上放给大家看。林青霞说，每次提到黄沾，总是想起他那沧海上的一声笑。而我们，也是如此。平庸的我们也许永远不会有这样的潇洒，不会有这样的笑对人生，笑对死亡，可是想起黄沾，总是会多了许多的勇气。
最近还和朋友说，对新版《倩女幽魂》的缺点要包容，确实，即使是徐克自己，今天再拍《倩女幽魂》，也已经无法达到87版的高度。徐克，我曾经最喜欢的电影导演，他是才子，英雄，顽童，浪漫主义者的一个混和体，今天，白了头发的徐克，常常在他身上看到些许英雄迟暮的感受，虽然我还是同以往一样期待着他的《西游记》。徐克有次在新闻发布会上，有人提到刚逝世的梅艳芳，徐克竟当场流泪不能自持，这是我为之最为感动的瞬间之一，我喜欢徐克，他就像杰克・伦敦说的“只有老年人和会变老，而年轻人永远年轻”的那种年轻人，今天，他的很多老友都已不在，我们长大了，而偶像已经老了，至少外表是，我们仍然希望他永远的“不一样”，可即使是我们从他这里再得不到如从前那么多的惊喜，也没有什么，因为只有英雄才会迟暮，而有太多人根本就不曾年轻过。
因为一部电影想到太多，这里面有太多生命的回忆，它好像一个时空的记号，想起它，犹如打开了一道门，很多画面豁然开朗。
篇10：倩女幽魂影评
独上高楼望故乡，愁看斜日照纱窗。平生自是真诚士，谁料相逢妖媚娘。四句定场诗。
一直以来，时间总是最强大的一把刻刀。人们看一些事物的标准，会随着眼界的开阔，科技的进步，乃至于仅仅是审美疲劳，可能开始产生翻天覆地的变化。从另一个角度说，某些事情也因为代表着一些不再拥有的旧时光，从而被赋予了本身不具有的美感。所以主观地活在变化中，实是常事。
但有些东西，居然无法被限制，也不会随着推移而变化，光线从正午到夕晒，它就傲然横在那个时代斜睨着各种版本与脸孔的横纵沟壑，剥去所有外遗的琳琅，划开无心留下的粗陋，它还在。意外错过，或者回首相逢，它还在。
比如属于香港电影井喷年代的那股，充沛狂放的元气。
篇11：倩女幽魂影评
细究的话，这部徐克监制冬儿导演的电影谈不上是如何严肃的古装片，其中穿越的台词数来比比皆是，奚仲文给两位男主角安排的打底裤有着极潮的布纹；也不能完全算武侠片，片中貌似没有江湖，其中那个武艺高强的燕赤霞并不是为了行侠仗义而呆在兰若寺抓妖，而是为了离人远一点；它该也不能算恐怖片，至少那些超出常理的镜头并不是真的为了惊吓观众而存在，好像就是点点恶趣味。
片中每个人都是希望按照自己的价值观去做一些让自己开心的事：夏侯要争武功排名，燕赤霞要躲是非，宁采臣要收账，姥姥要收阳气，()江湖人要抓通缉犯以求赏金，就连王晶扮演的那位眼睛都张不开的县官，都是很真挚地时刻惦记着贿赂的事，还可以顺带提句在宁采臣房间里仅仅只有跟着血味跑的干尸。要说这部电影在讲爱，有点纯以结果论（两人大部分时间更多在逃命），其实它更多篇幅里都在展现欲，但最终打破这所有的纠结的，只是两人之间还来不及分辨与细念的痴缠。细心数数看的话会发现，宁采臣和小倩之间真正的对话，其实不超过30句。
那么这到底是一部什么电影呢？关键就在这里，在如今的市场大谈所谓类型时，优秀电影会证明其实一部商业片是否迎合了尽可能多的方向并不重要，重要的是一口气看下来会觉得它真TM的好看。《倩女幽魂》有足够丰富而又浑然天成的元素，而且是在编导的安排下无比自信地一一出场。打斗，情色，悬疑，喜剧，重口味，也依然有动人的情绪，有爽利的恩义，嬉笑怒骂全不顾，要留喧嚣在人间。
《倩女幽魂》里的奇观画面，除了挥宝剑加了点《如来神掌》时代发明出来的后期光，其余全部是实景制作，巨大的舌头、灵活的树枝，饥饿的干尸，满天飞人头，修复版让画面明亮了一些，会明显看出有粗糙感，但依然一点不显得简陋。那时候整个班底会努力拍，会费尽心思去配合，那些道具也是实实在在跟演员捆绑撞击在一起。而不是如今演员摆出各种表情和姿势以后，基本什么都交给后期CG来做了。叶伟信版《倩女幽魂》中，惠英红应该就是在为了配合特技效果的要求之下，只能不停摆出同一种张牙舞爪的表情来说台词，导致角色虚得发慌。
说到姥姥扯开一句，这次重看刘兆铭，发现其实在第一部中他的戏份比记忆里少的多了，为什么会留给观众如此深刻的印象呢？除了怪异装扮和时男时女的声音，应该是小倩卧房一场，整出戏的空间调度之密，气氛调节之巧，几乎教人透不过气来，也让姥姥和小青的眼神和言语变成了一种极大的压力，于是加深了存在感。“房间藏人”一度是徐克最爱的戏码，也在新艺城的大量作品中反复出现。
电影结尾三人精疲力尽从阴间杀回，却赶上天光渐亮，早晨的阳光从破败的纸窗缝隙漏进小屋。宁采臣用额头定住木板，用身体挡住阳光，一边垂泪，一边却催促小倩快回骨灰坛中。小倩抬头看他，他却似是连头也不忍转过。
永远的离别，居然就真来得这么快，即便再多唱几次《黎明不要来》也无用。
跟人妖殊途还不太同的是，孤魂野鬼最好归宿当然是安然投胎转世，没人拿道德枷锁来阻拦你，反显出这种欢乐相依的凄凉。
不知有没有人统计过，宁采臣在电影中一共摔倒了多少次。张国荣就是在这样跌跌撞撞的狼狈里，留给我们一个光彩夺目的小书生。在危机四伏的夜途中，她细心帮他把野狼剿杀全挂上树，因为他想到她有难，同样会一把推开权贵夺马狂奔回兰若寺。这些默契，应该从他鼓起勇气去赶那条自己怕的要命的蛇开始，就注定了。就仿佛宁聂之情，注定也是悲剧，但这并不妨碍他们给彼此留下了“只羡鸳鸯不羡仙”的那短短危情三日。并不妨碍，燕赤霞忽然发现，其实自己逃到鬼的世界里，也无法不面对――人的复杂。
而香港电影的下一个黎明，会从什么方向先亮起来呢？小倩的重生之路，会在什么方向呢？
篇12：倩女幽魂影评
87版《倩女幽魂》：传统韵味足，创意个性强！
在上世纪80、90年代成长起来的港片迷，大部分都是通过录像厅、投影厅、录像带这些介质来接触港片的，在影院中欣赏到的港片为数应该不会多。因而，近几年能通过电影节、修复重映等方式重新回味老港片的风采，无疑是令广大港片迷十分兴奋的一件事。前两年王家卫《东邪西毒》的修复重映就开了个好头，如今1987年徐克的老版《倩女幽魂》又借着新版《倩女幽魂》的东风大规模重映，无疑又是喜事一件。而且相较于圈钱心态浓烈、整体水准糟糕的新版来说，老版无论在剧情、角色、创意、动作方面，即便中间隔着20多年的光阴，依然让人感觉全方位超越新版。其实，不仅仅是《倩女幽魂》，上世纪80、90年代那些经典港片，依然有当今华语大片不可超越之处，依然可以当之无愧地成为当今华语大片的学习榜样。
老版《倩女幽魂》是如何经典如何好，在影史的地位如何高，前人的评论著述已经很完备，这里就不多嗦了，而是想通过新、老两版《倩女幽魂》的对比，让大家感受到老版的精心设计与新版的粗制滥之间的强烈反差。首先在剧情和角色的铺排上，人鬼如何能够相爱？绝对是需要给个理由先的！老版毫不回避小倩害人的情节，在她与宁采臣相遇之前，就有两场她勾引害人的戏。等到宁采臣出场，湖畔听琴突出了他不受诱惑的正人君子风范，但请注意，此时小倩并未因为他是“正人君子”就放他一马，而是依然将他迷昏准备献给姥姥，只是因为燕赤霞赶到，小倩才丢下宁采臣匆匆逃跑。而宁采臣随后又追着小倩还琴，还给奋不顾身给小倩挡蛇，恰恰是这一点，结成了两人情感上的纽带，本是遭奸人所害身死、又遭姥姥控制的小倩，第一次感受到来自他人的温暖，才决定对他手下留情。后来两人又多次交集，在危急关头屡次互助，这才情愫渐生。即便如此，当宁采臣终于得知小倩是鬼，依然怕得要死，直到小倩表明并无害他之心，宁采臣这才逐渐心安，男女主角的情感合理性被营造得相当有说服力。而新版里的“人妖恋”是怎么做的呢？宁采臣在荒郊野岭碰到一个居无定所的美女，竟然毫无疑心，至诚相待，而小倩更是一个好到没边儿的`妖，无论好人坏人从头到尾都没见她害过一个，相比她那群邪恶到极点的姐妹简直不像一国的。小倩不抓宁采臣的理由竟然是“身上没有那种味道”，然后就一味保护宁采臣，两人的情感纽带居然是靠“一颗糖”这种有如幼儿园小朋友过家家的方式，真是低幼到不行。后来宁采臣得知小倩是妖后，也并无丝毫害怕，也明显有违正常人的情感心态。
其次，在道具推动剧情以及人物关系方面，新老两版也能立刻让人对比出巨大的差距。老版小倩和宁采臣初见时，导演对王祖贤挂着一串脚铃的一只玉足的特写，立刻让人感觉王祖贤性感得不可方物。后来那幅聂小倩的画像，更是成为两人情感的信物，以画寄情、题诗传情，无不充满中国传统爱情的美感和韵味。而燕赤霞给宁采臣的金刚经，更是屡次成为逼退邪魔、化险为夷的关键道具，更对结尾绝处逢生、击杀黑山老妖起着扭转情节的决定性作用。而新版有啥让人印象深刻的道具呢？想来想去不是一颗糖、就是一罐糖，而且像变戏法一样随时都能从宁采臣身上掏出来，联系情感的作用是如此牵强生硬，更不用说能在宁采臣和聂小倩爱情对手戏上营造什么美感和韵味了。
再次，新老两版在情怀方面更是有着天地之别。新版的情感关系都是烂俗无厘头偶像剧三角恋类型的，更谈不上有啥上层次的情怀可言。而老版通过燕赤霞这个落寞大侠的角色，带出了蒲松龄《聊斋志异》原著所没有的江湖情怀以及世道沧桑。燕赤霞在片中说过“我躲在鬼地方只是为了躲开江湖上的恩怨”，还说“鬼跟人一样，为了利益互相利用……人的世界太复杂，难以分辨是非，跟鬼灵在一起反而黑白分明，清清楚楚。”很明显，这是徐克在借燕赤霞之口说出他自己想说的话，而且是通过古人之口抒发一种超越时代、古今皆通用的一种人生感悟，如果人抛弃良知、为非作歹，跟鬼害人其实并无本质不同，而且人害人往往还披上一层伪善的外衣、找一些冠冕堂皇的借口，简直比鬼还更可恶。如果正义不彰、邪恶当道，那么人世跟鬼蜮也没什么分别。在续作《倩女幽魂2》里，还有“国家将亡，妖魔横行”这样的台词，都不难看出徐克这种在系列里一以贯之的喻世情怀。但燕赤霞虽然避世，但心中是非依然分明，对姥姥这种害人的邪魔外道，也势必诛之而后快，也暗示侠义之心是黑暗乱世中维护正义的一线曙光。正因为老版的情怀有着超越时代的情感共鸣力度，因而今人观之，依然会引发感同身受的种种别样感慨。
最后再聊聊动作和特效，虽然新版在电影技术方面比老版先进了20多年，但论动作场面的创意与精彩，新版其实并未超越老版，既缺创意，又无亮点。老版对树妖的全新设计，忽阴忽阳的声调，席卷而来的恶心大舌头破坏力超强，无不让人感到别开生面，传统模型特效的逼真质感效果极佳。相对于树妖姥姥的具体形象，黑山老妖则主打概念化形象，黑乎乎的一个身影显得神秘莫测、高不可攀，被消灭时从身体里飞射而出的人头，更是极具惊悚感和视觉冲击力。而燕赤霞和妖魔的斗法，通过烟火爆炸和简单的电脑渲染将动作戏营造得格外大气，达到了传统武侠片和功夫片没有的壮观效果。而新版有了先进20多年的电影科技保驾护航，得以在斗法的场面上使用更多光影绚丽的电脑特效，也制造了“叶海迷宫”这样的视觉奇观，但无论是打斗场面还是电脑特效，让人感觉只是对老版特效和招式的强化和升级，并没有多少新鲜感和创意在其中，因而尽管新版结尾打斗时间挺长，但并不让人感觉有多么震撼和精彩。
篇13：那时花开影评
影片的故事本是通俗的故事，讲述了同读一所大学的高举、张扬和欢子三人之间的友谊与爱情。影片却因情节的独特排列而显得不俗，辅以极具个性的镜头组接，呈现年轻生命体内蕴藏的庞大爆破力与双丝网般的千千结。
电影的开头便是令人困惑的，电影的结尾也有些悬而未决的意味，此番相称的朦胧感亦能成趣。影片伊始，未见画面，先闻清朗的歌声，仿佛即将展现一段以清新而平滑的笔触描绘的青葱岁月。可映入眼帘的却是用烟点燃的火烛，划亮观者的疑虑：黑暗里跳跃的火光，是想要销毁过往还是照亮未来？
故事的叙述从欢子与张扬“无声”的婚礼开始，与影片结尾欢子与高举的“有声”婚礼形成强烈反差且蕴含深意。欢子与高举的结合源于他们破坏毕业时的誓言双双服药自杀却又“意外”逃过死劫。或许可以揣测自杀其实是个幌子，他们只是想要从背叛往昔诺言的罪恶感和生活在同一座城市里想念着却又不敢相认的虚度感中解脱，以结婚为契机开始新的生活。联系同样违背誓言且与欢子有过婚姻而如今不知所踪（或许真的永远不踏出双秀园一号半步）的张扬这条三分之一主线，时光的流散与青春的混乱相交迸发出强烈的凄楚感与迷失感。
纵观整部影片的情节的铺陈，似乎缺少一个向前的线性发展过程。影片大体可看作一个回环式套层结构，其中的故事是碎片化的，是零乱的，是不按某些固定的顺序的，却又是有章可循的。影片采用旁白的形式，限制了叙事的角度，让张扬和高举分别讲述主人公群体的青春经历中的一些 篇章或对其中一段经历进行自我认知，使得事件与事件之间有了相互联系而避免了独立存在的荒唐与莫名其妙。两位男主人公作为情节的组织者与叙述者（张扬以三个人为原型进行小说创作，高举则以参与者的身份直接叙述），两方面的或交叉或并列的述说使故事的真实性产生分歧。正像《罗生门》的多视角叙述一样，是真是假皆凭观者观影过程中即时产生的主观意志。如此般展开或客观叙述或主观臆想的情节，为影片中三位主人公的青春过往蒙上了又一层暧昧的纱，混浊着显露不出最真实的模样。
影片还因镜头画面的多次重复而独特而不俗。相同镜头（三个人坐在摄录机前发誓）的穿插闪回不断酝酿新的情绪，对其余镜头起到了重要的补充说明的作用，使得多段回忆的镜头有了话语支撑。
令人记忆犹新而又迷茫的是影片中使用了人物模型来取代真实群众演员，无论是围观张望的、左邻右舍上课的还是戴着面具跳舞的，都赋予影片神秘荒诞的色彩。这一做法实在难见，似乎是导演刻意为之，旨在将时代特征模糊；将社会背景及周遭环境虚化；将注意力集中在三位主人公身上，着力表现他们的经历，彰显他们的内心世界。可活生生的主人公与僵硬的人物模型出现在同一镜头里，演绎着类似的风涌浪沉与欢合悲离，就好像模型能与人类等同，无知无畏的行为背后是麻木滞钝的心。
但无论如何，那终究是只属于他们的故事。事情是他们你情我愿自然而然发生的，誓言也是他们主动立下主动应允遵守也主动违背的。可谁教正值青春呢，青春便是大把好时光，可实诚可混乱也可被挥霍。即使路遇迷途，亦可寻思知返，以轻狂，以热血。
篇14：香水影评
这部影片我看了三遍终于明白了一点点东西。《香水》是一部讽刺着人性的虚伪对抗着固守的伦理，揭示了18C、19C法国巴黎的污秽气氛和揭示人性的一部非常有人生哲理的作品，批判现实。我觉得是一部很值得去观看的电影即使看一遍很难看明白表达的是什么，但是从中你会有一种感触。
主人公格雷诺耶出生在一个贫民区中，一出生就被恶毒的母亲丢在了烂鱼肠的垃圾堆中，后来是格雷诺耶自己的哭声救了自己一命，但是他的母亲却被他的哭声送上了断头台。这个长的丑陋看上去有点神经质的格雷诺耶有着非常灵敏的鼻子，对香味异常的敏感，而且热衷于香水，对香水的调配有找极高的天赋。在一天晚上对一个少女身上的体香着了迷之后，在疯狂的满足自己嗅觉需要的情况下却把少女误杀了，与此同时也为接下来的故事埋下了伏笔。他在香水制造商那里学到了许多蒸馏香水的方法也同样为香水制造商提供了许多的配置方法，使香水制造商的生意越来越好。为了找到传说中那种奇妙的香水，他离开了香水制造商，开始了自己的寻找香料之旅。在几经周折下，格雷诺耶渐渐的意识到神奇香水制造的原料大概是什么，于是就开始去尝试用少女的身体去提取他们身上的体香，并把得到的东西进行蒸馏，蒸馏出不同少女的十三种精油，用精油进行提炼出那种神奇的香水。在他提炼出香水的同时他也被捕了，在被送上断头台时，他用奇特的香水救了自己一命，当所有的人闻到这种香味时由愤怒转到兴奋，他们陶醉在香味中，相互抚摸，除掉衣衫……这种超现实主义的镜头真是让我不可以思议，让人有了长宽的想像空间。最后格雷诺耶回到了自己出身的贫民区，把香水撒在了自己的身上，让疯狂被吸引的人用热情吃掉了他，格雷诺耶带着香水回到了没有养自己的贫民区结束了自己的生命，寂静无声的夜，多么悲壮的故事！
影片有用了许多超现实主义的镜头，我觉得也只有像这样的影片用这样的镜头才是最佳匹配的，很有冲击力。影片故事结构严谨，没有一处是在说关于社会现实问题的，但处处都在批判现实，导演把自己内心的想法通通表达给了自己观众。同样是用了平行式蒙太奇的剪辑手法，可是剧情就是精彩，百看不厌。我觉得跟格雷诺耶的表演也有很大的关系，看上去痴痴的表情，还有那不顾一切的着迷某种东西充满渴望的双眼，还有他瘦弱的身体，并把那种不畏伦理的精神表现的淋漓尽致。看来演员的演技在影片中也是举足轻重的。
这部关于批判现实的影片，是很值得去看去感受的。
篇15：香水影评
近期看了这部法、美、德、西班牙合拍的电影《香水》，改编自德国作家帕特里克。聚斯金德名作《香水谋杀案》。这是我看了介绍就很期待的一部电影。
写影感是一次自我认知的完成，每个人都有自己不同的理解，这样才有意思。我认为看电影不需要跟着外界评论的思路走，这样不会有自己的理解和感悟。所以在看一部喜欢的电影前，我往往先不去看剧情介绍和别人的影评，以空白的脑袋去面对这部电影，慢慢摸索，一点一点的形成自己的细微感受……过后再看别人的影评。
《香水》这部电影是一部手法大胆独特，有些被神话了，但又很深邃的一部电影。影片开始就对格雷诺耶出生后所具有的嗅觉呈现出了不可思议的画面，在日常语言里无法自圆其说的东西。格雷诺耶是个嗅觉天才，他为了收集少女的体香――这种据说是世界上最令人无法抗拒的香水，为此他杀了无数少女。被捕后全城的老老少少都对他恨之入骨，法院判决用最残酷的刑罚慢慢折磨他……但，当格雷诺耶站在刑台上把罪恶香水洒向空中，令人瞠目结舌的一幕发生了……所有民众都臣服在他脚下，疯狂地互相亲吻，人们对他膜拜。
电影在此时被放慢，一切都被逆转，仅仅因为他手中的香水！然而就在这时，就在他的香水征服一切之时，当格雷诺耶站在刑台上，以高者姿态看着底下痴狂的群众，他流泪了，这是他生平第一滴泪。他出生时被抛弃在污浊的鱼肆，几十年不会笑不会哭，那些女孩子只是他保留香气的工具，而他自己身上却没有一点气味！当知道这一点时他歇斯底里，因为他认为人存在的精华就是气味，没有气味意味着他是一个可有可无的人。他在刑台上留下了生平第一滴泪，同时想起了他第一个杀死的少女，在想像中他和那少女的相处发生了变化，而这变化正预示着他意识到爱与被爱的重要性，不懂爱，不会爱，他只能是个制造和保留香水的工具！他又一次想起了那个黄杏姑娘。看来，他真正想要保存的只是她的体香。因为，她正是他的灵魂的另一半。
这部电影最强烈的印象是格雷诺耶制作香水时聚精会神的表情，他的神情是这部电影最大的亮点。他的凝神，可以让我们忘了他的罪，也忘了他的香水。其实，他的罪和香，都是奇迹和隐喻，他在凝神中参证，开启了一个通道，指向爱、智慧和真理。
光影作品更多是视听的快速冲击，它再现拍摄者对原作的理解。因为两者之间无法彼此抵补的区别，小说是一瓶香水，电影是永远的寻香人。
篇16：香水影评
也许先入为主吧，看电影时很难做到不与小说对比。总的来说，基本忠于原著，因为时间固有的约束性，在完成整体概述的同时，人物的刻画难免流于苍白，但不影响影像中所折射出的另一种唯美的气质。其风格依然承袭了《恶之花》所流传下来的腐烂芬芳的味道，以丑恶反衬高尚，以肮脏彰显纯美。其中形而上的是结局带来的反思，现在的影视作品越来越频繁地陷入这种沉思：当原罪只是出于本能，我们如何用道德的标尺来评判它。
当影片开场的时候，千万人聚集在一起，高声呼喊着对格雷诺耶的惩罚，这是一次集体性的谋杀，一个全世界的阴谋。嫉恶如仇，对恶魔的痛斥，这所有的一切也许也仅仅是一个表现。影片的后来将会给观众们一个似是而非的答案。
格雷诺耶的世界是没有善良的，母亲生下他的第一反应是要将他掐死，完全不具有作为母亲的那种善良，最后因为低贱而死去。修道院的嬷嬷为了能将格雷诺耶卖出而死去，善良的宗教已然沦丧。皮革老板因为压榨格雷诺耶然后再谋求钱财而死去，同样也没有善良，只有贪婪与残暴。
格雷诺耶根本是一个死神。在他的童年中，凡是与他有过接触的人都会死去，但这些人都缺失了一种爱，更重要的是，这些人都是因为低贱的社会地位而将爱缺失的。于是，格雷诺耶的童年最大的问题不是他具有天赋异禀的嗅觉，而是那个肮脏污秽丑陋的没有爱的世界。
但格雷诺耶渴望爱，这是所有人在缺失后的一种必然反应，但很不幸，由于童年过度的爱的缺失，令格雷诺耶根本无法寻找到爱的正确表现方式，于是，当第一次对爱充满了渴望的时候，他用一种过度的爱去扼杀爱的来临。
拥有玫瑰红发色的卖杏女孩的死亡是一个意外，由于格雷诺耶对爱的木讷，由于格雷诺耶生活的环境注定他无法对爱产生一种正常的表达方式，于是意外产生了。但这是爱的初次品味，足以令这种爱的滋味刻骨铭心，然后便是一个寻爱的过程。没有经历过爱的人寻找爱的感觉，那么，他只能通过一种畸型的方式去寻求。香水，爱的体现，但香水同样也是爱的物化异化。爱被亵渎了！
老香水师同样也是贪婪的，他虽然教会了格雷诺耶许多保留香味的方法，但他同样也没有爱，更没有教会格雷诺耶保留爱的方法，于是格雷诺耶寻爱的过程受到了挫折，他必须离开老香水师，寻找到真正的保存爱的方式，但爱能够保存下来吗？
格雷诺耶离开的时候，上百个配方伴随着老香水师而同样的死去，其实有关香水的一切都不重要，因为老香水师并没有理解让对香水的定义，在老人的眼中，香水是纯粹的物质，而不是有关爱有关精神领域中的渴望。所以，恶魔再次夺走了一个没有理解爱是什么的人的生命。
格雷诺耶是恶魔，一个寻求爱的真谛的恶魔，但格雷诺耶也不明白爱到底是什么？
前往香水之都的道路上有一个山洞，里面没有一点气味，这是一个奇异的地方，格雷诺耶于是安静地睡去了。对于格雷诺耶来说，世间万物，物质的，精神的都可以用气味来解释，唯独这个地方没有气味，什么都没有。这个平静的场所令格雷诺耶远离了世界，远离了巴黎那所有的物化，他在这里得到了一种超脱。但他真的能够解脱吗？
没有，睡梦唤起了格雷诺耶的意识，他原本可以将一切都看淡的时候，他却发现自己并没有完全了解这个世界，他虽然可以嗅出所有的气味来，但爱的气味始终没有亲近过他，甚至自己由于没有体悟到爱的气味而感受不到了自己的存在。他发现自己是一个没有气味的人。在这种情况下，格雷诺耶终于没有走上大悟大彻的境地，终于还是被世俗的气息所迷恋着，他不甘心自己的觉悟之中还具有某种缺失。
从山洞中出来，格雷诺耶终于开始了自己的恶魔生涯，也许这是一个救世的生涯，他带着一种使命感去寻找那份爱，那份爱的气息。
用少女的体味作为香水的原料，对爱的求索势必会发展到一种极端的行为。于是，格雷诺耶开始了杀人的行动。这个时候，香水本身对他并不重要了，重要的是他那种对爱的疯狂的残忍的索取。一个个少女，一个个没有物质化的少女被格雷诺耶留下了，那是纯真的爱，但也是极度可怕的爱，一种能够让所有人都迷恋的爱。
萝丝是格雷诺耶心中的爱的化身，是香水之都最美丽的爱。当十二瓶香水最终集合而成的时候，第十三瓶一定要从萝丝身上摄取。十三，这是一个可怕的数字，因为在一些被教会排斥在外的说法中，耶酥的第十三个门徒是抹大拉的玛利亚，更有说法是耶酥的妻子就是这个女人。所以，萝丝显然在充当最后一个献身者时暗含了格雷诺耶的最终所爱。这与格雷诺耶多次暗中窥视萝丝是相当吻合的，更主要的是，萝丝一直在反对着物化的爱。但畸型的对爱的求索以及低贱与高尚的差距令格雷诺耶无法象正常人一样表达出这种爱意来。当所有观众为萝丝的死而感到悲哀的时候，事实上，格雷诺耶却是以自己的方式表达了对萝丝的爱，他需要萝丝，不仅仅是配方的摄取，更是一种精神上的依恋。
完成了对萝丝体味的摄取，格雷诺耶终于被送上了绞刑架，于是，故事回到了开头那一幕，所有人都叫嚣着杀死这个恶魔。但这个时候，格雷诺耶取出了自己的香水。他别无所长，他毕生的心血就是手中握着的这一小瓶香水，他却用它征服了这个世界。他被押上断头台，万民的呼声由唾骂转为乞求。行刑的刽子手，甚至连萝丝的父亲也跪在地上乞求他的宽恕。无论如何，这都是不可思议的事情。广场上所有的人在这魔法般的香味中失去了自制力，他们撕毁了道貌岸然的衣冠，情不自禁地浪荡起来，男女男女都开始赤裸的释放欲望，从贩夫走卒到天主教皇，整个广场陷入疯狂的群交，犹如神话中的宙斯导演的罗马圆形大剧场的那一场狂欢。而这里的宙斯就是十恶不赦的格雷诺耶。
一次道德的审判大会就这样被一场突如其来的浮世绘所摧毁，这是一个多么讽刺的过程。他坦然地走了。()或许虚伪的道德始终不配审判单纯的念头吧。尽管它面目可憎，穷凶极恶。
宗教意义上的救世主来到了现实之中，所有人为了这种爱的香水而发狂，所有人都臣伏于爱的体会中，是仇恨被化解还是这个世界本身就缺失爱？虽然萝丝的父亲以父爱的执著对这种已被恶魔化的爱做过抵抗，但那同样是无力的。而面对着为爱而疯狂的人们，格雷诺耶的眼角流下泪水，在这个瞬间，他似乎明白了爱到底是什么。
爱到底是什么呢？爱是不能被物化的，爱不是香水所能够替代的。格雷诺耶找到了爱的本质，找到了自我对爱的理解，却真正地失去了爱本身。香水成了他得不到爱最大的障碍，正是那种天性中的异禀令他无法承受爱，一直妄想摆脱爱的物化，却没有想到自己生下来就已经具有了物化后的爱。物化的不是爱，而是自己，这是一个可怕的结论。
于是，神奇的香水对于格雷诺耶已经根本没有意义了，他根本没有设想自己成为一个救世主，成为一个可以操控整个世界的人。他突然回想起初见那玫瑰红发色女孩的场景，他甚至幻想他没有杀死她，他希望他能够亲吻她能把温暖和爱带给她，可是一切回不去了，什么都没有了，有了这香水，又能如何，得到了天下，又怎样？于是，他回到了出生地，那个肮脏丑陋的地方，那个充满了难闻气味的地方，正是这个地方让他物化的，也正是这个地方将他的爱物化的。
格雷诺耶将所有香水都倒在了自己身上，看着那些低贱的得不到爱的人将自己慢慢地分食残噬，对于他来说，这是一种解脱，低贱的人也应该在低贱的地方死去，高尚的人却不应该存在于香水之中。格雷诺耶的香水根本改变不了什么，那只是暂时的爱的体现，于是，当疯狂的爱被低贱吞噬以后，低贱的强大便表现了出来。巴黎街头依旧充斥着流浪汉，妓女和臭鱼烂虾的味道。
现实总是残忍的，有许多我们不愿面对的结局。当伤害只是必需，我们如何接受既定的归宿。
篇17：一个都不能少影评
影片《一个都不能少》改编自《天上有一个太阳》，讲述的是一个山村代课教师魏敏芝奉行高老师的嘱咐――一个都不能少，从而展开的一系列故事。
故事的主人公魏敏芝是邻村的一名小学生，因为帮助母亲生病的高老师代课从而成为水泉小学的老师。高老师在临走时，嘱咐她，班上的学生，一个都不能少。正是这样的一句话，她当成了一种信念，她毕竟还是个涉世未深的孩子，身上还存有一股孩童般的稚气。可是，她却具有一种可贵的品质，似雷锋般的执着与倔强，认定了一件事就会义无返顾的做下去。这一点，在她藏明行之时和到城里寻找张会科时得到了很好的体现。或许有人会说她一根筋，其实，这是一种精神，一种不怕困难，积极向上的精神态度，遇到问题，不抛弃，不放弃，最后到达成功的彼岸。
在这部影片中，运用了叙事蒙太奇的手法，增强了故事的流畅性，使导演的表意和叙事性得到了很好的体现。在影片的开始处，乡间的田垄，贫瘠的土地，年代久远的土胚房等画面通过远景的呈现，渲染出水泉镇贫穷的面貌以及当地条件设施的简陋，突出那里恶劣的条件。另外，在魏敏芝发现可以采用寻人启事的方式来寻找张会科时，她立刻就买来了纸和笔在车站大厅的凳子上写了起来，此时，镜头对她身旁的一位正在睡觉的老大娘进行了叠化的处理，导演通过这种技巧转场的手法，将画面处理的很柔和也能表示出老大娘睡的很沉。电影是一种时空的艺术，导演通过这种方式将一晚上的时间压缩成短短的几十秒，体现了一种时空压缩性，也能从侧面反映出魏的执着。在影片的后半部分，魏敏芝作为嘉宾出现在市里的电视栏目中，她坐在摄影棚内，是茫然的，可是当主持人要她对着镜头说几句话时，镜头特写了她的面部，她泪流满面，眼神里满是对张会科的思念以及对这几天教师生活压力的宣泄。导演这样做，增强了人物情感的流露，让观众能够产生共鸣。
在音乐方面，本片采用了音响开头法，通过狗吠等声音，交代了农村的环境，直接明了，避免了罗嗦和复杂，另外，本片运用了二胡这种乐声凄婉悲凉的民乐，迎合了当时的气氛，切合主题，将故事推向了高潮，引得观众融入其中。例如：在魏敏芝被赶下车时，音乐声响起，画面中，她一个人在山路中走着，体现出她的一种无奈与难过，在张会科漫无目的的走在大街上时，此时的音乐便很好的体现了他的那种饥饿的状态和难过想家的心理。值得一提的是，本片中魏敏芝三段唱歌的戏是非常经典的。第一次，是高老师要她唱，她很羞涩的唱着而且还跑调了。第二次是她和孩子们一起升旗唱国歌，大家虽然唱的参差不齐，可却完整的唱完了，因为这是他们唯一能唱全的歌。第三次是魏教孩子们唱歌，一共唱了两首，可是都没有唱完，跑调的歌，拙劣的舞蹈，反映出当地教学状况的糟糕，师资缺乏，条件简陋。导演并没有通过大量的篇幅去表达，只是通过她三次唱歌就反映出这些问题，这种功力，值得我们学习。
篇18：甲方乙方影评
电影讲述着这么一个故事：以钱康为主、姚远、梁子、周北雁等四人组成了一个以服务行业为主的小集团。名称叫做好梦一日游，实现的是客户想要过一天客户想要的日子，过足自己的瘾。我们从现实的角度来看就是这个公司之所以可以存在，主要原因就是他可以满足人的虚荣心。就像电影中的第一个客户一样，那个书店老板，他想过当军官的瘾。这个小集团就会为满足客户的虚荣心，从而调动相应的人力、物力、财力来达到这个目的，进一步为客户服务。
电影作为一个贺岁片，更多的是在以一种幽默诙谐的方式来讲述着如何为不同客户的梦想服务的，在这中间偶尔穿插着姚远和周北雁的温馨爱情故事，那么的顺其自然，那么的纯真。
在这里面，也有值得我们借鉴的东西。比如说那个张大厨子，他知道自己嘴快，藏不住话，知道自己的弱点，所以他的要求是在一天内守口如瓶。故事情节不得不说很搞笑，但是笑了之后，也同样的需要我们去思考。他在这个过程中虽然没有完成自己的这个意愿，他还是说出了别人告诉他的话。但是难能可贵的是他自己知道去总结，他知道自己的目的没达成，但是收获了其他的东西。他知道了英雄不是那么容易当的，他知道了自己不仅仅是嘴快，而且胆子也小。从这个角度来说他更加清楚的认识了自己，深入了解了英雄这个概念。这件事至少会对他以后的生活产生很多正面的影响。
然后从这个小集团方面来说，这个公司的业务过程是成功的。虽然没有完完全全的实现客户的的目，但是能让客户在服务过程后知道没达成目的后，但是也觉得这钱没白花也是相当的不容易的。
事后，我们也可以来分析这个小集团为什么没完成张大厨子的要求的。仔细想想，这个目的压根就不可能达到的。为什么？因为他想要改变的是什么，是改变他性格上的弱点。你想，一天之内，就能改变一个人的性格，这可能吗？他的性格是这样的，这个小集团可以做的就是，让他深入的了解这个性格特点的利和弊。()只有知道了利弊，他才可能会去思考我这性格到底要不要改变，怎么去改变。这个小集团能做的就是在这一天之内有个深入的认识过程。很显然，小集团是成功的。
然后是另外的几个客户，我们可以把他归纳为同一种人。不管是影星还是老板------他们都是厌倦现在的生活，希望过一种截然相反的生活。他们会把这种希望当作是一个梦想，不管是通过了什么样的途径或者中介，因为需求的关系，他们成为了这个小集团的客户。同样的，他们最终还是收获了他们想要的东西。知道了如何去珍惜身边已经拥有的，更加明确了自己的目标，自己想要的生活，更加透彻了人生的意义。
觉得这个电影，很大的一个主题就是反应了现实生活。影星、老板为什么会厌倦当前的生活？为什么会有这么一个集团的产生？肯定是这个行业让她感觉到累，老板肯定也有身不由己的原因，肯定是有人需要这么个方式来满足自己的虚荣心。最后是那个农民工，他为了房子，和妻子分居二十年，这不得不说是社会的悲剧，对中国房产问题的思考，是值得深思的。很多时候，我们都是需要抽出那么一点时间来思考人生的，就好比那个农民工，他终其一生，为的是什么。我估计他到在他妻子离开人世之前都没有明白。这是属于个人的悲哀。
然后是电影中，特别喜欢姚远说话的方式，幽默诙谐，而有非常的有逻辑。给人的感觉就是非常的成熟稳定。我想这也是现在我所欠缺的。
通过电影，我们需要举一反三。需要知道人生除了做好自己，还有更多的事情需要我们去做。就好比做一些力所能及的事情去帮助那些需要帮助的人。需要知道，其实幸福，是那么的简单，幸福是没有准确的定义的，是需要我们用心去触摸的。
篇19：甲方乙方影评
《甲方乙方》是冯系的贺岁片，电影编排有时代感。在《甲方乙方》上映时候正是社会上诚信最缺乏之事，人完全跟着钱跑，为了钱人完全不要脸了。电影开始就用演员读合同，点出这个社会人与人之间必须有，法律承认的合同才行，你才能去做事。
电影只用三个故事，就人与人的社会关系展现的淋漓尽致第一个故事是从合同开始，富人有个梦想，就是要吃苦。为了完成这个梦和姚远公司签了合同。被请到山区，把属于现在生活用品全部交出来，就在山区过日子受苦。
镜头扫到一双脚上，著名演员出门被影迷包围，情急之下都丢爱犬。正巧被姚远拾到，通过狗，姚远见到了著名演员。并提出帮著名演员过上正常人的日子。于是演员授权给姚远，发表一个声明退休。马上就有效果了，翻脸不认人的名利场，马上放弃这位演员，没有人在和演员联系。
不知道这位演员平常人生活什么样，但是她耐不住寂寞了，主动出击去找事得到的都是冷冰冰的回答。著名演员身边人也全部走了。可以过正常人生活的演员，开始怀念给人签名时候的感觉了。这个时候姚远想到了，那位受苦的富翁来，当车出现在山口时候，那位富翁望眼欲穿的等着呢，他已经吃完了全村人的鸡。
这两位都是有钱撑地，拿钱来玩事，也有不是这样的。姚远和女朋友去医院看见两地分居的男人，他的妻子已经走到生命尽头，她的梦就是有一个家。姚远和女朋友都有个梦就是帮助可怜的他。
这样他俩把婚房借给这位老哥，让老哥去园妻子的梦。同样喝酒的全公司四人，都都说，这个房子不会还了，最后姚远也放开，房子不还就不要了。这种境界干什么也能成功。这个时候老工人来还房子钥匙，他的妻子已经走完了人生路。
富人和穷人都有梦，但是他们的梦是相反的。真正好人就是藏在穷人中的有良心的梦。
这部电影的演员全是大明星，阵容强大，演的不错，关键还是编导写的好，现场调动的自然流顺。
电影看似无意，情节看似简单，但是细细想来每个场景每个人每句话，都能在我们身边对号入座，这是社会现实，电影好看更能让观影者深思。
篇20：形影不离影评
形影不离影评
伍仕贤的《独自等待》，看过几遍，周边朋友老师都说是佳作，我当时就觉得嗯，还好吧！于是七年后的2012年，当我知道这位导演新作《形影不离》面世，还有我的菜吴彦祖的时候，毅然决然地决定好好看几遍，希望能有真的惊喜。
先说结果，不是很喜欢，贴近现实的生活化常态，如工作压力、生活压力、婚姻压力……一切距离我们最近的东西都呈现在荧幕上的时候，作为观众实在不好说怎么拿捏尺度就衡量接下来发生的那一幕幕如此嚣张的生活态度和行为，你说呢？
拿上吊、死亡挣扎作为开头的电影应该不算少数，但是放在一部近似文艺、喜剧片的开头又稍显腻，就如坐到桌前第一盘菜就是红烧猪蹄一般，不好下嘴表情图片李越（吴彦祖）的脑海中浮现的都是与生活、工作相关的情形，导演显然是想通过这般镜头叙述李越这段时间精神上的问题，一定是这诸多压力的集合体。这应该是电影中常说的铺陈，给观众一个合理的'借口，让后面的虚实变得不那么复杂。
凯文・史派西赋予的这个角色，不好定位，是吴彦祖内心的一个影子还是他臆想出来的？我是看过两遍都没想明白，精神符码赋予了电影忒多不好解释的镜头和段落，比如小蜻蜓在他视线里的摇摆，比如李越去看心理医生的桥段，（赵宁宇大师，哎，我就不说什么了，打酱油打的挺好的说。）突然矛头变成了他的邻居和朋友是不存在的，是幻觉，是精神错乱。
这幻觉背后的几个镜头，交代的都是老百姓眼皮底下的事，刮了车要讹钱；看不过老板的德性去扎轮胎（话说去开过几次剧本讨论会，这种桥段时不时在各种剧的中间都会被一帮90后编剧提出来打牙祭，得多好用？）话说现实中谁会把一切压抑都发泄在这样惊险嚣张的生活中，去扎个轮胎，去砸个车，去扮蜘蛛侠？一切的一切只有在影像世界里才能找一个合理借口诠释一番。
从1分开始，这个故事我就看不下去了，李越开始意识到他时间和空间上的错位，意识到一切幻觉的不可救药性，意识到他的朋友只是一个虚幻的不存在的自我而已，却无法控制这种形影不离，这从影像角度上是可以说的通的，虚幻的而已，如果导演想让受众不动脑筋理解剩余的三十分钟，索性可以黑白和彩色做一区分，然而这片子没这么做，就是试图让李越带着大家一起困惑、迷离然后自己解脱。
终于解脱了，这部片子教育热爱电影的孩子们：原本是丢失了一个孩子开的头，结果被天马行空成精神病患者的英雄情结。多么现实的开头都能扯成佛洛依德之类的学说性困惑。
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