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古筝演奏的音乐教学论文

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古筝演奏的音乐教学论文(（共19篇））由网友“ggngggg”投稿提供，小编在这里给大家带来古筝演奏的音乐教学论文，希望大家喜欢!

古筝演奏的音乐教学论文

篇1：古筝演奏的音乐教学论文

古筝演奏的音乐教学论文

一、古筝演奏技法的发展

（一）对传统演奏技法的继承和创新

当前我国的古筝弹奏技法虽然融入了许多现代元素，但传统弹奏技法依然居于重要地位。在古筝演奏中，运用较多的仍然是点、揉、吟、颤等传统的演奏技巧，这些传统技巧凝聚了古筝弹奏技巧的精髓，在古筝弹奏中起着极其重要的作用。然而，另一方面，传统技法又具有较大的地域性特征，这显然已经不适应当前的多元化音乐艺术需求。因此，古筝演奏技巧必须在继承的基础上有针对性的加以改革创新，当前古筝演奏在规范基本演奏手型和姿势的基础上，又着重发展了左手演奏技法，使得古筝弹奏更加灵活多变。

（二）借鉴吸收其他乐器的演奏技法

古筝演奏技法的产生和发展都是遵循乐器自身特点和音乐发展规律的，在此基础上吸收和借鉴其他音乐元素加以融合，促使古筝演奏更有包容性和丰富性。古筝演奏对其他乐器的吸收一方面表现在对民族乐器技巧的借鉴上。例如吸收利用琵琶的扫弦法以及木鱼的敲击技巧等。另一方面是融合运用西方乐器演奏技巧，例如利用除了中指、食指和大拇指以外的其他手指参与演奏，同时，充分发挥左手在演奏中的功用。

（三）演奏技法的多元化发展趋势

当前的古筝弹奏技法除了继承和创新传统的演奏技巧，还吸收融入其他乐器演奏技巧，同时，还在此基础上呈现出多元化的发展趋势，在传统的点、揉、颤、吟等技巧的基础上，还形成了轮指、摇指、点指和转换音列等技巧，使古筝演奏呈现出前所未有的活力。古筝演奏技巧在继承民族性特征的基础上，更加符合当前音乐艺术国际化的时代特点。

二、古筝演奏技法的发展在音乐教学中的运用

古筝教育作为古筝艺术的基础与动力，既为古筝演奏提供动力源泉，又跟随着古筝演奏技法的发展而不断调整，因此，古筝演奏技法的发展必将在音乐教学中运用和体现，具体而言主要体现在以下方面：首先，古筝弹奏技法的创新要求教师在进行古筝教学时，要引导学生充分了解古筝的乐器特征和发展概况。掌握定弦、左右手手势、音位、基本手指指法等基础理论和技巧，在此基础上进行相关的实践训练。在训练时教师要特别注意，学生在弹奏时左右手指法的`姿势和步骤是否正确。并且事先为学生讲解各指法较常见的弹奏问题及原因，并提出相应的防范和改正措施。指导学生掌握正确的指法和手势，从而确保弹奏的音色和速度效果。其次，在古筝音乐教学时，教师要指导学生通过不断训练和调整，掌握扎实的基本功，让学生通过对音节快慢、强弱、粗细的把握，充分展现不同曲调的情感和意境。其次，教师在指导学生进行古筝训练时，应当针对“复习曲目”和“新学曲目”的特点，制定出相应的训练计划。针对“新学曲目”要引导学生放慢速度，即便是节奏较快的曲目，也要从慢练开始。此外，针对那些难度较大、技巧手法比较复杂的曲目或片段，要分章节、分阶段逐层练习，在各章节熟练之后再融合练习，逐个击破训练的重难点。在学习新曲目的同时，教师也要适时安排学生有计划的复习已学过的曲目，做到温故知新。并且指引学生根据已熟悉的曲目总结弹奏技巧和规律，并根据新曲目类型加以实践检验。此外，古筝教学与其他音乐教学一样，具有较强的实践性，因此，教师在古筝教学中，除了要讲授基本的理论知识，还应要求学生加强弹奏训练，通过举办各种晚会、艺术节等活动为学生提供展示平台，让学生通过演奏实践，不断总结和思考，形成听觉与感觉的沟通交流，逐渐完善自己的音乐认知标准。

篇2：古筝演奏400字作文

古筝演奏400字作文

今天，我代表班级去参加学校文艺节的乐曲演奏复赛，我演奏的是古筝曲《泼水》。

我排18号，刚开始我觉得这个号还是挺吉利的，希望我能好好发挥。不过当我知道17号是谁的'时候，大吃一惊，竟然是林霖！她的古筝可是考过了10级啊！她在我的前面，水平这么高，然后我再上场，一对比，不是有很大的差距吗？不过我感到安慰的是，林霖是六年级，我才四年级。

林霖弹完了，轮到我了。我紧张地走到古筝旁，给评委做了自我介绍，然后坐下来，开始认真地谈了起来。开始一段慢板不错，很快弹到了快板，这是我最容易出错的地方，但是我今天一个错也没有！接着回到慢板，我有点走神，但一般人都看不出来哟，因为我还在像刚才那样演奏，可心里在想事儿。一不小心，一个音弹错了，我马上开始聚精会神的弹奏，谢天谢地，再也没有出错。

我兴奋地冲出音乐教室，向妈妈跑去。妈妈说：“子婕，表现很好！”我开心地笑了。回想起我辛苦练琴的四年，真是不容易呀！今天能够在老师和同学们面前几乎完美地演奏，都是长期辛苦练习换来的，真是一份耕耘，一份收获！

篇3：浅谈古筝教学论文

浅谈古筝教学论文

古筝是我国古老的弹拨乐器之一，流传至今已经有多年的历史。它因音域宽广，音色优美，幽雅古朴，演奏技巧丰富，表现力强，所以深受人们的喜爱。历史上曾古筝也在飞速发展，越来越受到人们的重视，成为陶冶情操、修身养性首选的民族乐器之一。特别是随着从五声音阶发展到七声音阶，从演奏民族传统乐曲发展到演奏外国乐曲，扩大了筝在音乐中的影响力。近年来，古筝普及之势迅不可挡，因此，探讨古筝教学，对于古筝的推广、传播与普及具有着重要的意义。

一、古筝教学中存在的主要问题

一是观念落后、内容陈旧、形式呆板。许多古筝教学教案都是几年甚至几十年的古老教案，很难跟上形势和时代的发展，内容毫无新意，对国外先进的教学理念与教学内容视而不见甚至采取排斥的态度。单调的教学形式无法激发广大学生的学习热情，教学形势与时代的需求严重脱轨。

二是缺乏丰富多彩的教学手段。在目前的古筝教学中，手段比较单一。在不同类型的教学中采取一样的手段，没有具体的针对性; 有的教师不能针对学生不同的特点，采取不同的教学方法; 单一的教学手段，致使学生们普遍感到枯燥无味而失去对古筝的学习兴趣。

三是学生们的发挥空间有限。在目前的古筝教学中，我们经常看到这样的现象: “很多地方的古筝教学仍然沿袭教师教———学生学———学生上课———教师辅导的流程，这实际上是一种传统的教学模式，教师依然是学生的主宰，处于说一不二的权威地位，换言之，教师是学生门学习古筝知识和演奏技能的唯一来源，是一种传统的‘师父带徒弟’的落后方式。”这种教学方式，极大地压抑了学生学习古筝的积极性和主动性，学生学习的主观能动性得不到应有的发挥，也无法发挥出自己对于古筝演奏的灵感。

二、古筝教学中问题的解决办法

（一）激发兴趣，营造良好的音乐氛围。

兴趣的发展与良好的音乐氛围也是息息相关的。如何营造良好的音乐氛围, 我有以下几点建议:

一是采用古筝小课与集体课相结合的模式。传统一对一小课主要强调老师细致的示范讲解和学生相应的模仿。这样老师可以针对学生的问题直接对症下药, 使学生尽可能快的掌握正确的学琴技能和音乐思路。然而, 这种教学模式也存在着不足, 比如, 学生会对老师产生过多的.依赖性, 同时和同伴缺少交流。从而, 产生一种相对闭塞的学琴空间。集体课的形式可有力的冲破这一僵化的模式, 比如一对四的课程。上课过程中老师可先不参与讲解, 一个学生完成自己的曲目后, 由其他学生来参与点评, 各抒己见, 最后老师来完成总结。如此以来, 可锻炼学生全方位的思考问题及解决问题的能力; 同时, 大课的开展也为齐奏与重奏教学提供了空间。多样的教学模式,丰富了课堂的内容, 给主课学习注入了活力。

二是课堂教学, 家庭教育相互配合。对学琴者来说, 课堂时间是短暂有限的, 更多的努力是在课外。有很多人学琴后感到有些枯燥, 很大原因也是来源无法忍受独自在家练琴时的寂寞。因此, 我们可以邀请家长参与到课堂中来, 及时了解孩子的学习进度与学习状态。父母可以在练琴的过程中给予孩子适当的鼓励与提醒, 同时, 成为孩子最好的听众。三, 让学生走出封闭训练的小天地,适度参加比赛, 小型音乐会及各种社会表演活动。古筝是一门音乐表演艺术, 仅仅靠练琴和上课是不够的。所以最好适当参与一些演出或比赛, 通过舞台实践, 可提高孩子的自信心, 激发孩子的表演欲望, 从而促进学习的积极性, 同时, 这也为孩子与老一辈艺术家接触提供了平台。但是过多的表演也不好, 会耽误学习的进程, 所以还是要注意尺度的把握。

（二）提升能力，选择适宜方法。

选择好适合学生的乐曲，循序渐进的教学，减轻学生对旋律的陌生感之后，让他们不会有曲生畏的负担，应注意由浅入深，由易到难的教学方法，因人而异，因材施教。学生拥有积极地兴趣和一些简易的指法之后，就应该乘胜追击，保持他们对古筝学习的热情，并且对他们的演奏的几个重要方面加以培养。

一是演奏姿势，正确的演奏姿势不仅仅是美观大方，更能很好的发挥技术特长，对表达自己的内在感受和乐曲的意境有重要的辅助作用。将音色音质和优美正确的坐姿结合在一起，在演奏时才能全身平衡和谐，张弛有度，使得琴人合一。

二是读谱识谱，这是古筝的根本，音的高低长短在音乐

中十分重要，在古筝教学中要同步进行简单的乐理知识强化教育，要求学生们养成自己读谱记谱的好习惯，能正确识别各种符号，识别节奏，把握音乐的风格，如何塑造音乐画面是非常重要的。

三是曲目的积累，巩固已学的知识技能，为今后的学习提高打下基础。经常复习学过的乐曲，对于预习的乐曲，多听多看多了解，是曲目积累的好办法。

四是欣赏名家名曲，经常让学生欣赏名家演奏名曲，可以激发他们的兴趣，开阔眼界，让他们在感受古筝音乐美妙的同时，提高自己的欣赏水平，培养艺术情感，使得演奏水平提高。

（三）发挥好学生的主体作用。

古筝教师要培养学生的学习兴趣，调动学生的积极性与主动性，使他们怀着浓厚的学习兴趣，自觉地、兴致勃勃地主动学习。“教师应该有的放矢，给学生多示范一些不同类型的曲目，经常引导学生欣赏一些好的作品，欣赏名人、名家精彩演奏的音像，创造机会让学生观摩一些精彩的演出，使学生既能享受到古筝音乐的美，又能使学生享受到文学的美，借以激发学生学习兴趣”。同时，教师在教学过程要避免千篇一律，要在教学方法上有所改进，从激发学生的学习兴趣。

总之，随着古筝音乐的发展，筝艺水平的不断提升，演奏技法的不断革新，必将推动古筝学习的普及与发展。因此，只有从古筝教学特点出发，尊重古筝教学规律，创新教学方法，才能够激发学生的学习兴趣和热情，进而提高古筝教学水平和质量。

篇4：古筝演奏渔舟唱晚的说课稿

古筝演奏渔舟唱晚的说课稿

一、说教材：我今天说课的内容是古筝演奏课《渔舟唱晚》，《渔舟唱晚》是一首古筝独奏曲，也是近代古筝家娄树华在本世纪三十年代中期根据古曲《归去来辞》的素材加工改编而成的一首传统筝曲，表现了夕阳西照，湖面歌声四起，满怀丰收喜悦的渔民，驾着片片白帆，纷纷而归的动人画面。标题取自唐代王勃《滕王阁序》中“渔舟唱晚，响穹彭蠡之滨”句中。在本课中，着重让学生主动参与弹奏中来，加深学生对音乐艺术的认识，增进对音乐艺术的感情。

教学目标：

1、认知目标：熟悉乐曲及主题思想，初步了解中国传统音乐，通过教师的讲解和学生演唱、演奏乐曲主旋律，加深对乐曲各段的理解。

2、能力目标：引导学生听、唱、讨论、联想、感受、演奏等方面来了解古筝的音色和表现力，促进学生个性自由和谐地发展，达到艺术熏陶与塑造人的目的。

3、情感目标：通过对作品的欣赏，了解中国优秀音乐文化的悠久传统，培养学生对民族音乐的爱好和弹奏古筝的兴趣。

教学重点：了解古筝的音色和表现力，体验乐曲表达的情景和意境。

教学难点：让学生熟悉这首乐曲的基本演奏技巧。

二、说学法：学生是学习的主体，要让学生能主动积极地学习，选择方法是很重要的。从音乐教学的角度来看，高中学生的音乐兴趣取向表现出了多样化的特征，其音乐经验和音乐能力也得到了较大的丰富和提高。因此，他们需要通过多种形式的艺术实践活动，提高自己的能力，也需要有意识地将音乐的人文内涵融入教学之中。在课堂中，我坚持“教师为主导，学生为主体，师生互动、学生参与实践”的原则。在组织学习活动时，采用多种多样的学习方式，给学生以广阔的空间，让学生自己发现问题、解决问题。

三、说教法：在教学本课时，我以亲身演奏乐曲诱发学生学习的兴趣，让学生自主参与，自主探索，独立获取知识。同时充分利用生动形象的教学语言，贯穿于整个教学过程中，因此我的教法中体现：

1、音乐中加强群体意识。

2、充分调动学生全身的感官，形成师生互动，使他们积极主动地参与课堂教学。

四、教学过程：在一部分，我设计以下几个环节：

1、导入新课：在音乐教学中，音乐情绪和情感体验尤为重要。首先我会提出一些问题：20xx春节联欢晚会上和宋祖英一起唱歌的谁？你们还熟悉他其它的歌曲吗？这首歌曲你们听过吗？我将用古筝来演奏《青花瓷》，这样就可以把学生的注意力集中起来，引起他们的有意注意及兴趣。

2、介绍新课：引导学生探究古筝的发展史及构造：古筝距今有20xx多年的历史，是中华民族器乐的瑰宝。它不仅悦耳动听，而且学弹容易，是一种非常被人们接受的优秀民族乐器。古筝又名“秦筝”，自秦汉以来从我国西北地区逐渐流传到全国各地，逐渐形成了各具浓郁特色的流派，如：山东筝、河南筝、潮州筝、客家筝、浙江筝、福建筝、内蒙筝、朝鲜筝、陕西筝等九大派。从早期到近代有过12、13、18、23、25弦等。后来统一规格为：1.63米、21根弦。古筝的定弦法也由当地的筝来决定，但后来更多的还是五声音阶定弦法。再请学生试着拨弄古筝，通过老师的`讲解和学生的直观感受及听辨来了解古筝的构造和音色。

3、基本指法教程：第一部分慢板出来的时候要注意它的分句,它不是按小节分,例如：1～10小节演奏时配以左手“上滑音”、“颤音”等技巧，产生的波浪般音响效果顺畅自如，给人以舒展、恬静的美感。(教师示范)第二部分速度欢快，旋律活泼流畅。第36小节以揉技法奏出“4”音，并用明快短促的花指音，丰富乐曲的表现力。从第49小节开始要注意，第一遍演奏时尽量靠右边，就感觉太阳照在湖面微微泛起的水波。第二遍靠左边点演奏，好像水比较深一样。（教师师范）第三部分是乐曲的合段，谱中的三十二分音符节奏实际上是演奏时右手划奏出的一串清澈流丽的琶音。音乐反复后，乐曲速度、力度逐渐加强。音型以后，出现一小节连续的琶音，好像是渔舟过后，在水面上留下的余波。音乐达到高潮时突然切住后，下行落在宫音上。这首弹完后要给人一种回味无穷，听了还想听的感觉。

4、学生参与实践：本课以合作小组为基本形式，通过教师范奏，学生交流，演奏等形式来激发学生的兴趣和求知欲，从而使直观、生动，理性的音乐节奏，技法与意境有机联系起来，既突出教学重点，又培养了学生对民族音乐的爱好和弹奏古筝的兴趣。

5、总结：我们中国的民族音乐是非常丰富美好的，希望同学们在今后的生活、学习中善于发现美、感受美、创造出更多更美的艺术形象，为我们的生活增添色彩。

五：反思：我觉得一堂好的音乐课应该体现“课堂教学生活化”的教学理念，让课堂教学充满生命力，通过师生之间、学生之间平等互动与交流，使学生在饶有趣味和充满情感的情境中轻松愉快地接受美的熏陶，主动获得多方面的艺术能力。今天的说课还有很多不足之处，希望得到各位领导和同行的指导、帮助。

篇5：古筝颤音的演奏方法

颤音是左手作韵众多技法中一个十分重要的技法。

它通过快速而细致的音高波动，赋予音乐以表情色彩。

“颤音”是对传统“揉、吟”技法的总称

传统的“揉、吟”都是左手在筝码左边15厘米左右的弦段上，用食、中、无名三个手指(或中、无名两指)并齐，稍弯曲成弧形，轻轻粘在右手所弹弦上，

当右手弹弦后，左手在弦上作垂直的起伏按动，使右手弹奏出来的音产生有规律的波动效果。

波动始终按“准”(弦本身的音准) 、“高”(左手向下按，弦的张力改变，弦音升高了的音高)不断反复有规律地进行。

传统的“揉、吟”仅以弦音的波动幅度大小作区别，大者为“揉”，小者为“吟”。

“揉”和“吟”总的作用都是润饰右手所弹的音和延长音波，以达到音乐风格的体现和音乐内容的表达。

从其性质和方法来看，都属同一类，没必要因按动的波动幅度大小分成两类技法。

“颤音”的种类

“颤音”的分类，就着弦力度而言，有轻、重之分，就时间和节奏而言有持续(连续)和节律之分，此外还有轻重结合、上下滑动组合的各种“颤音”。

下面是几种常用的“颤音”：

1.“轻颤音”(～～)(又称“平颤音”、“普通颤音”、“一般颤音”、“微颤音”)。

“轻颤音”是右手弹弦后，左手在筝码左边#%厘米左右的弦段上，用食、中、无名三指!或中、无名两指“ 作垂直的起伏快速按动。

它无明显的音点，音程变化不超过小二度，有如同微波荡漾一般的装饰性。

这种“颤音”常用于轻淡、高雅，速度较慢的旋律中。

这种颤音使用最广。

2.“小颤音”(符号同“轻颤音”，又称“密颤音”、“细颤音”、“碎颤音”)。

“小颤音”左手按动方法同“轻颤音”，它不同于“轻颤音”的是颤弦幅度小、频率大，常用在按音上(Fa、Si或其它按音)。

这种“颤音”常用于凄凉、悲怨的旋律中。

3.“重颤音”(≈≈)(又称“大颤音”)。

“重颤音”是右手弹弦后，左手在筝码左边#%厘米左右的弦段上，用食、中、无名三指!或食、中两指” 作垂直的慢而大的起伏按动。

它有明显的音点，音程变化一般在大二度或小三度，它是在“小颤音”的基础上加大颤音的幅度，增加弦音的紧张感。

这种“颤音”常用于激化或扩大特定的情绪、感情比较强烈的'旋律中，“重颤音”随乐曲情感的变化，演奏者的不同经常会出现快而轻、慢而轻、快而重、慢而重的多种组合变化。

4.“持续颤音”(符号同“轻颤音”)

“持续颤音”左手的按动方法同前，不同的是左手一直在右手弹的主要弦音上，进行不间断的颤弦动作，使旋律的骨干音不受其经过音的隔阂限制，将音波持续下去。

这种颤音常用于兴奋、快乐或紧张、缠绵的旋律中。

5.“节奏颤音”(符号同“轻颤音”，又称“节律颤音”)。

“节奏颤音”左手的按动方法同前，不同的是左手的颤弦动作是有节奏的进行。

这种颤音强调和延长弦音的节奏感，常用于含蓄、深沉的旋律中。

6.“按颤”、“滑颤”(～～、～～倾斜显示)(又称“抖颤”、“走颤”、“游颤”)。

“按颤”是左手在做按音的同时加上颤弦动作。

“滑颤”是左手在做上、下滑音的同时加上颤弦动作。

以上两种“颤音”都与其它技法组合而成，这两种“颤音”都能把乐曲激烈的情绪、哀怨如诉的情感表达得淋漓尽致，将音乐推向高潮，这两种“颤音”还能将乐曲的地方风格充分体现出来。

“颤音”使用的一般规律

1.以下三种情况一般要加“颤音”：

①时值(节拍)音加“颤音”;

②重拍上的音加“颤音”;

③右手大指弹的音加“颤音”。

以上三种情况不要孤立呆板地去理解，运用时需根据乐句、情绪辩证地来处理三者的关系，方能将“颤音”使用得合理、恰当。

2.“颤音”是地方风格体现的一个重要手段，因此在演奏地方风格乐曲时，要注意其“颤音”的使用规律：

①北方筝曲风格较粗犷、泼辣、明畅，多用大幅度长时值的“重颤音”和“小颤音”;

②南方筝曲风格较柔美婉转、淡雅，多用平稳徐缓的“轻颤音”。

篇6：春江花月夜古筝演奏左手技法

春江花月夜古筝演奏左手技法

春江花月夜古筝演奏左手技法有那些?春江花月夜是古筝名曲，我们一起来看看下面的技法吧1

颤弦类

右手弹弦后，左手颤动筝弦，以美化余音。颤弦是在基准音高上的轻微上下颤动，这个颤动不改变弦的音高。颤弦分慢颤、颤弦、快颤三种。慢颤，颤动的频率较缓，余音悠扬有韵。颤弦，中等频率的颤动，这是基础训练中应重视的基本颤弦。快颤，较快频率的颤动，余音紧张，常表现激动的`情绪。

滑弦类

右手弹弦，左手下按筝弦，改变弦的张力，产生滑音的音响。滑弦分上滑音和下滑音两种，又可细分为有时值的上下滑音、装饰性的上下滑音等等。

上滑音是先弹后按，按弦滑至上方弦的音高，上滑时值为本音符时值的一半，上滑后的音高要保持住。

下滑音则是先按后弹，先按弦至上方弦的音高，弹弦后保持一半的时值，再下滑至本音，下滑时值为本音符时值的一半。其它有时值的上下滑音，装饰性的上下滑音都是在滑音的时值上作不同的变化。

揉弦类

右手弹弦后，左手下按筝弦，在基准音上作较大幅度的波动。这个波动实为上下滑音结合的波动。这个波动有音高的变化，从小二度到小三度内的变化。这个波动是有节奏的波动，也有随意性的波动。

揉弦可分为上揉和下揉两种。上揉是先上滑后下滑;也可先上滑后下滑再上滑。下揉是先下滑后上滑，也可先下滑后上滑再下滑。两者的区别在于开始时是先上滑还是先下滑。

按弦类

右手弹弦时，左手下按下方筝弦，改变弦的张力，发出上方弦的音高。按弦的变化一般是升高小二度、大二度或小三度。

按弦又分轻按音和重按音两种。轻按音一般指七声音阶的4、7，在五声音阶里通过按3、6取得4、7两音，在符号上不作标记。重按音是在下方弦上取上方弦的音高，如3弦取5音，6弦取1音，以此类推。按弦技巧要求动作干净准确，不带滑音的音响，音准要准确到位。

篇7：古筝教学的论文

古筝教学的论文

古筝，这一古雅的民族乐器，因其音色优美、容易上手，又独具民族特色而深受学生及家长的青睐。进而日益成为人们丰富文化生活、陶冶艺术情操、进行艺术教育的重要内容。那么怎样通过合理的教学，在培养学生形象思维和创造思维的同时，潜意识的提高学生的精神素质、文化素质和行为素质，并使孩子在自由、宽松的氛围中自觉的、愉快的学习古筝。下面结合本人的教学实践，谈一谈少儿古筝教学的几点体会。

1．根据心理特点，强化兴趣、情感。要将启发、引导和发展少儿的学筝兴趣，提高到重要议事日程上予以研究。在我的教学中，曾遇到这样的情况：个别学生开始学古筝时很高兴，但后来渐渐下降，甚至于坐在筝前愁眉苦脸。原因是虽然家长喜欢古筝艺术，很热情地送孩子来学习，但不考虑孩子心理，对孩子“恨铁不成钢”，总是责备。诚然，兴趣不能替代意志力的培养，更不能替代才能，但是有了兴趣，就可以使学生的潜能最大限度地发挥出来。教这样的学生，我在上第一节课时，先请程度深的学生表演几手曲子，例如《渔舟唱晚》、《战台风》等，并做乐曲介绍，这时我发现他的眼睛瞪得大大地看着、听着，羡慕得不得了。这时我就告诉他：音乐就像语言一样有其自己的文字，你必须会读会看，才能学懂。这样第一节课的乐理知识的教学就在不知不觉中开始了，但是下课时，学生拉着我的衣角问：“老师，什么时候教我弹琴？”可见，学生对弹琴产生了兴趣。在这种状态下开始学琴，学生即高兴主动的积极学习，效果就比较好。

2．尊重学生，做学生的良师益友。在和孩子们的接触过程中，我发现孩子都有极强的自尊心，只有尊重学生才能让孩子欣赏自己，从而更好的要求和教育学生。许多优秀的教师都深深地认识到“教育技巧的全部奥秘就在于如何热爱学生”。教师应该主动去接近学生，了解学生，做学生的知心朋友。作一名“严师”固然回让学生因为畏惧而认真练琴，但也会引起一些学生的抵触心理，相比较而言，耐心的讲解、和蔼的态度会让学生更乐意接受，让他们在学习过程中丝毫没有被强迫的感觉，着无疑是一种成功的教育。同时儿童的年龄特征决定了古筝教学的过程应该是一个不断激励的过程。一句赞美的话语，一个赞许的目光，课间与学生一段亲切的交谈都会激起学生学筝的热情。这些看似简单的举动，却能体现出教师水平的高低。在对学生的赏识鼓励中尤其要学会接纳学生的失败和不足，只有这样，赏识和鼓励才更具目的性和针对性。鼓励并不是不要批评，而是应将批评融于鼓励之中，批评过程中要充满着热情的期待，要让学生真切感觉到老师是他的知心朋友。

3.因势利导，循循善诱。学生在学古筝的过程中，经常会出现手腕无法放松、按音不准或不完成作业等情况。这时候老师应积极地引导学生，将他们一开始由于对古筝感到新鲜、好奇而产生的外在兴趣转变为稳定的内在兴趣。一味地训斥和责骂只会是学生丧失自信心，同时，自尊心也会受到伤害，产生自暴自弃的心理，很有可能导致厌学。当然，仅仅靠语言引导是不够的。在教学中，我采取多种方式来激发和引导学生的兴趣。运用形象的比喻不失为一种较好的方法。在教认音时可将倍低音区12356比喻为穿两只鞋子，即在音符下家两点；低音区12356比喻为穿一只鞋子，即在音符下加一点；中音区12356比喻为不穿鞋不戴帽；高音区12356比喻为戴一顶帽子，即在音符上加一点；倍高音区1比喻为戴两顶帽子，即在1上家两点。这样，学生易于接受，而且印象深刻。又如在练习音阶式勾拖练习时可想象爬楼梯，让学生比比哪一个又稳又好，这样就将枯燥的练习形象化，学生的兴趣增强了，学习的效果也有了很大的提高。学生对掌握不同的节奏型往往会出现困难和混淆。因此我根据生活中的不同音响特点编写了一些节奏歌谣进行归类比较，让学生反复练唱、分析对比。例如：“二八”节奏像钟摆：“滴答滴答”；“四个十六”节奏像打机枪：“哒哒哒哒”；“后附点”节奏像喇叭响“笛笛”；“八十六”节奏像敲鼓“咚哒哒”；“十六八”节奏像母鸡叫“咯咯嗒”这样利用平时日常生活中可以接触到的事物,帮助学生通过直观的方法加深对音乐形象的理解，既消除了孩子的紧张感，上课也显得深动有趣，而且对以后的听音记谱也有明显的`促进作用。

4.科学合理地布置作业。如何科学、合理地布置学生的课外作业，也是教师能否教好学生的关键所在。每一个孩子的发展速度和开窍的早晚都是不一样的，所教师应该根据因材施教的原则，针对学生各自不同的情况布置适量适度的作业，根据他们的个别差异提出不同的要求。只要孩子在原有的基础上有所进步就应该加以肯定，让每个层次的学生都能体会到成功的喜悦和满足，增强他们练筝的兴趣。

5．合理评价，相互切磋。每一个学生都有表现自己的欲望，因此我们的学生要经常参加各种演出。通过观摩和交流不仅丰富了孩子们的舞台经验，而且只要节目得到大家的肯定和赞誉，对孩子们而言就是莫大的鼓励，高涨的练琴兴趣就会持续很长一段时间，达到事半功倍的效果。

总之，只要不断了解孩子、走近孩子、与孩子交朋友，才能探索出一套更为贴近学生心理的教学方法，才能培养学生学筝的持久兴趣。在整个教学手段上、在教学环节的设计和课堂布局上进行精雕细刻，采用多种多样生动、通俗的方法进行教学，从而减少孩子学筝的心理负担，让孩子轻装上阵，从学习古筝中体会到无穷的乐趣。

篇8：钢琴即兴演奏教学论文

钢琴即兴演奏教学论文

1在大学的音乐钢琴教学中培养学生即兴演奏能力的必要性

（1）钢琴即兴演奏教学内容涉及多学科的知识，属于综合学科范畴。

对此，作为教师在教学过程中应强化学生的创造性思维的培养，要从多方面、多角度来锻炼学生的思维，让学生熟悉并且掌握几种伴奏音型和正确的弹奏方法，教师可以根据学生不同专业的需求，为他们提供一些适合他们的歌曲进行练习，多为他们提供展示的舞台，同时，还要鼓励学生之间多多交流，大家把自己学习过程中的问题以及自己认为比较好的学习方法说出来，大家共同讨论，共同进步，让学生不断地在实践中提升自己的钢琴即兴演奏能力。

（2）能够培养学生的创造性思维，最大限度的激发学生的潜力。

钢琴即兴演奏作为一个综合性非常强的课程，不但要求学生具有敏捷的思维，充分掌握和声配备的理论知识，而且还需要学生具备灵活的手指能力，能够将自己脑海中的想法以伴奏的形式表现出来。创造性思维是推动学生钢琴即兴演奏能力培养的不竭动力，是学生的精神力量，对学生以后的发展也有着巨大的影响。培养钢琴即兴演奏能力不是一件容易的事情，学生在学习时会有一定的压力，也正是这种压力能够激发学生不断的学习与练习，激发出学生的潜力，从而提高学生的钢琴即兴演奏能力。

（3）钢琴即兴演奏应用广泛，灵活性、实用性较强。

钢琴即兴演奏在实际生活中的应用是十分多的，大部分都是运用于基层的社会音乐活动中，大学生如果掌握了钢琴即兴演奏能力，在大学毕业后找工作的时候也比较容易好找工作，也可以把这个作为一种技能来当教师教学生，从而把钢琴即兴演奏技能更好的传承下去。由于钢琴即兴演奏需要学生具备各种各样的素质和能力，所以学生一定要重点培养自己的综合素质能力，提升自己的创造性思维，掌握好钢琴即兴演奏的灵活性，真正提高自己的钢琴即兴演奏能力。

2在大学的音乐钢琴教学中如何培养学生的即兴演奏能力

（1）激发学生学习钢琴即兴伴奏的兴趣。

钢琴即兴伴奏需要多方面的素质能力，包括：过硬的钢琴演奏基础以及较高的音乐理论水平，快速的反应能力以及创造性思维等。因此，学校应该将钢琴即兴演奏放到与其他课程同等重要的地位，让学生充分掌握一定的钢琴即兴演奏能力。“兴趣是最好的老师，”兴趣也是推动学生深入学习的最佳动力，如果想要提升学生钢琴即兴伴奏的能力就必须要激发学生学习伴奏的兴趣，所以，作为教师在钢琴即兴伴奏教学中应该充分利用课堂时间，选择合适的教学方法，激发学生的学习兴趣，引导学生掌握一定的钢琴即兴伴奏思维方式，注重对学生创造思维的.培养和提升合理，还要安排学生课后多多进行练习，使学生在不断的实践中逐步提高自己的钢琴即兴演奏能力并且养成一个良好的学习习惯。教师可以通过自己演奏或者是通过多媒体播放演奏来让学生对钢琴伴奏有一个初步的认知，同时教师还要为学生构建一定的艺术想象氛围，来强化学生学习伴奏的动力。教师作为学生的引导者，要充分扮演好自己的角色，让学生掌握好钢琴即兴演奏能力。教师要培养学生积累学习资料的习惯，让学生学会自己主动动手去学习，还要让学生在上课认真听讲，做好笔记，课后对笔记进行整理总结，使学生充分掌握好课堂上面所学的知识，对于课堂上不懂的问题，课后要积极的询问老师来解决问题，这样，既能够激发学生的学习兴趣，让学生带着问题去学习，还能够让学生掌握一定的钢琴即兴演奏能力，从而达到事半功倍的效果。

（2）加强学生音乐钢琴即兴伴奏实践练习。

音乐钢琴即兴伴奏课程本身就是属于理论与实践、技能与技巧相结合的学科，学生只学习理论知识不注重实践的话，就不会掌握音乐钢琴即兴演奏的技巧，不能真正提高自己的钢琴即兴演奏能力，只有通过亲身实践才能够真正深化学生对钢琴伴奏知识与技能的认知和了解，也只有通过加强学生的钢琴即兴伴奏实践练习，才能使学生真正开发和强化自己的钢琴即兴演奏创造性思维。钢琴即兴伴奏的有效表演需要表演者有着很强的临场发挥能力。同时教师还可以充分利用课间、课外活动时间，让学生轮流进行伴奏表演，为学生提供足够多的临场发挥练习的平台，让学生之间可以相互沟通和交流自己的钢琴即兴伴奏心得，真正提高自己的钢琴即兴演奏能力。

（3）提高学生对钢琴音乐作品的分析能力。

要想充分掌握钢琴即兴演奏技巧，就需要学生具备一定的作品分析能力，要了解不同作品的不同风格，学会根据不同的歌曲风格进行恰当的演奏。钢琴即兴演奏能力的培养需要学生拥有多方面的素质能力，所以，一方面，学生要致力于提高自己的钢琴演奏技能和视奏水平，通过多多练习弹奏，熟悉掌握各种类型歌曲的谱子，以便能够及时进行演奏；另一方面，还要加强双手在键盘上的快速反应能力以及快速移调的能力。钢琴即兴演奏不能作为一个独立的个体进行演奏，要与歌唱者一起合作才能实现其艺术价值，所以演奏者之间要加强沟通，互相帮助，共同提高。教师还要在教学中适当地给学生传授一些钢琴教学法，各种演奏的技巧，使学生能够掌握正确的演奏方法，提高自己以后在音乐教育工作中的能力。

篇9：音乐教学论文

融合时尚音乐形式进行音乐教学的尝试

摘要：音乐课堂上如何更好的调动学生主动性的发挥，善于创设“学”的空间，从学生身边出发构建知识。

本文笔者结合不同阶段时尚或经典的音乐形式进行教学的尝试，探索两者合理的整合，让课堂更有效，更具张力。

关键词：时尚;探索;时代

在音乐的世界里，每个学生每个时段都有自己追求的最美最时尚的音乐风格和音乐形式。

下面笔者就现阶段时尚形式，针对近期初中音乐教材尝试以下探索。

一、从“大家喜爱的音乐节目”入手，激发学生的学习兴趣

前一段的音乐节目中属“中国好声音”最受欢迎，无论是专业的音乐人士或非专业的业余爱好者，都对此节目青睐有加。

当然，我们的学生也不例外，对第一季专业演唱者刘欢导师印象深刻，更对庾澄庆大胆改编歌曲的风格很是着迷。

但印象最深刻的要数那一首首动听的歌曲。

一堂好课务必使学生主体尽可能发挥作用，思维积极。

学生心眼顿开，形成一种欢悦的课堂气氛，那么有效的课堂教学已成功了一半，笔者就初一草原牧歌和初二补充歌曲《鸿雁》结合进行如下尝试：

记得中国好声音里有位来自蒙古的选手唱着这样动人的一首歌《鸿雁》，笔者在教授初一《蒙古牧歌》的时候，以此作为导入环节，用视频导入，刺激学生听觉、视觉感受。

用学生熟悉的知识构建导入，形成了良好的开端，进而让学生产生想探索蒙古歌曲风格的欲望，学生主动性积极发挥，课堂效果较好。

二、从“经典影视作品”入手，激发学生的学习激情

音乐就在我们身边，课堂教学中，教师要善于创设“学”的空间。

记得听过区里开课老师上的课《友谊地久天上》，经典的电影《魂断蓝桥》和教学中的歌曲有着不可分割的关系。

教师的教学设计：欣赏加演唱两条主线清晰并相互联系，层层深入，根据音乐在影片中的出现，演唱要求也各不同。

当影片播放男女主人公浪漫、温馨烛光晚餐，音乐从二拍变到三拍，学生了解三拍有特有的舞蹈节奏，结合影片华尔兹的舞步，演唱《友谊地久天长》：离别的车站，男女主人公还未来得及道别，车已开远，女主人公望着远去的火车音乐响起。

表现女主人内心的遗憾和对男主人公一路平安的祝福。

它渲染了人物的情绪，深化了影片情节，推动了剧情的发展。

三、从“专业音乐频道及专业的娱乐节目”入手，提高学生的学习素养

泰戈尔说过：“不能把河水限制在一些规定好的河道里。”

学生不能仅仅局限于课堂上，教师要创造性的设计课外作业或者引用课外有力资源，走进生活，走进社会，去收集各种所需知识。

笔者在教学中尝试把电视上一些音乐专业节目和我们书本上的知识进行整合，让课堂更具张力。

CCTV有个专业的音乐频道，分别邀请国内外在音乐领域的弘扬和传播中颇有建树的专家，教授，学者，用极具个人魅力的语言特色和讲述方式，

来阐释博大精深的音乐文化，将专业的艺术知识与丰富多彩的授课形式相结合，让广大观众在轻松愉悦的氛围中，享受经典的音乐表演。

节目多样，形式也各具特色，有记录方式的，也有大型的音乐会欣赏等等。

节目里展现了各个时代当时流行的音乐形式及内容。

例：每年的维也纳新年音乐会，结合我们的教材，《拉德斯基进行曲》是音乐会每年必演奏的曲目，是与大家互动的环节，那么我们在课堂上欣赏此曲目时，结合维也纳的音乐会，

让学生从课堂一下延伸到课外，从节目、从学生的认知水平出发，一起领域此曲的魅力，原来课本中的音乐在我们平时的电视节目中亦可以听到。

柏林森林音乐会，是在柏林郊外的一个森林剧场举行的露天音乐会。

每年夏季，柏林爱乐乐团都会在这里举行演出季的最后一场音乐会，这座森林剧场是大自然的造化，也是大自然送给音乐爱好者的一件礼物，音乐与大自然的结合，让在场的观众享受清新独特的音乐。

教学中的诸多交响乐里面都有演绎，许多重量级指挥家都会在那登台献艺，且每次音乐都有相关的一个主题，例“狂想曲与舞蹈”、意大利之夜等。

课堂中既可结合教学内容，亦可让学生从课堂领域不同形式的欣赏《柏林森林音乐会》里的交响乐，并延伸相关类型音乐。

节目《音乐告诉你》的人物传记用时尚且富有简介的介绍，相信放入课堂可帮助学生用通俗的故事理解记忆作曲家，使其变得简单，帮助记忆。

《音乐告诉你》的民乐环节，结合我们教材“天上之音”，节目中会以原汁原味的方式呈现新疆歌曲，同样也会运用新民歌，新的音乐方式，结合现代音乐诠释音乐，

例如《青春舞曲》谭晶演唱的新民歌方式，就融入了现代和西方元素，加人大提琴等乐器，诠释了新的《新春舞曲》。

同样，在课堂教学中也可借用此法，发挥学生主动性，对歌曲进行创编：改变音乐要素，融入各种节奏特点等加以创编。

有这样一个娱乐性脱口秀节目《天天向上》，用轻松欢乐的氛围和搞笑幽默的形式在传播某个领域的一些专业知识，把专业的知识以一种轻松简单的方式呈现给大家，让大家在愉快，轻松，诙谐的方式中接受专业的知识的过程。

其中一期《音乐天才少年》，节目在介绍学习西方乐器的成就外，同时也用通俗、幽默的方式介绍涉及到的乐器：萨克斯，到底是属于铜管乐器还是木管乐器，很多资料里两者都有提及。

节目中的介绍让学生好记且概念清晰易懂：“萨克斯既不属于铜管，也不属于木管(它没人管)，事实上它是一种黑人乐器，由AOTO(和欧特曼同音)发明。

萨克斯音色很有磁性，常用于结合乐队单独演绎某作品。

例《狮子王》主题曲。

初一有个影视音乐欣赏《眺望你的路途》，教材用意设计此作品，是想让学生从影片中学会欣赏合唱、鉴赏合唱，并了解合唱的相关知识。

同样的天天向上节目中也涉及此作品，节目有一期请了《放牛班的春天》原班人马，在节目中不仅展示了当年影片中的歌曲《眺望你的路途》，更让大家亲切的欣赏到法国小朋友用不是很熟练的中文演绎了《橄榄树》合唱作品。

除此以外，现场还通俗易懂的教观众如何挑选、分辨合唱里的声部，再现了影片中的挑选片段。

此类节目是资料，更有利于帮助教师顺应时代创造性的设计教学思路，使音乐课堂更具魅力。

总之，在遵循教学规律的前提下，从学生身边构建知识，结合时尚流行元素融入课堂，既可以提高课堂效率，调动学生主观能动性，又可以融合时代元素，发现其中的联系，帮助我们更好的理解音乐作品，享受音乐的魅力。

篇10：音乐教学论文

小学音乐教学中的德育渗透方法

[摘要]音乐是一门情感艺术，因此音乐老师在音乐教学中要重视对学生情感的培育，使小学生的心灵、品格和情感都受到有益的影响，继而养成高尚的道德品质。

[关键词]小学;音乐教学;德育;渗透

德育渗透在小学音乐教学中具有重要的意义，不仅丰富小学生的情感，还会促使小学生形成高尚的道德品质，本文主要针对如何在小学音乐教学中渗透德育的教学方法而展开具体的论述。

一、小学音乐教学中德育渗透的重要性

音乐是一门表达情感的艺术学科，因此在小学音乐教学中渗透德育教育，不仅教学效果明显，而且对学生未来的发展也具有重要意义。

在小学生学习音乐作品的过程中渗透德育法，很容易让小学生在音乐的情境中产生与之共鸣的情感，这种情感与作品息息相关，并且随着作品的不同而不断发生变化，

德育的渗透，潜移默化让学生产生爱国情怀和集体主义精神等情感，这对于小学生的未来发展具有重要意义。

二、小学音乐教学中的德育渗透方法

(一)充分挖掘音乐教材，对学生进行德育教育

音乐教材是学生获取音乐知识的途径，音乐教材中的音乐作品都是通过层层筛选出来的，具有代表性和权威性，因此音乐老师要善于利用音乐教材来培养学生的道德意识。

例如，在《保卫黄河》这首音乐作品中，音乐老师不仅教会学生音乐的旋律，更要让学生掌握这部作品的思想和内容。

篇11：中国传统音乐改编钢琴作品演奏研究论文

中国传统音乐改编钢琴作品演奏研究论文

【摘要】作为西方乐器，钢琴传入中国比较早，经过不断发展，钢琴主要同传统音乐相结合，构建独具中国特色音乐形式，这不仅具有西方音乐特点，还有中国传统音乐特点，为了能够实现钢琴与传统音乐融合，那么就需要对改编钢琴作品演奏进行深入的研究。本文对中国传统音乐和西方音乐的异同作了分析，提出了中国传统音乐改编钢琴作品演奏特色，为呈现最佳的演奏效果打下良好的基础。

【关键词】中国；传统音乐；钢琴；改编；演奏；特色

作为特殊艺术形式，钢琴音乐同样属于表演艺术的范畴。钢琴作品真正体现了其艺术价值，同作品演奏之间具有密切联系，这也就是“二度创作”、“再创作”。为了能够优化钢琴作品艺术表现的效果，就需要对钢琴音乐进行研究，将传统音乐和钢琴相结合，创设独具民族风情音乐作品。中华民族音乐的种类比较多，不同类型音乐形式的音乐色彩也具有非常大的差异，中国音乐的特征促使中国钢琴演奏包含西方钢琴作品所不包含民族特性，中国钢琴音乐内涵比较丰富，涉及题材也比较广泛，表现手法也具有多样性。从目前来看，中国传统音乐改编钢琴曲已经获得国内外肯定，例如《百鸟朝凤》《夕阳箫鼓》等等，成为中国钢琴音乐代表，流行于国际乐坛，将西方代表钢琴与传统民族乐器相结合，具有特殊艺术性，为传统音乐改编钢琴作品演奏特色进行深入研究。

一、中国传统音乐和西方音乐异同

（一）中国传统音乐特点

中国传统音乐主要是清朝以前音乐，属于本民族所固有风格与形态，同中华民族音乐审美特征相契合。中国传统音乐包含了民间音乐、宫廷音乐、文人音乐以及宗教音乐，传统音乐主体为民间音乐。作为东方文化重要的组成部分，传统音乐文化成为了人类文化史瑰宝。中国传统文化不仅适应人类与社会发展要求，还同风俗习惯、社会历史背景等密切联系，社会功能性比较强，具有历史特征、时代特征、地方差异性、教育审美功能等等。

（二）西方音乐特点

结合西方音乐发展史，西方音乐演变经历非常漫长过程，直接影响西方音乐，特别是浪漫主义时期、巴洛克时期以及古典主义时期，其中代表为莫扎特、巴赫等，音乐作品要求非常严格，诸如终止式、曲式结构等等。古典主义也就是“理性的时代”，由此可见，西方音乐对原则与理性的执着。

（三）中西方的音乐差异

通过对比中国音乐文化和西方音乐文化，实际上就是中国传统音乐文化和西方文化比较。从目前理解来看，专业音乐文化主要是全盘西化音乐文化。从古至今，中国代表性音乐文化为中国民间音乐。中国音乐主要是民间音乐，西方音乐代表则是欧洲古典主义和浪漫主义的专业性音乐，实际上，对比对象上就存在着非常大差异。中国的传统音乐给予欣赏者更好视觉体验，属于线性音乐，律动感以及流动性非常强，同西方结构严谨线条具有非常非常大的差异。线性音乐凭借着蜿蜒流动线条营造出富有韵味与美感音乐。音乐和音乐之间想通，没有国界界定，这就使得中国作曲家能够借助西方乐器创设出具有中国韵味音乐作品。

二、中国传统音乐改编钢琴作品的演奏特色

所谓“特色”，实际上就是不同于其他东西，是个人特有的。目前，社会广泛流传了钢琴改编曲，或者是借助大众较为喜爱旋律改编。非钢琴作品改编成了钢琴作品，那么需要结合钢琴演奏方式改变。传统音乐主要采取五声调式，中国传统音乐改变的作品弹奏过程中，需要联系相邻手指来弹奏小三度五声音节，通过隔指弹奏方式促使改变钢琴作品弹奏更加轻松、更加自如。例如中国传统乐器演奏都具有独特技法，诸如，古筝、笛子等等，在装饰音弹奏过程中也着重模仿。

（一）音色和触键

音色实际上就是音乐色彩。演奏者的触键力度决定了钢琴音色。所谓钢琴，实际上就是强弱变化乐器。钢琴演奏者在演奏过程中，需要着重表达所演奏作品音色。以《彩云追月》为例，根据中国传统的器乐合奏为基础改编，包含了民族器乐的音色模仿以及演奏效果模仿，在弹奏过程中并不只是简单追求钢琴音色效果，还需要对民族器乐演奏特色进行模仿。《彩云追月》描绘了夜晚的云和月之间交相辉映场景，体验夜晚宁静，也就是月光朦胧下相对平静场景，体现“云追月”动感。乐曲第1个小节是跳音，就是对打击乐器演奏技法的模仿，音色更加明朗和清晰。第2小节左右手来交替长琶音，模仿出流水效果，那么就需要弱化钢琴的颗粒性特点，对钢琴触键存在要求。钢琴弹奏过程中，需要贴着键盘进行演奏，还需要注意到左手和右手连贯性，营造行云流水一般琶音。第5节和第6节则是对乐器和乐器间应和进行模仿，属于动态过程，那么就需要关注两个小节之间音色变化，从弱到强，触键高度与触键力度都需要进行变化。

（二）踏板

“钢琴的灵魂”是踏板，由此可见，踏板具有非常重要的作用。准确、合理运用踏板能够更好诠释钢琴。踏板能够保持连音连奏，增强乐句连贯性，促使所演奏的乐句渐弱、渐强，正确认识力度变化，并且能够对比力度。踏板基本有两种运用方法，分别为同音踏板与音后踏板。若是用好踏板能够弥补弹奏瑕疵。以《彩云追月》为例，改编成钢琴作品后，结合乐句、乐段等踩踏板，不能够乱踩，对歌曲旋律感具有非常大的影响。《彩云追月》中切分节奏比较多，若一直保持踩踏板状态，那么无法对节奏感进行切分，旋律清晰度与旋律朦胧感造成了破坏。钢琴踏板有三个，其中右边制音踏板最为常用，踩制音的踏板则是包含四种。第1小节采取同音踏板，踩四分之一踏板体现弱、轻盈音色效果。后面小节是采取音后踏板；第2小节是连串琶音，踏板也是以弱到强的规律，颤音时则需要渐渐松开踏板，但是需要做好手与脚之间配合，这样能够发出更加干净声音。在演奏技术中，运用踏板是其重要组成部分，通过踏板技术能够完善弹奏技术，实现美的.创作。

（三）速度

中国的传统器乐作品的速度以散板为主，这也是民族风格特征，更加注重传达意境。在改编中国传统的器乐作品时，需要认识到这点。西方音乐所接触速度自由作品比较少，在作品演奏过程中也需要熟悉改编前版本，了解音乐作品背景以及所希望传达意境、表达画面等等，构建初步速度感。以《山丹丹开花红艳艳》为例，改编为钢琴作品后弹奏旋律更加自由，并没有完全的按照节奏进行弹奏，全曲的弹奏旋律都比较自由，无法严格的根据节奏演奏，在处理节奏、处理速度等方面也类似钢琴演奏中“压缩处理”，将陕北信天游融入到钢琴曲中。在钢琴曲引子演奏过程中，可以选择左手右手连串方式弹奏琶音，由慢到快，到某个小节，需要放慢演奏节奏，弹奏出舒展、自由长颤音，体现陕北民歌的舒展、自由特色。

三、结语

作为中国音乐文化精髓，传统音乐具有非常悠久的历史，而钢琴作为世界乐器之王，那么就需要转变心态，正确认识钢琴在中国的发展。传统音乐改编的钢琴作品成为了中华民族化的钢琴典范，究其原因，改编钢琴作品不仅能够满足东方人的音乐审美需求，还同西方人的音乐逻辑思维相契合。和声方面来看，乐曲曲调选择同西方的大调和小调差异五声音阶的曲调。作为中华民族的音乐精髓，五声民族调式属于西方古典音乐所不具备调式体系。同七声大小调式体系相比，五声民族调式比较为简洁、单纯与质朴，钢琴演奏旋律更加清新淡雅。中国的传统音乐作品具有非常深远的发展历史。从目前来看，中国传统的音乐作品改编钢琴曲已经具有一定音乐文化地位，那么就需要对作品文化内涵以及传达已经进行了解，进而能够更好地演奏传统音乐改编钢琴作品。

参考文献

[1]周柏杨.文化学视角下的中国钢琴及其演奏特色――兼论钢琴曲《夕阳萧鼓》的民族风格[J].黄河之声,(11):107-108.

篇12：古筝音乐乐理知识

古筝音乐乐理知识

在丰富多彩的音乐世界里，充满了各式各样的音。这些音有的听起来纤细，有的听起来粗犷。有的显得柔和，有的却显得低沉……。真可以说是千姿百态，变化无穷。音乐就是一门音的艺术’。

根据声音产生的规律，我们可以把音分成两大类：一类叫做乐音，另一类叫做噪音。乐音有固定的音高，又和谐、又好听。钢琴、电子琴、小提琴、二胡等乐器奏出的音，人们在唱歌时发出的音都属于乐音。音乐世界主要是由乐音组成的。

音名唱名

为了称呼音乐中所使用的乐音，人们采用了七个英文字母。这七个字母的排列是从C开始，依次为C、D、E、F、G、A、B，这就叫音名。而在唱歌的时候，我们用do、re、mi、fa、sol、la，si来唱出乐谱上的音，这就叫唱名。音名与唱名既有联系，又具有不同的用途，各自运用于不同的场合，使用时要多加注意。

在中国民乐中有特定的调式，即五声调式，五声即：宫、商、角、徵、羽。

基本音级

循环使用C、D、E、F、G、A、B七个音名，这些以七个音名为名称的音就是基本音级。

半音全音

音与音之间最小的音高距离叫半音，两个半音构成一个全音。在简谱中，7、1之间及3、4之间是半音。

音符

乐谱中表示音的长短的符号叫音符，在简谱中用1、2、3、4、5、6、7表示。

平时在乐谱中常见到的音符有：全音符（如5 - - - ）；二分音符（如5 - ）；四分音符（如5）；八分音符（如5 ）。

音符相互之间的长短关系，就跟它们的名称一样：全音符=2个二分音符=4个四分音符=8个八分音符=16个十六分音符。

休止符

乐曲中的音响并不是一直不停的，有时中间会有间断，出现无声的时间，这时，就用另一类符号――休止符来表示。休止符的名称与音符名称相似，简谱中用0表示。常用的有：全休止符0000。二分休止符00，四分休止符 0??? 八分休止符 0??? 十六分休止符?? 0。全休止符的长度相当于全音符。二分休止符的长度相当于二分音符，等等。

附点音符

有的音需要延长一定的时间，记谱时就在这个音符的右边点上一个小圆点，这个小圆点就叫附点。这个音符也就被称作附点音符。附点增加原来音符时值的一半。常用的附点音符有：附点四分音符、附点八分音符等等。

附点休止符

知道了什么是附点音符，你也就知道什么是附点休止符了，附点休止符同样也是增加原来休止符时值的一半：

延音线延长号

要延长某个音的时间，除了用附点之外，还常用另外的两个方法。一个方法是用延音线把几个音高相同的音连在一起，演奏的时候，这几个音加起来奏成一个音。如：5---O5--- 。

另一个方法是在音符的上方加一个延长号。延长号的样子像一个眼睛，它表示可以根据需要自由延长这个音的时间。延长号也可以用在休止符上。

变化音级

音乐中除了七个基本音级以外，还有许多把基本音级升高或降低的音，它们叫做变化音级。在念变化音级的时候，要把‘升”或‘降’字读出来，比如升4、降5等等。

为了区别于变化音级，基本音级也叫做本位音。

变音记号

把基本音级升高，降低或回复本位的记号叫做变音记号。简谱中使用的.变音记号一共有五种：

升记号# 表示把基本音级升高半音。它的形状有点类似斜写的汉字‘井’。

降记号b 表示把基本音级降低半音。它的形状有点类似英文小写字母b。

重升记号x 表示把基本音级升高一个全音。它的形状似第一文库网一个叉。

重降记号bb 表示把基本音级降低一个全音。它由两个降记号合在一起而成。

还原记号表示把已经升高或降低的音还原到基本音级，也就是还原到本位音。所以还原记号也可以叫做本位号。

念重升或重降的变化音级时，同样要把‘重升’或‘重降”两个字读出来。比如‘重升1’、‘重降6’等。

调号

打开琴谱，我们可以看到1=D 、或1=G的字样，这是简谱中的调号，1=D表示该曲是D调，即1音是D音。

临时记号

变音记号是直接写在音符前面的，这种变音记号叫做临时记号。临时记号只对与变音记号同音高的音起作用，而且只限于一小节内，过了小节就失去作用。

节奏

音乐世界中的音，不仅高低起伏翻动，而且长短也千变万化，形成轻重缓急的效果，人们把音的长短关系及特定的强弱关系总称为节奏。

在生活中，许多事物也会有规则地进行运动。比如我们呼吸的起伏，时钟的摆动，列车行进时车轮的滚动……。所以节奏这个词，也广泛运用于音乐以外的领域。

节拍

我们在说话的时候，常把某些词说得比其他词重一些。在音乐中同样有这种情况，某些音会比其他音强一些，形成重音。而且，音乐中重音的出现是有一定规律的，往往是定期的反复。强音与弱音有规律地交替出现，便形成了节拍。

节奏与节拍是两个不同的概念，但它们之间又有着非常密切的关系。有人把节奏比喻为旋律的‘骨架’，而把节拍比喻为旋律的‘脉搏’，你能理解这样的比喻吗？

小节小节线终止线

根据强音、弱音交替出现的规律，可以把音乐分成一个个长度相同的部分。从一个强音到下一个强音之间的部分，就叫做小节。小节是用一根直的短线划分开的，这根直线叫小节线，它总是在小节的强音前面。而在段落结束或整首乐曲结束时，必须用并排的双条直线来表示，这叫终止线。写的时候还必须把右边的那根线写得稍微粗一点。好，现在请你看看琴谱，乐曲结束时的终止线是不是一条细，一条粗？

拍号

说起拍号，大家一定很熟悉了，因为弹奏曲子时如果不先看清拍号，那一定会弹得乱七八糟。在音乐中，构成节拍的单位叫‘拍”，表示小节长短的类型时，则是用‘拍子’这个词。一小节中有几拍就叫几拍子。拍号就是用来表示拍子的记号。它由两个阿拉伯数字来表明，上面那个数字表示一小节有几拍，下面那个数字表示以哪一种音符作为一拍。拍号写在乐谱的开头部分，紧挨在调号的后面。

这二种记号的排列顺序是：先调号，再拍号。（拍号一般只写一个，除非中间更换拍号）。

拍号应该怎样来读呢？一般采用先上后下的读法。这种读法首先确定了这是个几拍子的曲子。不过，也常常听到先下而上的读法，这种读法也可以。但要注意不能把拍号读作几分之几拍，因为拍号不是数学中的分数。

单节拍复节拍混合节拍

在小节内，带有重音的单位拍叫强拍，不带重音的单位拍叫弱拍。在下面的文章中，用 ●○记号分别表示。

一小节内只有一个强拍，叫做单节拍。哪些是单节拍呢?单节拍有两种：一种是二拍子，它的强弱规律是一强一弱(●○)。另一种是三拍子，它的强弱规律是强弱弱(●○○)。

把几个相同的单节拍合在一起，就成为复节拍。复节拍中，除了第一拍是强拍以外，其他的重音叫次强拍，也就是稍稍强一点的意思。复节拍包括：四拍子强?? 弱?? 次强?? 弱(●○○○)六拍子强?? 弱?? 弱?? 次强?? 弱?? 弱(●○○○○○)

篇13：萨克斯演奏概论论文

萨克斯演奏概论论文

萨克斯管是比利时乐器制作家――阿道夫萨克斯（1814-1894）根据当时欧洲盛行的波姆式长笛的发音原理，于1840年发明的。

萨克斯管是一种集合了木管乐器优点和铜管乐器优点的乐器。学习萨克斯管演奏必须要有正确的演奏姿势；建立正确的口形；对气息进行合理运用。只有在这些基本问题上下功夫，才能最终掌握萨克斯管演奏技艺。

一、关于演奏姿势

演奏姿势是否正确，直接影响学生演奏技术提高的进度。如头部、两臂、身体姿势，以及笛头在嘴上的位置、角度等。

(一)挂在脖子上，置于身体的右前方。挂带的调整，要既能负担乐器的重量，又能消除手和臂的紧张程度。乐器最下段背面靠在右大腿内侧正面或侧面。

（二）站立演奏时两腿同肩宽；坐着演奏时两腿打开稍微向外，成九十度弓形触地，不可以跷脚。无论站着或坐着演奏，头、两肩和上体要自然端正，背、胸、腰、腹不可以弯曲。

（三）口含笛头的角度，应以自然呼气和笛头风口的气流方向为依据，因为气流方向略往下倾斜，而笛头和脖管自然要与气流方向相一致，略往下倾斜的最佳角度大约为四十五度左右。

（四）演奏中，手指、腕部、臂部要松弛，左右手自然弯曲，指关节略微拱起，不可平直而塌落关节。运指时要有节奏感，用劲不可过大，动作不可僵硬，抬得不要过高，高度为一指厚即可。

（五）手拇指扶放在泛音键相伴的垫子上，并控制八度泛音键，小指控制降B、B、C、升G键；左手食指、中指、无名指放在乐器上方，控制G、A、B、C键，右拇指托住乐器下方靠身体部位的托钩，小指控制C降E键；右手食指、中指、无名指分别放在乐器下面的键子上，控制D、E、F键。

（六）嘴控制笛头，左右手及挂带控制萨克斯管的平衡，使演奏呈现出最佳姿态。

二、关于口形

演奏萨克斯正确的口形应是：

（1）嘴巴微微张开，两腮与上下嘴唇贴在牙齿和牙床上面，这样做是为了避免两腮上下嘴唇与牙齿牙床之间出现空隙，而使得口腔气压在吹奏时受到影响以及吹奏时出现鼓腮现象。

（2）将笛头有坡度部分约三分之一由嘴巴正中放入，同时将下嘴唇带入口内将下牙齿包住，上牙齿轻轻咬在笛头上面。包住下牙齿则使牙齿与哨片之间产生缓冲，哨片得以均衡振动，上牙齿轻咬在笛头上则是为了使笛头在嘴巴里能够稳定。

三、关于气息的合理运用

萨克斯管吹奏动力来自气息，要获得良好的音色，要想完美的进行音乐表现，都有赖于对气息的合理运用。人们日常生活中运用胸式呼吸，而管乐吹奏中的呼吸，是根据音乐的需要，运用胸腹式联合呼吸法（简称“胸腹式呼吸法”）。

1、吸气

吸气时，用两嘴角和鼻子自然、平静、快速而无杂声的将气吸入肺的下部，同时，胸腔、两肋、腰部四周、腹部都要自然扩张。当胸腔扩张至横膈膜（位于胸、腹之间能伸缩的薄膜），腹部受到横膈膜下降的压力，腹部内脏组织向腹壁移动，就会使肚子隆起，这并不是说要把气吸到肚子里。因腹部没有呼吸器官，而是由于吸气时胸腔扩张，横膈膜下降，腹部组织移动，才使肚子隆起。

2、呼气

呼气（发音）时，利用胸肌、横膈膜和腹肌联合控制，在保持吸满气，腹部鼓起的状态下，腹壁逐渐收缩回复原状。同时，借助腹肌的压力和横膈膜的支持力，使吸气时下降的横膈膜逐渐抬起回复原位，将气流控制成如同一根非常自然、平稳、均匀、有节制、通畅的“气柱”呼出。

3、换气

（1）要预先在乐句、片段，或在音乐结构的自然停顿处设计好换气的位置。（2）急吸气：用于乐段的乐句之间没有空隙或乐句很长时，要选择在符合音乐规律的适当音后缩短该音的时值进行急吸气，以免影响节奏的准确性。（3）呼气和吸气都要留有余地。呼气时，将气使用到还可以吹奏一两拍时就可换气，吸气时，将气吸到八九分即可，不可将气吸的十分饱满。（4）在演奏连续的后半拍音型时，要在乐句结束换气，不可见休止符就换气，或一吐一换气。否则，必将失去音乐的完整性。（5）在演奏连续快速且较长的音阶式乐曲时，换气要选择在上行音或下行音之后换气。

四、演奏技巧的运用

要成功的演奏好萨克斯，除了对基本功的训练外，还要注意技巧的运用。一般情况下常用的技巧包括：颤音、滑音等等。

1、自然颤音自然颤音必须在获得良好的基本音色后产生。自然颤音的产生来自和身体直接相关的腹、喉、唇和颚，因而就出现了四种自然颤音的分类形式。其中被大多数成功的.演奏者所采用的是颚式自然颤音。作为支撑口型的缓冲垫(唇)，当领动作时，上牙的压力传递给下唇，下唇接到信号后，肌肉的弹性又反馈于颚部，并将每一动作过程直接反射给哨片。我们称这一类型的技巧为颚式自然颤音。

2、滑音当今萨克斯管的演奏风格中，滑音(滑奏)扮演着较为重要的角色。它的效果极像中文拼音字母所采用的四声一样，故采用韵母声调的阴平、阳平、上声、去声四种符号（―、／、∨、＼）作为滑音形式，并分别在声调符号上加上指示箭头。滑音的方法又可分为气滑音和指滑音两种。气滑音是靠气息控制和喉部、唇部肌肉的控制而构成的，不改变口型位置；指滑音是以手指控制管键的开闭速度和气息控制的结合而产生滑奏效果的。

综上所述，萨克斯管的演奏，需要学习的东西是广泛的。正确的演奏姿势和口型，气息的合理运用，指法的训练，技巧的运用，是萨克斯学习中最重要的几个问题。

篇14：音乐兴趣课《古筝》的教学设计

音乐兴趣课《古筝》的教学设计

1、古筝基本构造

调音盒，前岳山，琴弦，琴码，面板，后岳山，琴架等。

2、古筝的摆放

1）古筝一般放在琴架上，琴架通常分为两种：一种是连体式琴架；另一种是分体式琴架。其中分体式琴架最为常用。

2）琴架摆放时要注意高低之分，高的一只放在前岳山的下方，低的一只放在后岳山的下方。

3、手的部位名称

1）手腕，手背，手心。

2）大指，食指，中指，无名指，小指，虎口。

3）第一关节（又称小关节），第二关节，掌关节。

4、义甲的佩戴

1、右手大指义甲的佩戴方法是：

预先剪好八截胶布，长度大约能缠绕手指两圈半到三圈，放在一边备用。

1）将剪好的胶布贴在义甲的背面，上方留出一小截胶布（长度以能缠绕大指半圈为宜。）

2）用右手捏住义甲，尖的一端位于左下方，先缠短的一截胶布，固定好后，再缠长的一截。松紧要适宜，不能太松，也不要过紧。

2、右手食指、中指、无名指义甲的佩戴方法：

1）贴胶布的方法和大指一样；将胶布贴在义甲的背面，上方留出一小截胶布。

2）食指、中指、无名指的义甲顺着手指的方向佩戴。先缠短的一截胶布，固定好后，再缠长的一截。

左手义甲的.佩戴方法与右手相同。需要注意的是左手大指义甲的佩戴方向。

5、演奏姿势

1）首先选一张高矮合适的凳子，要求自己的腰部与筝面要平行。

2）身体坐正，后背挺直，坐凳子的前三分之一，不要坐满整个凳子。

3）第一个琴码对准自己的身体的中心，身体离古筝约一到两拳距离。

4）两只脚可以前后错开平放，也可以用右脚踩在琴架下部的横架上。

5）小孩子脚够不着地时，可用一个小凳子垫在脚下，双脚一定要踩实。

篇15：钢琴教学中演奏基本功训练探讨论文

钢琴教学中演奏基本功训练探讨论文

摘要：优秀的钢琴演奏是一个让人陶醉的过程，钢琴演奏者通过按键把音乐作品所表达的意境传递到听众的耳中，激发听众无穷的想象。钢琴教学中最为基础的就是基本功训练，只有具备过硬的弹奏功力，才能更好地展现钢琴作品，感染听众。本文笔者结合教学经验，就如何优化钢琴演奏基本功训练展开探讨。

关键词：钢琴演奏；基本功；训练；优化

在当今开放式教育的背景下，钢琴教师要走近学生，尽量多与学生互动，着重了解学生需要哪些方面的帮助。在此基础上，教师还要针对学生的问题制定合理的学习计划，让学生在课堂上更好完成基本功的训练。同时要改变教学方式，让乏味的课堂变的活跃起来，激发学生的学习兴趣。更要及时纠正学生们演奏技术中的盲点，促使学生完美的演绎曲目，为听众带来一场听觉盛宴。

一、钢琴教学基本功训练的学生划分

每个学习钢琴的学生都有着不同的生活背景和经验阅历，所以他们对钢琴的理解也有很大差异，基本功也参差不齐。一类是学习钢琴的专业生，他们的基本功比较扎实，对钢琴的理解也相对较深，可以演奏出一些比较难的曲子。这类学生比较好管理，他们学习的积极性也较高；第二类是学习一些与音乐有关专业的学生，他们对于钢琴的基本功也有一定的学习基础，但并不扎实，这类学生的学习积极性没有第一类的高；还有一类是与钢琴专业无关的学生，他们在钢琴面前完全是个新人，所以他们的学习积极性不会很高。在钢琴教学中，难免会出现这三类的学生，所以教学的难度也会大大提升，制定的教学计划也有很大差异，学生之间的矛盾也是不可避免的。在教学中，教师要准确分出这三类学生，针对不同类别的学生制定不同的教学计划。当然，不同类别的学生对于钢琴的认知程度也不相同。为了防止学生之间的矛盾，相互之间要分开进行教学，或者各自带上耳机进行不同钢琴曲的弹奏训练，学生之间互不干扰。教师则进行一对一的检查，给不同学生制定不同的学习计划，并对学生进行针对性的指导。“集体式教学”可以有效降低“一对一教学”的高额成本，同时促进学生进步，使学生有更高的学习积极性。

二、钢琴教学基本功训练的能力提升

学生能否弹奏出一首优秀的曲子，识谱能力是最重要的因素之一。部分学生因为急于求成，对于识谱这项技能的学习并不是特别扎实，在演奏时总会出现一些无法避免的常识性错误，给教学增加了很大难度。所以，在教学过程中，教师要引导学生明白每一个音符所代表的含义，让学生对每一个音符进行理解和消化，告诫学生不可急于求成，扎实的基础是成功的根本。除此之外，教师还要针对这些学生放慢教学速度，让学生慢慢提高自己的识谱能力。教师在教学过程心态很重要，要心平气和地教学，引导学生找准每一个音在键盘上的位置，并快速找出下一个音的位置，这样在弹奏过程中才会有更好的体验。灵活的手指是演奏好钢琴的基础，教师要教导学生均匀发展每个手指，因为演奏过程中每个手指都有它的作用，手指的均衡与否直接决定着演奏的成败。不同的钢琴曲对技术的要求也不同，只有均衡提升每个手指才有可能弹出不同的曲子。因为受人本身因素的影响，二、三指常常会牵动四、五指，所以坚持不懈的训练才会在演奏中取得好的效果。不同的曲子所表达的情感不同，一首曲子中的情感表达同样重要。要把曲子中的情感淋漓尽致地表达出来娴熟的技术是不可缺少的，技术是演奏的基础之一，但是只一味地追求快速的弹奏缺少对音色以及情感的表达，弹奏出来的曲子也是不完美的。所以，对于触键方法也要尽可能地多的掌握，适当的触键方法能更好的帮助情感的表达，弹奏钢琴本身就是传达一种音乐情感。但是训练者训练时间不宜过长，乏味的训练只会使音乐灵感丧失。一个优秀的演奏师就是用音乐与观众产生共鸣。

三、钢琴教学基本功训练的教学方式

师生互动很重要，同时“填鸭式”教育已经不适合目前的教学形式，一味地进行“填鸭式”教育只会使教学效果适得其反。教师要学会用一些新颖的'方式把学生的思维带到课堂中来，比如影视作品中的钢琴曲教学或者了解学生们喜欢的钢琴曲教学。真正的钢琴曲是深入人心的，这与每个钢琴师不断地训练是息息相关的。关于触键可以选择可以先从锻炼手速开始，快速的摁一个键和慢速的摁一个键音色是不同的，训练乏味的时候可以尝试一些锻炼手速的电脑游戏也是不错的。关于音符的训练方法可以准备一些纸片，随机抽取并快速的说出音符所代表的含义。无论什么方法，在弹奏的时候都要用心，用心去感受作者每一个音符所表达的含义。总而言之，要想弹好钢琴，离不开不间断的训练，希望每个有理想、有志向的钢琴师都能克服这些枯燥的训练，吃得苦中苦，才可成为人上人。扎实的基础才是一切优美作品的基础所在。教师同学生都要戒骄戒躁，一同完成每一堂课程的教学。

参考文献：

[1]周丹.论钢琴教学中的演奏基本功训练[J].中国校外教育（基教版），,(4):12-13.

[2]宾阳，朱婷.浅谈钢琴教学中的手指基本功训练[J].教师，,(8):45-46.

篇16：钢琴教学演奏技巧的教学重点论文

钢琴教学演奏技巧的教学重点论文

随着人们生活水平的不断提高，人们越来越重视精神世界的构建，随之便是对音乐等审美行为的需求。钢琴作为乐器之王，在教育过程中应当注重传承和发展，以音乐丰富人们的精神世界，这就需要钢琴演奏者具有过硬的钢琴演奏水平，能够熟练运用多种演奏技巧，通过钢琴演奏更好地表现乐曲的审美内涵。

一、钢琴演奏技巧的概念范围

钢琴演奏技巧主要包括触键技巧、触键力度、节奏和演奏常识等，在具体的演奏中也包括连奏法、断奏法、琶音、远距离大跳等等。正确掌握钢琴演奏技巧能够让学生领悟到钢琴的魅力所在，更好地表现出乐曲的内在魅力。钢琴演奏技巧教学总体分为三个阶段，“首先教师需要引导学生们进行放松训练，避免紧张的肌肉影响乐曲生动和活力的表现”。[1]第二阶段为钢琴演奏技巧的训练，教师可以组织学生们进行专项弹奏练习，其中包括钢琴演奏时的踏板练习、弹奏力度练习、节奏和分句演奏等方面，提高学生在触键方式、指尖把握的力度，此阶段需要大量的时间反复练习才能达到效果。第三阶段钢琴教师需要对学生进行听觉和音乐训练，让学生明确钢琴演奏中的节奏，并运用熟练的技巧将节奏感表现出来。

二、钢琴教学中演奏技巧训练的重要性以及方法

为了更好地进行钢琴演奏，需要具备扎实的演奏功力，在熟能生巧的演奏前提下，将乐曲的韵律美表现出来，并用这种韵律美中富含的情感充分表达出来，用钢琴演奏感染听众，让听众产生情感上的共鸣。可以说钢琴教学的基础就是演奏技巧的练习，所有的教学都需要围绕演奏技巧训练开始，让学生都能够认识到技巧对于钢琴演奏的重要性，同时在教学时也要针对学生的不同基础进行训练计划的制定，只有做到针对性教学，才能提高学生对于钢琴演奏技巧学习的重视。具体的钢琴演奏教学方法有以下几种：

（一）巩固学生的基础弹奏技巧。演奏技巧对于钢琴的表现力来说有着绝对的影响，所以基础训练非常重要，学生需要从跳音奏法、非连音奏法、连音奏法这三大主要方式入手多加练习。在进行连音演奏技巧教学时，教师应当让学生养成五个手指独立演奏的能力，避免上一个音还没放开就演奏下一个音，确保每个音符都是干净的。

（二）让学生掌握音阶弹奏的方法。“演奏钢琴技巧当中非常基础的一个部分即音阶演奏，”[2]阶弹奏需要手指之间的配合和协调，并且表现出音阶之间的质感和顺畅。人的手部特征表现为在移动方向上存在差异，应当练习拇指四个方向的活动功能，演奏手法要更加自然而平稳，这就需要教师将音阶弹奏技巧渗透到每个学生的日常训练中，不断地重复练习，从而形成拇指音阶弹奏准备的习惯。

（三）培养学生钢琴演奏的音乐感和节奏感。节奏是一首乐曲的框架，只有准确地把握节奏才能演奏出高质量的音乐作品。在钢琴演奏练习中，教师需要先让学生能够明确乐曲的节拍，然后让拍数和弹奏的速度保持一致，此时可以引用节拍器，让学生养成跟随节拍弹奏乐曲的习惯，进而形成节奏感。

三、钢琴演奏技巧在教学中的应用

（一）将起落演奏技巧融入在教学中。作为钢琴入门的必须掌握技巧，钢琴演奏时需要学习起落弹奏，当音符连线为两个时，即为音符的落下和提起，手臂在落下时动作要轻柔，手腕和身体都要放松，确保弹奏动作的轻柔和缓和。

（二）掷、击与自由落键的演奏技巧。“钢琴音色对对于演奏来说极其重要，在进行钢琴表演的过程中，可以通过琴键的变化来实现钢琴音色的变化。”[3]触键技巧是一种混合技术，教师需要引导学生了解掷的力量是如何协同作用的，感受肩膀、手臂、手腕的共同作用，同时又能放松自己的身体，避免肌肉的紧张。这也需要学生能够增强手臂活动的灵活性，总之这是对钢琴演奏的基本要求，只有保持一个恰到好处的紧张状态，才能最大限度提高学生的`手指灵敏程度和力度。

（三）贴键演奏技巧的教学。贴键演奏实用性很强，能够提高学生的手指灵活程度，抬高手指也需要一定的练习，不能让手指的过度太高影响乐曲演奏的连续性和完整性，贴键练习要求学生在弹奏该音符之前就将手指放在钢琴的琴键上，并迅速按下，当弹奏结束后手指仍然要放在该键位上，减少力量不均和落音、缺音的现象。在训练该演奏技巧的过程中，需要学生能够全身心地投入到钢琴演奏中，将音符作为情感表达的桥梁，将乐曲中的情感传递给听众。

四、结语

钢琴演奏技巧的提高需要系统化的长期训练，如果仅仅把技巧训练当作一种机械式的枯燥联系，学生常常会丧失钢琴学习的兴趣，这就需要教师采用更加科学的教学方法，将技巧训练和演奏融合在一起，增强钢琴演奏技巧的趣味性。只有注重技巧的演奏，才能更好地将乐曲中的情感传递出去，让钢琴展现出乐曲的韵味，凸显钢琴的音域和音色特点，让乐曲能够走到听众心中，激起情感上的共鸣，带给听众们以审美上的感受。

[参考文献]

[1]马娜.浅谈高校钢琴教学中的演奏呼吸[J].黄河之声,,06:22.

[2]沈璐.论钢琴演奏技巧训练与情感表达[J].当代音乐,,22:70-71.

[3]朱红艳.钢琴触键技术对钢琴音色的影响[J].当代音乐,,03:98-99.

篇17：古筝教学情景教学模式分析论文

古筝教学情景教学模式分析论文

摘要：近年来我国高职院校不断地探索新的教学模式，高职院校古筝教学模式的发展也发生了翻天覆地的变化，传统的古筝教学模式已经不能满足当代高职院校学生的需求，打破传统教学模式，是我国高职院校古筝教学的必经之路。本论文提出了情景教学法教学模式。本文首先介绍了研究的背景和意义，分析情景教学法在古筝教学过程中的意义，结合目前实际教学特点，给出了情景教学法在古筝教学中的应用。

关键词：高职；古筝；情景；教学

传统的古筝教学模式已经不能满足当代人们的需求，因此引入不断创新的教学模式是古筝教学发展的一个必然趋势，在对教学模式不断探索过程中，本文提出了对传统教学模式在教学过程中的应对措施。这些应对措施在古筝教学的过程中，弥补了传统教学模式在发展过程中的不足，有效地避免了传统教学模式过程中存在的问题，提高了古筝的教学水平，提高学生的创新能力。以往的高职院校古筝教学是固定的教学大纲和规定的教材，采用的教学模式也是以老师教学生学的刻板模式，这种教学方法不仅制约着高职院校古筝的发展，同时更不能充分实现培养学生综合素质的目的。因此，转变教育模式的重要力量就是古筝的教学方式。情景教学在高职院校古筝教学过程中体现了古筝教育的教育理念，充分发挥学生在古筝学习过程中的创造力。

一、古筝教学现状

传统的高职院校中古筝教学模式中，在整个教学过程中还不能满足新时代教学的需求，在高职院校教学过程中主要存在着以下问题：

（一）师资力量不足

伴随着我国高职院校的不断扩招、大学生越来越多，师资也再不断完善，但是仍然存在着一定的不足，因此高校的教学质量存在着一定的隐忧，传统的高效教学模式培养的学生动手能力差、创新能力不强、不注重发散思维的培养，只懂得书本上的理论知识，不会把知识运用到实际生活中。

（二）学生缺乏学校主动性

传统的古筝在整个教学过程中，一直是老师讲，学生听的模式，而且很少有机会学生进行自己创作，只是学习老师教授的知识，再对老师讲授的知识进行联练习，在整个过程中，学生零参与，全程全部是老师一个人在参与教学活动，达不到理想的教学效果，学生缺乏创新能力、独创能力，不能够自己独立创作出音乐作品。

（三）学生缺乏创作性

目前我国高职院校的学生在学习古筝过程中，只是一味地练习别人的东西，很少提倡学生自主去创作，这就导致学生缺少足够的创作能力，不具备创新能力。

二、古筝教学过程中情景教学的应用

针对高职院校古筝在教学过程中存在的问题，高职院校古筝教学引入情景教学，情景教学方法改变了传统的教师讲、学生听的教学模式，高职院校教师充分做好学生教学的引导者，而不是传授者，教师不仅要使学生学会教学内容，更要让学生领悟到情景教学过程的真正意义，从而使学生在情景的学习过程中能够对自己的动手能力、实践能力等起到帮助作用；此外，教师在教学过程中，要多参与学生之间的互动，借助“情景教学”新时代教育模式，引导学生能够全身心的投入到情景教学中，从而实现教学目的。主要从以下几个方面进行情景教学：

（一）创设多元化情景教学模式

在高职院校的古筝教学过程总，教师应该结合古筝多样化、多元化的特点，引入多元化的情景教学模式，在整个教学中，高职院校的教师需要把握学生特点，给学生传授演奏技巧、作曲技巧之外，还需要根据学生的各自特点，有针对性的进行情景教学，将古筝艺术的内涵与学校课堂的教学意境完美结合，提高高职院校的古筝教学水平。

（二）引入生活情景教学

提倡学生体验生活，在现实生活中挖掘出美好的音乐素材，做到艺术源于生活，而又高于生活，使得古筝成为一种真正地艺术，同时有机会去体验不同人的生活方式，让学生能够从不同地域的居民身上了解到不同生活习惯，领悟到古筝的微妙之处，从现实生活中感受到古筝对他们生活的'重要性，从中挖掘出学生创作音乐的灵感。

（三）引入文化情景

在古筝教学过程中，引入文化情景教学模式来提高学生对古筝审美的认识，采用多媒体技术，将古筝所涉及到的历史文化、美学文化、文学文化引入到课堂教学过程中，生动直观地展示给学生，使得学生能够理解古筝的文化底蕴、发展背景历史，提高学生对古筝背后知识的理解，从而增强学生的审美能力和文化品位。

三、结语

传统的古筝教学模式已经不能满足当代人们的需求，因此引入不断创新的教学模式是古筝教学发展的一个必然趋势，在对创新教学模式不断探索过程中，本文提出了情景教学法。情景教学法在古筝教学的过程中，弥补了传统教学模式在发展过程中的不足，有效地避免了传统教学模式过程中存在的问题，提高了古筝的教学水平，提高学生的创新能力。本文首先介绍了研究的背景和意义，分析情景教学法在古筝教学过程中的意义，结合目前实际教学特点，给出了情景教学法在古筝教学中的应用。

[参考文献]

[1]江咏梅.儿童古筝教学的几点体会[J].江西教育学院学报,,03.

[2]李静.关于古筝教学若干问题的思考[J].艺海,,07.

[3]涂颖颖.零基础成人古筝教学初探[J].音乐时空,2016,05.

[4]朱丹.当前高校古筝教学面临的突出问题及解决的对策分析[J].大众文艺,,06.

[5]李海燕.古筝教学中审美素养的思考[J].音乐时空,2012,05.

篇18：古筝教学反思

古筝，这一古雅的乐器，因其音色优美，容易上手，有独具名族特色深受学生及老师的青睐。那么怎么通过合理的教学，既能提高学生素质，而且还能使学生能在自由、宽松的氛围中愉悦的学习古筝？

在这一学期的工作学习教学中，遇到这样的情况：个别学生开始学古筝的时候很高兴，但是后来渐渐下降，甚至坐在古筝前面愁眉苦脸，我发现虽然喜欢古筝，但是花费的时间不够，自己没定心，兴趣不能替代意志力的培养，更不能代替才能，但是有了兴趣，就可以使学生的潜能最大限度地发挥出来。经过这段时间的摸索，教这样的学生，我先请程度深的学生表演，这是我发现他的眼睛瞪得大大地看着、听着、羡慕不得了。下课时，拉着我问：“老师，什么时候叫我弹琴啊？”，可见，学生对弹琴产生了兴趣，在这种状态下学琴，学生即高兴主动积极学生，效果也比较好。

看到他们每天积极努力的练习，心里真的很高兴。