钢琴伴奏在声乐演唱中的作用论文（通用16篇）由网友“aqiang6988”投稿提供，下面是小编帮大家整理后的钢琴伴奏在声乐演唱中的作用论文，希望对大家带来帮助，欢迎大家分享。
篇1：钢琴伴奏在声乐演唱中的作用论文
钢琴伴奏在声乐演唱中的作用论文
伴奏是音乐创作的主要组成部分，而在声乐作品演唱过程中的作用尤显重要。声乐作品的演唱者的确占据主导地位，但钢琴的伴奏与别的伴奏乐器比较，其优点是不能相比的。钢琴伴奏在声乐领域里叫做coach，它在声乐演唱中起着艺术指导的作用。以钢琴伴奏角色参与声乐教学与歌唱活动，提高演唱者水平，加强演唱者对音乐的领悟能力，指导演唱者进行舞台实践的学习，以达到培养演唱者整体专业能力提高为目标。钢琴伴奏是作为一种特殊和独立的声乐表演艺术形式，其主要目的是协助声乐演唱，能够妥善处理演唱中的各种情况，这是更侧重于歌者默契配合中呈现的艺术内涵。
一、钢琴伴奏与声乐演唱之间的联系
著名的小提琴家林耀基先生曾经说过，“钢琴伴奏像水，合作者像船，水能载舟，亦能覆舟。”。此话正好说明了声乐伴奏和视唱是分不开的，它们之间是互助的。声乐伴奏是时间和空间的艺术，钢琴演奏是经由时间来显示着它的音符。声乐演唱则是由歌词和音乐来显示它。音乐伴奏是一个有机组成部分，不仅使伴奏乐曲与演唱部分交融，音乐内容可能会得到一个很好的展示。一直以来，人们用“红花绿叶”来形容声乐与伴奏的联系。换句话说，人们会觉得声乐钢琴伴奏是陪衬声乐，事实上，钢琴玩家在使用他们的音乐技能诠释声乐作品正确的含义，再加上歌手通过音乐表演展示音乐风格。音乐在人类历史上，器乐的诞生，虽然晚于声乐，但是当仪器的阵列已经登上音乐舞台，先与声乐亲密联系一起，声乐伴奏是最早实践，实现了自己的价值，自己存在的'表达方式。一首歌被雕琢成完美的作品，由歌手和伴奏者的共同努力，配合默契，达到了旋律和伴奏里你中有我，我中有你，完美的和谐。因此，声乐伴奏和声乐歌手之间是相辅相成的伙伴关系。
二、声乐演唱中钢琴伴奏的优点
(一)钢琴伴奏的多音性
大部分音域最广的现代钢琴由88键构成，包括钢琴范围的最高音和最低音组成，可以使用钢琴来展现。与此相反，通常音域如如弦乐器，吹奏乐器，唢呐等乐器，有五个八度和两个半八度音阶，音乐经由这些手段不能完全实现。所以最广泛音域的钢琴，有多音性的特性，不管是什么样的乐器搭配，演奏音域都在范围之内。
(二)钢琴伴奏具有强大的和声
和声是声乐现有技术的最常用的方法，并且经常被使用的，它主要是在各种声音的基础上依据一定的组织规则，形成多声部的组织形态。然而，并非所有的乐器都能演奏出完美的和声。比如，管乐器不能在同一块乐器上和声的演奏，弦乐器只能起到最大的两个音，但钢琴是不同的，它可以是在同一时间在同打10种声音，因此，和谐的效果，钢琴伴奏比任何其他乐器伴奏更多的优点，使得它可以更完美服务于演唱，使其表现力更加丰满。
(三)使用范围更广的钢琴伴奏
伴随着不断的发展和完善，钢琴所具有的功能和性能的影响也得到了极大的提高，并与现代人逐步增加对在钢琴教育的投入，钢琴开始进入公众生活的视野，钢琴伴奏也得到了广泛的应用和普及。在现代，钢琴伴奏受到作曲家和歌手的亲睐，很多声乐都是与钢琴伴奏分不开，大量的应用和不断增长的钢琴伴奏范围也使得钢琴的伴奏变得更有魅力。
三、钢琴伴奏在声乐演唱中的作用
一般来说，一个完整的声乐作品都离不开钢琴的伴奏，但很多观众在观赏声乐表演的过程经常忽视钢琴伴奏的影响力。
(一)提示作用
提示作用是其中钢琴伴奏的最根本的作用，在这个进程中，因为紧张或一些突发状况也许会影响演唱会终止，那么就需要钢琴伴奏着敏锐采取钢琴伴奏来提示演唱者，协助还原正常的演唱。不同场合的表演，提示也是不相同，整体可以分为色调和色彩提示，音色、风格技巧和提示，速度和情绪几种不同的钢琴伴奏技巧。在声乐进程中，主要确保的就是作品的调性，声乐歌唱的曲调和绘画色调选择的基调是相同的，只有能够确立调式才可以以扩大为目的的声乐表演，歌手也一定要把调性作为演唱的基本。但在实际唱歌进程中，很多歌手会离开主旋律，那么就需要一个完美的钢琴伴奏给予提示，以帮助他们回归主旋律。可以被看作钢琴伴奏的音调和颜色之前预备是很重要的。还有就是钢琴伴奏在色调和风格技巧。这一点，在声乐进程中，对钢琴的伴奏要求是很高的，通常风格和基调是由钢琴伴奏呈现的，这给观众展示出演唱即将开始，并告诉观众唱歌的风格和整体的风格，然后歌手按照钢琴伴奏的提示正式演唱。
(二)衬托及互补功能
要想完美地诠释出一部声乐作品，不仅需要歌手的完美演唱，也需要完美的钢琴伴奏，这两者相互联系，缺少任何一个表现都不能称为完美的声乐艺术表达。在声乐演唱，人声可以表达内心的感受和想法，但是不能表达出意境和形象，钢琴伴奏能够弥补这方面的不足之处，钢琴伴奏最突出的优点是可以生动地再现了画面，善于创造心情的音乐作品，这种互补性恰恰是声乐功能至关重要。
(三)在声乐演唱变化处的指导和加强作用
声乐歌唱的过程中是不断变化的，会有一个微妙的调整范围，这些调整的范围内，歌手可以适当作出调整，但此时钢琴伴奏可以起到联系和指导的作用，这种影响主要表现在钢琴伴奏的速度和情绪变化的指导作用。演奏时，可以使用间奏来调控速度，经由钢琴的伴奏来控制速度。例如，在有些伤感的地方，钢琴伴奏可以有意减缓速度，让悲伤的气氛得到充分的渲染，进而有效地引导观众进入作品的情感氛围。其次，在钢琴伴奏音调变化的指导作用。大家都知道，人声歌唱的声音属于单身部类别，而钢琴伴奏则属于和声部的范畴，有时歌曲在调性变化时，只对人声的部分依靠识别是有一定难度的，但伴随着钢琴的伴奏，这个时候，可以预测调性，识别语音，通过钢琴伴奏多部分的支持，快速帮助艺术家捕捉音调。最后，钢琴伴奏以及力度上的作用。有时愤怒的声乐作品或紧迫是人的声音不能被解释的，因为大多情况下人声力度的转化是有限的，钢琴伴奏可以很好的发挥自己的独特优势，加强演唱更好的声音表现效果。
结语
声乐演唱和钢琴伴奏的关系非常密切，两者相互联系，相互促进，进而产生独特的默契，一首声乐要想表现的非常淋漓尽致，是离不开钢琴伴奏的，但是往往又有不重视伴奏的这种情况，所以要避免这种情况的出现，将音乐风格和艺术魅力全面的体现出来，以创造更高的声乐境界，带给观众听觉盛宴。
篇2：讨论声乐美学在声乐演唱中的作用论文
研究声乐艺术中的美学特征，是为了歌唱能够成为一种诠释美、实践美、感受美的过程，进而激发音乐家创造出更伟大的音乐，传递声乐美感。随着人们对于声乐文化的追随和认同感增加，对声乐美学的研究也成为了学者们逐渐关注的问题。
一、声乐美学的含义和历史发展
( 一) 声乐美学的含义
艺术美学是研究艺术美的本质属性和特质的一门学问，它从艺术美的多种形态的普遍性中揭示各自的独特属性，研究审美性能同艺术创造的组成形式和过程。声乐美学以艺术美学为基础，着重发掘声乐艺术美的本质，探究声乐艺术领域中特有的美，即审美的普遍规律及本质规律，是从音乐美学的基础上衍生出来的美学之一。
( 二) 声乐美学的历史发展
在人类的发展历史中，音乐文化源远流长，从艺术发生学的观点来看，劳动创造了人本身，也为艺术的产生提供了前提。艺术是人类实践活动的产物，人类的身心在生产实践过程中不断地感官感知发展进化，形成了一定的文化认知审美认知，使其能够传达出较语言而言更为复杂的思想感情的音乐语言。古希腊时期的音乐形式主要有史诗、颂歌和抒情诗。公元前八世纪，两部以特洛伊战争为题材的大型史诗《伊里亚特》和《奥德赛》，就是以吟诵形式表演的叙事歌曲，相传是由盲诗人荷马整理加工而成，因而被称为荷马史诗。吟诵史诗的歌手称为巴德，演唱时用弹拨乐器伴奏。公元前九世纪，随着多利亚人入侵希腊，合唱成了这个时期希腊音乐的主要形式，太阳神颂歌、酒神颂歌以及稍后出现的另外一种新体裁抒情诗，构成了最初声乐歌唱的表现形式。公元前六世纪末，一种新的音乐艺术体裁希腊悲剧在酒神颂歌的基础上产生，古希腊悲剧是希腊文明的重要内容，对当时的音乐发展产生了极其深远的影响。
中世纪时期，教会文化盛行，在古罗马文化的影响下，基督教文化中的教会音乐占据了当时的统治地位，慢慢发展出教会声乐。到文艺复兴时期，人文主义思想在音乐中被大大发展，此时的声乐艺术也开始逐步追求人性、肯定人性，注重个人情感以及个人的创造性。这一时期的声乐艺术得到突飞猛进的发展，在演唱技巧和演唱风格上，由传统的庄严古朴转向繁丽华饰。巴洛克时期的声乐美学更是西方音乐美学史上的一个重要时期，歌剧的诞生标志着巴洛克时期新风格的确立。到十八世纪以卢梭为代表的启蒙运动思想家，树立一种崇尚自然、纯朴、充满激情又合乎理性的全新的声乐美学观念。进入近代后，德国古典美学理论及俄国传统音乐美学理论对其产生了重大的影响。十九世纪汉斯立克提出了“音乐内容就是音乐的运动形式”的观点，举世闻名。二十世纪声乐美学又在表现主义和新古典主义上有了创新，并且进一步融合了现代心理学的方法和社会学视野形成了一批新的理论体系中国的声乐艺术源于民间，并且广泛在民间流传，依靠口传心授，而使声乐艺术得到发展，并且演变出不同的风格，内容也更加丰富。中国的声乐艺术带有中国特色的朴实自然的风格，这些都体现了我国劳动人民的内心世界，代表着他们的审美特点，表达了人们在各个历史时期的心声，有着浓厚的民间基础。中国的音乐美学开宗立派较早，以儒家和道家最为代表性。儒家美学论著有《乐论》、《乐记》，道家音乐美学论著有《老子》、《声无哀乐论》等。声乐艺术随着历史的发展演变，不断前行。近代后，在中国的音乐艺术发展和交流下，声乐美学也发生了巨大的变化，向更加专业、规范和体系化的方向前进。
二、声乐美学在声乐演唱中的艺术体现
( 一) 声乐演唱的情感表现
音乐是表情艺术，抒情性和表现性是表情艺术最基本的美学特征。歌唱艺术的魅力在于歌唱者用圆润优美的嗓音、深情并茂的演唱，带给听者美的享受，或陶醉、或共鸣。
声为情之本，情为声之魂。情感是歌唱艺术的一种重要表现，它是演唱者内心的一种具体反映。在演唱时，人的情感变化同歌唱中的节奏、旋律有着极为密切的关系。音乐旋律具有很强的艺术表现力，更是情感体现的重要载体，演唱的速度、力度能够反映出演唱者的情感变化。歌唱者在演唱过程中，通过对音色、速度、表情、节奏等方面进行调节来展示出所要表达的艺术形象特征。
声乐演唱对于演唱者来说是一个二度创作，深刻地理解词曲作者的创作意图，结合自我认知和体验，伴随着悠扬的旋律，在歌声中传情达意，并辅助一定的表情及形体展示，感染着观众并引起观众的情感共鸣，力求达到情景交融的声乐审美效果。在歌唱艺术的情感体现上，不仅仅要注重艺术形式，也要注重情感表现的真实以及美感，虽然声乐的演唱需要一定程度的夸张，但是也不可脱离生活的实际、脱离情理。歌唱者表现出的艺术美和真实感情才是歌唱表演的艺术基础，只有真情实感才能够引起观众的思想共鸣。
( 二) 声乐演唱的'情感特征
声乐作品的思想情感是通过词曲和音乐的有机结合构建起来的艺术形式。“歌以咏言，声以宣意”，用歌声感染感动听者是声乐演唱追求的艺术目的。也就是说，歌唱艺术的构成离不开诗情、曲情和声情。
声乐作品中的歌词以诗化的语言歌咏事物抒发情感，诗情奠定了作品的基调。当这种诗情与音乐的旋律结合在一起，使音乐的形象更加具体，而音乐又进一步升华了语言的诗情。《礼记·乐记》中“情动于中，故形于声”便是声乐美学的体现。凡是流传久远的音乐佳作无不充满着浓郁的诗情。曲情是声乐曲调的情感，词与曲的关系是相户依存的。从作品的节奏、调性、旋律走向等方面结合歌词，深层次、全方位、多角度地立体分析体会音乐的曲情，才能真正表达出作品中所蕴藏的深情厚谊。要完美地演绎一首声乐作品，只有深刻理解创作者的创作意图，通过演唱者的再创作，用完美的歌声将蕴含在声情中的曲情及诗情完整地表达出来，通过有声的音乐，表现出声乐作品中的情感思想。由此可见，歌唱艺术的情感是由声情、曲情及诗情融为一体的。诗情奠定了歌曲的内容，曲情赋予了歌曲的形式，作为歌者，只有将声乐作品所蕴含的丰富多彩的情感完整地展示给观众，做到激起观众的情感上的共鸣，才能达到声乐美学的本质要求。
三、声乐美学在声乐演唱中的作用
篇3：讨论声乐美学在声乐演唱中的作用论文
1. 演唱的“声”美
美好的声音是歌唱的基础，这就要求歌唱者要掌握正确的歌唱方法和歌唱技巧，具备优美悦耳、表现力丰富的声音。然而，人的声音条件各有不同，只有不断加强学习，才能促进艺术修养及歌唱能力的提升，美好的音质可以通过后天的练习达到改善的目的。一个优秀的歌唱家，要树立声乐的专业敏感，适应非自然艺术化对于发声的要求，使其在艺术的说与唱中形成自然的活动反应。做好各种练声训练，从而达到声音美的目的。
2. 演唱的“字”美
声音是语言的载体，语言是声音的内容。歌唱脱离不了语言，字音的纯正与否是评价声音美的重要标准之一。演唱中每个字的字音结构各不相同，要做到吐字清晰，中华民族声乐唱法中就采用了“开、齐、撮、合”的吐字方法，配合科学的发声及共__鸣器官的美化和扩大，声音才会更加圆、柔、甜、美，给人以美的享受。演唱者在歌唱时，还要根据不同作品的风格特点，创设不同的咬字速度和力度，确保观众能够准确清晰地听清歌唱者的每一字、每一词、每一音，让听者充分领略作品最完美的意境。
3. 演唱的“腔”美
声乐演唱中离不开字正腔圆和依字行腔。要充分调动自身的文学修养和音乐修养，分析作品的曲式结构、调性、和声，研究词曲内在的逻辑性、作品的发展脉络和情感层次，将作品本身所附有的内涵与情感通过演唱表现出来。要根据字音的情感变化要求进行创腔的处理，将歌唱中的曲调、字调协调配合，充分发挥唱腔旋律的音乐情感和形象，展示出作品独特的艺术魅力，突出歌唱艺术的美感。
4. 演唱的“节奏”美
声乐歌唱艺术中的节奏因素，也是人们普遍认为的歌唱的最重要因素之一。事实证明，离开了节奏的依托，声乐旋律的表现就成为空谈。节奏是构建音高、调式、和声的载体。在声乐作品中，歌唱的节奏在结构上有着非常丰富、复杂的变化，歌唱者要充分利用声乐中作品的节奏来传递作品的审美价值，用丰富多彩的节奏来表现作品的艺术美感。
篇4：讨论声乐美学在声乐演唱中的作用论文
无论是美声唱法还是民族唱法，歌唱技巧都是声乐美学在歌唱艺术中的具体体现，也是演唱最为基本的条件。
1. 技巧方面
气为声之本，没有气就不能产生歌声，也就不足以传递听觉审美。对于演唱者而言，歌唱的呼吸变化要富有声乐作品理解上的感情色彩，将呼吸本身成为声乐歌唱表现的一部分。提前做好情感准备，可以很自然地将作品的美感一并唱出来。歌唱表现过程中，声音需要通过腔体共鸣提升音量，共鸣在音质美的审美效果中发挥着积极的作用。共鸣在修饰、美化声音方面也有着重要意义。优秀的歌唱家往往将共鸣同歌唱旋律、情感表达相结合，使音色字正腔圆，声情并茂地展示艺术效果。清楚的咬字可以使得演唱者的声音更加清晰，对歌唱美感有着很大的作用。在歌唱中，保持音与音之间的连贯性，无论音调走向如何，音色、音量同语调都会伴随歌曲的情感而发生变化。只有对字音结构的性质准确把握才能将依字行腔贯彻在声乐演唱中。
2. 理论方面
声乐歌唱艺术是对声乐作品的第二次艺术加工，是歌唱家将声乐作品的语言同旋律结合的一种艺术形式。声乐艺术美学比较抽象，将其在歌唱表演艺术领域中应用，能够更好地体现艺术美感。声乐通过歌词凝练来达到歌唱的艺术效果。其诗词在创作上必然追求口语的美感，突出有声性，强调声乐文学的艺术性，使其明朗、上口，能够符合欣赏者的“口味”，引起广泛的艺术共鸣。
旋律作为声乐歌唱的灵魂，对声乐语言有加强效果、补充意境的作用，它是由音调美、节奏美、和声美构建起来的。因此在旋律的把握上，要将声乐作品所提供的感情基调同思想特征统一起来，充分利用音乐的非指向性特征，深入挖掘、拓展歌词的意境，在丰富多彩，风格独特的声腔的配合下，“以音乐的乐句感和段落感来强化歌词的语义内容，使之更加具有层次感和运动变化的情感过程”。
3. 情感表现
情感是声乐演唱中的重要表现因素，声乐演唱是需要演唱者全身心投入的一种表演形式，否则即便拥有高超的声乐技巧，也不能感染听众。演唱者只有遵循声乐美学的规律，将歌唱要素、情感、字、声、腔诸要素协调统一，才能形成一个完美的整体，才能为歌唱的艺术魅力加分，真正达到“歌中情，情中声”的艺术效果。
四、结语
声乐美学作为一种创造美的过程，充分挖掘了音乐艺术的形态和特殊性，构建了人们对于美的认知。声乐所凝结的一切美也都集中在歌唱之中，产生的审美听觉效果也能够从声情并茂的歌声中展示出来。声乐演唱家要充分把握声乐作品的内涵，利用精湛的表演技巧将声乐的美传播出去。
篇5：谈声乐演唱中钢琴伴奏的配合论文
谈声乐演唱中钢琴伴奏的配合论文
在声乐演唱中，钢琴为其伴奏是一种常见的艺术形式，钢琴伴奏是整个歌唱艺术里不可或缺的一个组成部分。声乐演唱和钢琴伴奏在风格情绪，艺术细节的处理，还有他们的表演境界完全统一一致的，两者在统一，和谐的配合下，才能取得整个表演的成功。要做到如此完整的配合，也就需要对钢琴伴奏者和声乐演唱具有一定的要求，钢琴伴奏者要具有扎实的演奏技能，要能够深入的了解作品所要表达的内涵，而声乐演唱者也要有具有基本的歌唱唱技巧的表现能力，能够掌握住整首作品的精髓，表达的情感。所以，一首完整的声乐表演，要靠两个人的共同努力和相互配合，才能达到一个琴瑟共鸣的境界。
1 钢琴伴奏在声乐演唱中的作用
1.1 烘托渲染音乐作品的情绪
在声乐演唱的过程中，钢琴伴奏是不可或缺的，但是钢琴不只是单单的伴奏，更多的是与声乐作品的默契配合，深化作品表达的情感，塑造鲜活鲜明的的艺术形象，也就成为声乐演唱中不可缺少的一部分了。并且钢琴伴奏还是整首声乐作品抒情的基础，贯穿于整首声乐作品之中。为声乐演唱烘托出气氛背景，塑造声乐作品中的形象，刻画曲子中的内心情感。通过自然的演奏，把整首声乐作品的情绪和氛围带给演唱者，把演唱者带入到特定的音乐环境中去，在丰富的音乐氛围里，展开声乐作品的情感，是演唱者更加投入，深刻的表现出声乐作品的音乐艺术形象，给予观众以美的享受。
1.2 对声乐演唱者的指导
一个优秀的钢琴伴奏者在声乐发音技巧、音准、节奏、呼吸、咬字等方面给予基本的指导，并且能够在作品的风格，历史文化背景做出客观的判断，进行客观的伴奏，对演唱者也可以进行这方面的指导和帮助。如果要想整场的声乐演唱表演成为一场听觉盛宴，就要求演唱者不仅要了解整首作品表达的情感，还要掌握整首作品的风格，选择合适的演唱表演的技巧，将音乐与情感还有文学巧妙地结合在一起，融在一起。并且还需要准确的听觉，因为声乐演唱者不仅要听自己的演唱，还要听钢琴的伴奏，要从头到尾配合默契、保持如一，才能更好的深刻的表达出该声乐作品的情感内涵，以达到更好的表演效果，使其成为一场极其丰盛的听觉的视觉的盛宴。
2 钢琴伴奏和声乐演唱的配合
钢琴伴奏和声乐演唱是一种相铺相成的关系，两者缺一不可，钢琴伴奏为声乐作品的情感内涵及其风格进行演绎，给演唱者烘托了背景气氛，从而使演唱者能够更好的处理作品的情感和选择合适的技巧。
2.1 钢琴伴奏与声乐演唱者气息的配合
在一首作品进行声乐演唱的过程中，每一个乐句或者在气口的地方都会进行换气，一个优秀的演唱者在换气时有着巧妙的技巧，可以把换气口处理的非常好，是整首声乐作品，让大家听起来非常的流畅，优美。这时候，钢琴伴奏一定要配合好演唱者的气息，把整首作品的高低起伏和气息的连贯性给表达出来，不能仅仅只管弹自己的，各管各的，脱离了演唱者演唱。一定要留心观察演唱者气息的规律，伴奏和声乐演唱者要多加协调配合，以达到伴奏和声乐演唱为一体的表演效果，只有钢琴伴奏和声乐演唱相互配合、共同协作、相互交融，才能做到乐句清晰、伴奏稳定、协调流畅。
2.2 钢琴伴奏与声乐演唱节奏的配合
节奏是音乐的灵魂，它以一种秩序的形式存在。在伴奏和声乐演唱的过程中，根据作品的转化，钢琴伴奏也进行了相对的改变，特别是节奏方面，用节奏、音色的转变作品的情绪及风格，引导听众进入到不一样的情绪氛围中，也引导了演唱者情感，更加深刻的投入进去，为后面做好了铺垫，从而奠定了基础。在一段旋律过后，会有一个间奏，通过这个间奏进行调整，作品情绪情感的转变，演唱者也可以进行调整，酝酿一下接下来的情绪。对节奏的准确把握使作品的情感得到了升华，给大家美的享受。
2.3 钢琴伴奏和声乐演唱者音量效果的配合
钢琴伴奏作为声乐演唱的合作者，对整体的`效果的影响是非常大的，是显而易见的。当你为一个声乐演唱者伴奏时，一定要注意伴奏的音量和声乐演唱者的音量是否融洽。有一些演唱者是属于大号的声音，如大号的女高音，当这些大号的声音在演唱时，钢琴伴奏的音量就不要太小，要让演唱者以及听众能够听到伴奏的旋律，从而给演唱者一种带动的作用。但是如果声乐演唱者的声音比较小号，轻巧一点的，那么伴奏的声音就不要过于强烈，导致的结果是喧宾夺主，听不到演唱者的声音。在声乐作品前面的叙述部分，伴奏的声音效果也不要太强烈，到中间高潮部分或者情绪比较激动的部分，伴奏的声音效果可以放出来，音量就要突出来，烘托渲染了气氛，调动演唱者的情绪。所以，钢琴在进行伴奏的过程中，一定要注意好音量的控制，要注意与声乐演唱者的融合，这样才能更加完美的诠释整首声乐作品所要表达的情感内涵。
2.4 钢琴伴奏与其作品旋律的配合
一首声乐作品都有它的叙述部分、高潮部分以及结尾部分，如果要使整场表演得到更好的效果，伴奏就要掌握了解整首歌曲的结构，要知道它的叙述部分，高潮部分等分别在哪些地方。在叙述部分，钢琴伴奏就要谈得连贯柔和通畅，当到达整首声乐作品的高潮部分就渐渐地把气势给推上来，把整首作品推向高潮，调动起演唱者的情感。在推动高潮部分的时候可以进行一些演奏技巧，比如半音阶进行，或者反向音阶的进行，或者改变和弦、色彩、或者进行琶音震音等一些手法，以加强高潮部分的情绪和氛围。例如歌曲《我和我的祖国》就运用了反向音阶进行的手法，向整首的高潮部分进行推进，提高了声乐演唱者的情绪，表现出演唱者对祖国的歌颂和热爱之情，表达了该作品中的爱国情怀，力度和气势不断的增长上升，使得其情绪高亢兴奋，激昂。
3 结语
总之，钢琴伴奏与声乐演唱是一个有机的整体，两者是相互依存、相互配合、缺一不可。想要更好的诠释一首声乐作品，伴奏和声乐演唱必须要默契的配合，注意细节方面的处理，伴奏者和演唱者多沟通磨合，相互交融，在不断的磨合中，展现出一个更加完整，完美的艺术作品。
篇6：钢琴伴奏在声乐教学中艺术指导性研究论文
钢琴伴奏在声乐教学中艺术指导性研究论文
［摘要］当今，学科边缘化逐渐成为学科发展的趋势，在音乐领域亦然。因此笔者在本文中以声乐钢琴伴奏以及声乐教学为主题，在总结已有文献的基础上结合自身经历，对两者之间的关系进行论述。本文主要侧重于探讨声乐钢琴伴奏具体是如何引导声乐教学的。
［关键词］钢琴伴奏;声乐教学;艺术指导
钢琴伴奏和声乐教学分别从属于不同的课程体系，可以说二者之间既存在一定的差异，同时又具有必然联系。钢琴伴奏在声乐教学理论以及舞台实践表演方面均起到良好的辅助作用，本文旨在理清声乐钢琴伴奏的指导作用，充分发挥钢琴伴奏的实践价值。
一、声乐钢琴伴奏和声乐教学的关系
(一)声乐钢琴伴奏
众所周知，钢琴伴奏的最主要作用就是烘托演唱氛围，营造更好的演唱效果。钢琴享有“乐器之王”的美称，既能独立演奏也可以和其他乐器配合使用，声乐钢琴伴奏作为钢琴伴奏不可或缺的组成部分，重要性不言而喻。笔者在本文中所指的钢琴伴奏即为以钢琴弹奏的伴奏方式，具体又由乐谱和演奏者两个方面构成。
(二)声乐教学
有关声乐教学的研究在国内已经颇有成果，和其他学科相比声乐教学具有独特性质，即声乐教学采取的是一对一教学模式。在这种教学模式下，特别是声乐初学者，需要将学习的重点侧重于声乐作品的技巧练习，有了一定铺垫之后再进行舞台实践环节，但是无论在声乐教学的哪个步骤都离不开两方面因素的辅助:其一是教师指导，其二就是钢琴伴奏。所以应当提高声乐钢琴伴奏对声乐教学艺术指导的重视程度，从而增强声乐教学的效率、培养学生学习声乐表演的积极性和自主性。
(三)声乐钢琴伴奏的艺术指导性
正如前文提到的，钢琴艺术指导对于提高声乐技能和演唱者水平而言，具有重大的意义，声乐钢琴伴奏对于声乐表演来说并不是辅助性的、衬托性的，二者是一种相辅相成关系，在相互促进的基础上又相对独立。
二、声乐钢琴伴奏在声乐教学中的艺术指导性
(一)钢琴伴奏有助于认知
演唱者在演唱之前首先要解决的就是对作品的背景了解，例如作品的创作背景、创作风格，创作特点、句法以及歌词内容等。特别是语句和语调，因为语言、语调和句法是声乐演唱必不可少的三个要素，分句和呼吸是钢琴演奏的重中之重。现在越来越多的演唱者青睐二度创作，有些甚至已经达到炉火纯青的地步，但是依然存在相当多的演唱者并没有坚实的理论背景知识为基石，盲目地进行“自由型”演唱，表现为在随着伴奏的时候出现不合拍的现象。为了最大限度避免这种情况，必须以尊重原创为前提，辅助钢琴伴奏，引导演唱者学会以节奏、音准和歌词为基础，融合演唱者的理解。
(二)钢琴伴奏有助于情感体验
体验环节自始至终都是声乐教学的薄弱内容，但是体验环节事关表演的前期准备和现场表演，所以重要性不容忽视。在完成了上一步对声乐作品背景进行了解后，紧接着进入到对创作者情感的感受，即体验环节。因为声乐作品是创作者的情感表达，所以演唱者在演唱过程中要和创作者感同身受，那么钢琴伴奏可以通过调整音调从而营造跌宕起伏的效果，给予演唱者在表达情感时加以引导。
(三)在表现环节中的艺术指导性
声乐艺术表演需要调动起情感表达和肢体表达，所以要在情感体验和肢体训练中突出声乐钢琴伴奏指导的功能。首先是眼神，演唱者的情感主要是通过眼神向外界传达的，在声乐表演中，如果是在演唱者没有唱词的时候，眼神的表达就很容易缺失，但是有了钢琴伴奏则完全不同，人的喜怒哀乐、形形色色，细微的差异都会产生不同的情感。无论是在音乐剧还是歌剧中，常会见到利用钢琴伴奏模拟各种情境中的声音来配合演唱者的眼神。其次是手势和表情，手势语同样是用于表达演唱者情感的重要途径，能够起到渲染气氛的作用。例如在国外的很多作曲家在进行钢琴伴奏创作时，纷纷都将创作的.焦点转向利用手势表现乐曲的节奏型和音乐性，这种形式会使歌曲的情感融合收到较好的效果。第三是形体表现，科学表明，随着有节奏的音乐舞动身体是一种与生俱来的本能。当人们听到喜爱的音乐时，身体会不自觉地随之摆动，而身体的摆动又能将音乐的表现力加强，声乐、歌词、形体都是声乐演员常用的表现形式，三者相辅相成，互补缺陷。所以，在声乐表演中应当发挥钢琴伴奏对形体动作的指导作用，首先钢琴艺术指导应当帮助歌唱者找到完整和准确的角色定位，以实现自我代入。先捕捉其形象，创造一个准确、鲜明，而又真实、准确、鲜活的人物形象，例如卡门在节奏和音乐风格上显现出热情奔放，狂野不羁的音乐形象，钢琴伴奏通过节奏引导演唱者动作形体表达上，满怀着激情和挑逗。在全面了解了角色的前提下，对于典型的角色应当适当地模仿，在进行声乐艺术表演时注重姿态、动作、手势、眼神的角色特征，预先设计，并激发应有的感情，演员是声乐和观众互动的媒介。不同的声乐曲目也需要有与之相适应的形体动作设计，才能够让群众融入到乐音背景中。最后是舞台实践，归根到底声乐理论教学还是要以服务舞台实践为宗旨，也就是说舞台实践是声乐教学的关键所在。在舞台上，声乐钢琴伴奏一方面能够帮助表演者养成情感节奏，除此之外还可以达到控制、调节演唱者临场心理作用。由于钢琴艺术指导中演唱者必须调动多重感官，通过耳听、眼看去思维去演唱，要求声乐学习者用心观察钢琴伴奏的细微变化并适应这种需要应变的环境，使学生临场应变得到提高，反映更加灵活。具体来说包括以下几个方面：
(1)保持心态平衡，缓解紧张情绪
根据以往的经验，在舞台实践缓解如何把控情绪，不要被情绪带动是表演成功的关键所在，尤其是想要在场上获得比平时更好的表现，这种心理常常会导致演唱中出现大脑空白、怯场甚至是晕倒现象，不仅无法超常发挥就连平时水平也难以展现。相比之下，如果舞台上有钢琴伴奏特别是演唱者熟悉的老师或者是同学等，在很大程度上能够缓解其紧张的情绪。此外，克服了现场恐惧感之后，在日常练习中有意识地模拟舞台上严肃、紧张的气氛，让演唱者在“身经百战”中逐渐适应舞台实践，从而在面对舞台表演时做到自如，并消除恐惧感。
(2)前期铺垫，导入情感
声乐钢琴伴奏在舞台上最主要的作用，主要体现在帮助演唱者进入人物情感状态，发挥的是“铺路”或者是“清道夫”的作用，为演唱者顺利进入人物情感打好坚实基础。常见的形式有以一段富有感情色彩的钢琴乐开场，让演唱者产生丰富的想象力，同时也让听众的注意力被吸引过来，从而使演唱者和观众都能渐入佳境。声乐钢琴伴奏导入的作用对于初学者尤其明显，因为他们学习经历尚浅，对于很多曲目的创作背景并不熟悉。例如曲目《送上我心头的思念》，这首歌要向人们传递的是歌颂为新中国建设作出伟大贡献的周恩来总理，但是如果没有亲身那段由苦难和黑暗走向幸福和光明的历史，很难发出真实的情感和对伟人的敬意。虽然之前已经对作品有了详细的了解与分析，建立了基本情感基调。上台前的“入戏”引导也是十分关键的。
综上所述，在声乐教学的不同环节，都可以运用钢琴伴奏的艺术指导，培养演唱者的节奏感和对演唱的整体把握，因此钢琴伴奏在声乐教学中的艺术指导作用巨大，应当在声乐教学及舞台实践领域广泛应用。
［参考文献］
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［6］卿泽．浅谈声乐作品中的钢琴伴奏［J］．内江科技，2005．
篇7：声乐艺术指导在声乐演唱中的重要性论文
声乐艺术指导在声乐演唱中的重要性论文
【内容摘要】在艺术指导的学科划分下，声乐艺术指导是专门针对声乐演唱家、歌剧艺术表演家而进行排练合作的专门性人才。声乐艺术指导不仅为声乐演唱者进行钢琴伴奏，同时对声乐演唱者的曲目处理起到艺术指导的作用。文章分析了声乐艺术指导在技术支持、心理支持和教学支持等方面发挥的作用，以期进一步探讨声乐艺术指导所具有的特殊价值。
【关键词】声乐艺术指导 声乐演唱 独立价值
杰拉尔德穆尔——世界知名艺术指导，著有《无愧的伴奏家》一书，此书已经成为世界范围内从事艺术指导专业的人必读的一本著作。穆尔在这本书中谈到艺术指导在当今世界舞台上的重要地位，几乎每一位声乐艺术表演家、器乐演奏家都非常重视对艺术指导的选择，而伴奏关乎演唱家、演奏家能否顺利进行演出。很多艺术家会指明要求与其心仪的某位艺术指导进行合作，以求达到更好地演出效果。因此，作为不是舞台中心的声音艺术指导，穆尔强调“伴奏者真是勿需惭愧”。演唱者在进行舞台表演的时候，需要与其他人合作，这就涉及到不同声音个体之间的音量平衡问题、音色统一问题、呼吸协调问题、舞台突发状况等一系列具体内容。声乐艺术指导在其中发挥着重要作用。因而本文对声乐艺术指导的独立艺术价值进行剖析。
一、技术支持的独立价值
对于声乐艺术演唱者来说，声乐艺术指导是舞台演出时的得力助手。一位训练有素的成熟歌者在舞台演出时，常会由于场地的变化，歌者自身的嗓音状况、身体状况的变化等影响其歌唱的表现效果。面对歌者的各种状况，声乐艺术指导都需要随之进行相应的调整。因此，舞台的演出经验显得尤为重要。错音、错词、跑调、少拍等，歌者任何一个小失误都需要声乐艺术指导敏锐地发现并及时做出调整，并通过技巧与经验帮助其掩盖失误，从而达到帮助歌者维持音乐演出的进行、表达音乐的完整性，同时还要帮助歌者稳定心理。声乐艺术指导在关注自身弹奏的同时，还必须时刻关注与聆听歌者的表演，并冷静地捕捉种种变化以便及时应对。再者，声乐艺术指导需要用钢琴引领歌者，甚至调动歌者情绪，两者合作表达乐曲内涵。
二、心理支持的独立价值
舞台是考验艺术家的平台，但是从心理学角度出发，即便是有大量舞台演出经验的歌者，登台时心情大多也是难以平静。那么对于年轻的、无演出经验的歌者，这种紧张情绪可能会更加严重。面对精神上的紧张，歌者的技术水平会受到或多或少的影响，甚至出现意外与失误。在这种情况下，声乐艺术指导便需要发挥其重要的作用。声乐艺术指导是歌者的伙伴，更是其精神依靠与心理支柱，所需做的不仅是排解歌者紧张的心理情绪，还要对有可能出现的失误进行及时处理和补救。因而，性格沉稳的、经验丰富的声乐艺术指导是歌者的定心丸。能够给予歌者信心，是一位优秀的声乐艺术指导的过人之处，也是一位成熟的声乐艺术指导的独特价值。面对舞台，歌者与声乐艺术指导是相互倚重的，彼此鼓励与支持才能够使音乐演出顺利进行，才能使双方合作的音乐表演达到最佳状态。
三、教学支持的独立价值
传统观念认为，声乐学习者只要在期末考试或者登台表演的时候，与声乐伴奏合奏几次即可。殊不知，声乐艺术指导对于教学的支撑是非常重要的，声乐艺术指导在教学中的价值处于首要地位。只有在日常与优秀的声乐艺术指导进行反复合作，才能够使歌者更快成长，并更进一步促进两者进行舞台表演。声乐艺术指导在日常教学与训练中对于声乐学习者价值的体现是多方面的，主要分为如下几点。
（一）在声乐气息方面
在声乐教学中，教师强调最多的便是气息问题。能否有效地调整和控制气息已经成为歌者的声音是否具有活力和艺术感染力的一个重要评判依据，气息对于歌者的演唱具有至关重要的作用。面对这种情况，声乐艺术指导应能够有效地运用心理上的暗示与指导，对歌者进行气息的指导。首先，一首歌曲对意境的描绘、对风格的展示通过声乐艺术指导的前奏而出现，这种钢琴的引入能够逐渐引导歌者进入演唱状态，使其调整呼吸并趋于自然。当歌者的呼吸节奏与音乐节奏同步时，歌者便进入了最自然的气息状态。这种心理方面的训练是一个歌者无法独立完成的，也是声乐教师无法在教学中教授的。其次，在一首乐曲中，歌者首先需要处理好每一个乐句，最终才能够完成一整首音乐作品的演绎。因而，歌者需要用良好的气息来表现完整的乐句，形成整体的音乐意象。在这一过程中，钢琴伴奏声部也同样需要演奏出一个乐句，由钢琴演奏出的音乐带动歌者的气息走向便成为歌者日常训练气息的有效途径。因为，这种方式表面上看来是由钢琴伴奏引导歌者的乐句并达到锻炼呼吸控制的目的，但实际上是钢琴伴奏所表达出的音乐情感激励了歌者的吸气与呼气，钢琴伴奏演奏出的节奏起伏引导着歌者的呼吸控制。这种在音乐中完成自然的呼吸正是歌者最需要练习和掌握的。如此，不仅歌者的`气息控制自然，而且达到十分良好的效果，能够提高声乐气息的运用技巧。声乐艺术指导的独特价值显露无疑。
（二）在声音共鸣方面
在声乐教学中，教师除强调气息，还会强调声音的共鸣。由于歌唱中需要使整个身体形成一个大的共鸣箱，充分发挥口腔、头腔、胸腔等器官的良好协作，以达到音色明亮、音量适宜的发音效果。因而，在长期的声乐教学中，共鸣的寻找与训练对于形成良好音质来说是至关重要的一点。面对这种情况，声乐艺术指导有效地发挥其独特作用，才能对歌者的共鸣训练提供有力帮助。钢琴是具有良好的共鸣特性与多变的音色的乐器。首先，钢琴这一乐器由于自身属性具备庞大的共鸣箱，因而在榔头与琴弦敲击的瞬间能够形成良好优质的基音，并产生共鸣的泛音，虽然弹奏的音高由于物理特性逐渐减弱，但是引起的共鸣是听觉能够把握的。面对钢琴表现出的这种良好的整体共鸣音色情况，歌者完全可以借助钢琴乐器优质的共鸣特性，从听觉角度寻找自己的共鸣，提升演唱效果。因此，在声乐教学中，声乐艺术指导利用钢琴的共鸣效果与歌者配合，歌者必然会为追求人声与钢琴相融合所产生的浑厚丰满的音质而不断练习，并在声乐训练中下意识地学习运用人体共鸣箱的方法。声乐艺术指导运用钢琴大共鸣体与人声腔体融合的方式，使歌者感受自己的腔体发生转变，变为一个合作的共振腔体。歌者在声乐艺术指导的支持下，一步步体验这样的感受。歌者逐渐确立良好的信心，并学会仔细聆听观察自己的共鸣发声，寻找自身正确的音色音质。这种建立在声乐艺术指导基础上的、有效感知音乐并训练共鸣的方法，能够让歌者更加自然地呼吸和感受腔体变化，并让歌者意识到无须紧张，只需要自然地打开腔体，歌者便能够寻找到宽广的、完美的共鸣音质。
（三）在声音语言方面
语言是声乐的载体，正因为有了语言，声乐才变得更加动人。因此，声乐这种综合艺术形式的表现，更需要语言与音乐元素的完美结合。声乐教师在语言教授过程中也需投入心力。世界声乐艺术的海洋中，语言是极其复杂的。由于民族和地域的差异，不同语言必然带来不同的歌唱风格。意大利语、德语、法语是声乐教学中最常见的外语语种，对以上各语种的声乐教学，既十分重要又极易被忽视。然而随着声乐艺术指导对歌者的辅助作用被愈加重视，语音语调的习得也将更加准确自然。声乐艺术能够达到今天在世界范围内的广泛认知，离不开其起源地——意大利及周边地区的支持。在欧洲早期的音乐中，美声唱法从起源、发展再到繁盛多得益于意大利国力的昌盛及意大利语的清晰明了。意大利语的发音特征非常简洁，它的元音发音清晰，音色、音响明朗饱满，其作为一种拼音文字规律性较强，且简洁明了。意大利语音发音单纯，常用开口音的特征使歌者在演唱过程中能够较为容易地获得良好的气息，并寻找到正确的共鸣状态。因而，这种语言与音乐结合，便能较为轻松地将整体音乐进行完美的表现。在早期大量的意大利语声乐作品中，作曲家对于钢琴声部的创作都较规范。这样，更加便于声乐艺术指导在简单明了的伴奏音型下，观察歌者的状态。同时，歌者也能够在简洁的伴奏中清楚地咬字，迅速地放松自我，发出更加纯正准确的音，达到音乐与语言的有效结合。
（四）在声乐教学的其他方面
音乐教育家、音乐表演理论家张锦华曾谈到：“声乐属于音乐艺术范畴，是由诗人，作曲家，歌唱演员及器乐伴奏等共同创造的综合艺术，它通过声乐表演的艺术形式把音乐作品转化为现实的音响，从而实现其审美价值。”艺术指导除具有上述对声乐气息、共鸣、语言等方面的独特价值外，还能够从音乐作品的创作背景、创作风格、旋律、节奏、强弱等多个方面，对歌者的演唱进行指导与补充。声乐艺术指导应能够进入音乐体会创作者的感情，并且对歌者进行指导，协同歌者对作品的内涵进行更加深入的理解。例如，很多学习声乐的学生会感觉难以应对乐谱中比较复杂的节奏，此时声乐艺术指导通过钢琴与其配合，便能够在很大程度上对这一问题进行有效地解决。也有很多学习声乐的学生对于一首新作品的演唱没有做到先阅读谱子，而是直接聆听各种版本歌唱家的演唱，在掌握大体旋律之后便凭借对旋律的感知进行演唱，属于学生没有经过自己深入研习后的简单模仿。这样做的弊端在于，部分歌唱家的演唱属于二度创作，大多带有即兴性。因而，对于声乐学习者来说，在初步接触乐曲的时候，没有对谱子进行客观深入的分析便自由演唱，非常不利于声乐学习的深入。这种学习方式可能导致学生在与艺术指导合作过程中出现拍子、情绪等方面配合不佳的情况。在乐曲学习过程中，为了进行更加有效的合作，声乐艺术指导可以引导歌者先遵从作曲家的音乐创作原本，后期在充分理解作品的基础上再进行具有个性化的艺术处理。这样声乐艺术指导与歌者才能实现共同的二度创作，实现歌者的艺术追求。
结语
声乐艺术指导是一门具有独特艺术价值的学科，这种独特性对于声乐教学是有极大益处的。它不仅在舞台演出中是声乐演唱的合作者，更在声乐教学中具有独立的艺术价值。笔者希望通过本文能够对声乐艺术指导学科的发展起到一定的抛砖引玉之效。
参考文献：
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[2].张锦华.关于声乐表演的几点思考[J].中国音乐学，（4）.
篇8：心理调控在声乐演唱中的意义论文
心理调控在声乐演唱中的意义论文
【摘 要】本文从声乐演唱中心理调控的成因及克服方法入手，着重介绍了心理活动在声乐演唱中的重要性。让声乐演员们更加重视心理素质的培养，使专业技能与心理调控更好的结合，从而达到完美无缺的演唱境界。
【关键词】歌唱 心理调控 声乐演唱
歌唱是一个十分复杂而又自然的肌肉运动过程，无论从生理上还是心理上来看，这些器官都是相互联系又相互制约的，如果有心理负担，就会影响发声与歌唱。
“心理学告诉我们，人的任何活动都是在心理调节下进行的，因此心理活动直接关系到人的实践能力。”由此可知，把声乐技巧与心理素质的培养有机的结合起来，才能在歌唱中充分发挥自己的水平，从而完成声乐的艺术创造。
一、歌唱过程中的“心理失控”及其产生的原因
歌唱是最富有感情的艺术，是以声传情，以情感人的艺术，歌唱心理自始至终都影响和支配着演唱技能、技巧，以及艺术情感的发生和发展。演唱者在歌唱活动中的心理障碍将直接影响着生理活动。
大家所熟悉的意大利著名男高音歌唱家帕瓦罗蒂，他在25岁之前，演出屡次失败，他绝望的要告别舞台。于是，他便决定举行一次告别演出，这种绝望的心情使他摆脱了精神负担，那次他唱的很好。他在舞台上找到了自我控制力，成为一名优秀的歌唱家。
以上实例可以说明，“演唱是一项非常高级的生理活动和心理活动。”有了正确的生理状态做前提，成功的关键就是有一个良好的心理状态，二者缺一不可。
歌唱心理活动的是否正确，不仅影响到歌唱的结果，还影响到发声器官的健康。由于长期患病产生了心理上的障碍，有时虽已将病治好，但发声障碍如故。还有的人不知道自己患病时，声音很好，一旦听说有病，声音就立即变坏。其实这都是歌唱心理的巨大作用引起的一些消极作用。所以，我们在学习声乐时，一定要重视歌唱心理活动，注意培养正确的心理活动。
二、歌唱心理调控的方法
当我们了解到心理调控的重要性和影响因素之后，面临的深层的问题就是如何利用科学的心理方法开展声乐训练和演唱。一个训练有素的优秀歌唱演员，具有良好的歌唱心理素质，能够适应不同的观众群体、不同的场景，能给歌唱者带来莫大的喜悦和幸福，反之则给歌唱者带来痛苦和失望。根据前述分析，歌者的心理受各种条件的`影响和制约，如何在训练和演唱中积极主动的利用各种条件，避免不利，增强心理素质，提高演唱水平是每个歌者在训练中的重要课题。针对不同的情况，可以通过以下几种调整心理活动的方法，调节演唱者的情感情绪，营造良好的学习氛围，提高效率，克服紧张心理。
（一）演唱前做好充分准备
一个歌唱者对于自己演唱的曲目，如果准备不充分，就会害怕出现问题。或对歌词不够熟练，而害怕忘词；或伴奏没有合好，而担心在台上出丑等。可想而知，当歌手演唱一首非常生疏的歌曲或是超出自己力所能及的作品，肯定会产生一种紧张心理，所以，一定要做好歌唱前的充分准备。第一，对于即将演唱的歌曲，要有足够的视练时间，熟练乐谱，注意音准、节奏、严肃认真、一丝不苟。第二，熟背歌词，歌词要背得纯熟，达到不假思索地脱口而出的程度，这样就不必担心错词、忘词。第三，要多合伴奏。在合伴奏时，就像亲临舞台一样。第四，解决歌曲难点。要找出歌曲中的难点，分别一一解决。如对某一个音，某一个字，某一唱段，某个间奏等都要准确无误。第五，不要演唱超出自己最佳音域的歌曲，如果对于演唱的歌曲音域不合适，可反复试验，定出切合自己最佳音域的调，使之演唱时，无论高音、低音唱起来都得心应手，运用自如。如果更改调后还是力不从心，就应当机立断，改换歌曲。第六，每当上场前，一定要从脑子里静过一遍。无论歌曲的生熟，在上台演唱前，集中精神，像实际演唱一样，小声地静过一遍，这不但熟悉了曲目，也会减少紧张程度。第七，苦练基本功。有些学生平时练习基本功不刻苦，到了考试时，就紧张的不得了，不是怕气息上浮，就是怕声音出不来；不是怕低音下不去，就是怕高音上不去。因此，只有苦练基本功，熟练掌握演唱技巧，才能信心百倍，收到好的效果。
（二）建立必胜的信心
信心是放松的基础。没有信心，或信心不足都会产生紧张的心理，导致演唱失败。因此，建立成功和必胜信心是克服紧张心理的先决条件。
信心和技巧对于演唱同等重要，信心越大，心理就越放松，演唱水平就越高；信心越小，心理就越紧张，演唱水平就越差。因此，信心是克服紧张情绪的重要措施。实践证明，歌手树立“我一定要演唱成功，我一定要获胜”的信心，就会大大削弱紧张情绪，就会沉着冷静地演唱。在演唱前尽量避免会友交谈、兴奋等。
（三）加强舞台实践
首先明白歌唱艺术是必须同听众见面的艺术，培养“调控”心理应多加强舞台的实践活动，要多搞一些小型汇报会或演唱会，体会舞台感和驾驭自己的能力，特别是在一些带有娱乐性的场合进行表演，较为轻松的气氛和快乐松弛的环境会缓解表演者的紧张情绪。一般在上台前，要稳定自己的心情，要体会自己练声、练唱时的感觉，心里默唱一下要演唱的歌曲，这样的松弛不仅有利于表演，更有利于发音器官的生理机能自由活动，而不会因心理紧张造成僵化、呆滞的状态，以至破坏声音自然流畅的表现。
（四）从平时的练习中培养良好的歌唱心理
首先是意志和性格的培养要沉着和自制力，多接触与声乐活动有关的事物，锻炼自己适应环境的能力来克服情绪的干扰，加强艺术修养，培养从事艺术事业的情操，增强声乐学习的动力。因为声乐作品的演唱是既有欣赏因素又有再创造因素，所以每个演唱必须要赋予歌曲的生命。
（五）从目的和美好的声乐艺术激发歌唱情绪
当明确今天的训练是为了明天的事业的时候，这种事业心就会增强他下定决心克服困难的意志。更能调动其学习声乐的积极性，培养学习的兴趣。情绪积极便使心情愉快，有了这样一个良好的学习氛围，就能充满信心地投入到技术训练中去。
另外，还可以采取联想的方法，多联想自己生活中与歌曲内容表达场合的生活场景，尽量让自己有一个生活中的心理状态，其次可以演唱一些简单短小的练声曲或者哼鸣曲，充分放松声带，还可以打打哈欠，将喉头放下，回归到很松弛的状态，同时暗示自己紧张解决不了任何问题，只有放松下来状态才能好。
总之，歌唱心理是来源于客观存在歌者大脑中的反映，但又反作用于演唱者的行为中。在声乐演唱中，心理调控起到很大的作用。因此，作为一名声乐学习者应该认识到心理活动在声乐演唱中的重要性，适时地应用各种调整情绪的手段，激发演唱的激情，能自觉地保持高涨的情绪来训练声音，从而达到理想的演出效果。一个演唱者应该运用科学的方法，正确认识和对待客观事物，不断提高自己的心理素质，并用来正确指导自己的实践行为。此外，声乐演员技巧的训练和心理素质的锻炼两者同等重要。两者的关系是相辅相成的。演唱技巧的日益提高会使人充满自信，精神饱满。反过来，自信和轻松的心理状态又有助于演唱技巧的发挥，使演唱达到完满无缺的境界。
参考文献：
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篇9：表现力在声乐演唱中的重要性分析论文
声乐艺术本身赋有极强的生命力，它经久不衰的魅力取决于自身丰富的变化和个性，因此它的表现形式和表演风格注定令人难忘。 详细内容请看下文表现力在声乐演唱中的重要性分析。
声乐的表现力则是决定声乐艺术的灵魂所在，它可以借由曲谱、歌词、表演、节奏、情感等方面来直接体现音乐，表演者利用自己先天的嗓音优势，配合科学的演唱技巧，将自己经历中的体验融合歌曲中的情感，声情并茂地将作品表现出来，不仅赋予了作品生命力，也通过二次创作充实了自己的艺术经历，也让观众在音乐的感染下获得美的熏陶和享受，形成表演者与欣赏者的二元互动这样综合的行为过程。
声乐表演中的表现力建立在对作品的完整认知和深刻理解基础上，仅仅认识了曲谱、记熟了歌词，还需要对作品的创作背景、作者生平和作品主题等方面进行研究，才能让自己的表现力有根可循，不会飘浮在表面，不知所云，表现欲强烈而内容空洞。首先要了解作品的创作背景，即什么样的条件下写出来的歌曲，往往和曲中主人公的故事密切相关;其次要了解作者的生平，这样可以明白作者的性格和经历，是在怎样的遭遇之下写出的作品，作品中体现了什么。最后就是要把握好作品的主题，作品想要讲述的是什么，有的作品不仅仅有一个主题，而是通过起承转合、对比再现呈现出不同的意境和主题，具有一定的调性布局和曲式结构，这种脉络和情感是演唱者必须事先了解把握好的，否则就会失去歌曲的中心。
一首标准的歌曲中，有两条同时存在的歌声线和感情线，它们紧密结合，无法单一存在。感情线是歌声线的内涵，歌声线又成为感情线的外延。在声乐演唱中，感情越深厚，情绪就越发饱满，情绪驻留的时间就越长，一般来说感情线比歌声线更长一些。比如歌剧《白毛女》中的选段《北风吹》，饱满的感情仅仅伴随曲目始终，从前奏开始直到主要旋律，喜儿对过年充满着期待的急切心情和盼望爹爹回来的喜悦掺杂在一起，自始至终情感都和旋律、歌词融合在一起，旋律结束，喜儿的感情仍然充沛，沉浸在对爹爹回家的期待之中。声音线结束后，感情线依然驻留。
篇10：情感体验教学在声乐教学中的作用论文
情感体验教学在声乐教学中的作用论文
摘要：音乐不仅是听觉艺术，还是情感艺术，因为在众多艺术形式当中，音乐在情感表现方面最为直接和丰富。特别在声乐教学实践当中，教师加强对学生的情感体验教学，能够有效提升学习声乐技巧掌握水平，丰富学生音乐感知力，完善学生音乐素养。在积极推进高师声乐教学改革进程中，教师要加强对情感体验教学的关注，明确其在声乐教学中发挥的积极作用，并立足高师声乐教育实际以及学生的能力发展要求提出推进情感体验教学的策略，在升华学生情感体验的同时提高声乐教学质量。
关键词：情感体验；高师；声乐教学；作用
情感体验教学是一种强调以情感感悟为核心的教学模式，通过对学生进行情感体验教学，可以增强学生对声乐作品的理解以及把握能力，使得他们在二度创作时有更加细腻深入的表现，与此同时，情感体验教学可以让学生对作品人物形象的认识更加深刻，引起学生在情感和情绪的共鸣，促进学生情感的升华。高师声乐教学要特别关注情感体验教学，明确其在教学实践当中发挥的积极作用，在此基础之上结合教学实际提出情感体验教学实践方法，为优秀高师人才的培养打下基础。
一、情感体验教学在高师声乐教学中的作用
（一）落实素质教育宗旨
长时间以来，高师在音乐教育方面始终秉持的是素质教育的宗旨，而这一宗旨也是我国中长期教育当中秉持的根本原则。在高师音乐教育发展当中，特别提倡的就是要丰富学生情感体验，进而推动学生音乐素养的提升，为学生音乐综合素质的发展打下坚实基础。由此可见，情感体验教学在高师声乐教学中的实践是落实素质教育宗旨的体现，更是完善学生音乐综合素质必不可少的条件。所以，在高师声乐教学实践中，教师除了要训练学生声乐技能之外，还要在教学过程当中加强师生的情感体验与感悟，除了要强调音乐作品当中蕴含的情感美之外，还要让学生自身产生深刻的`情感体验，全面增强学生的声乐学习兴趣，挖掘他们的音乐潜能，最终促进学生音乐创作创新能力以及综合素质的发展。
（二）提高学生演唱技巧
就高师声乐教学而言，很多教师对于教育重点的认识存在较大的分歧，部分教师认为应该将声音技巧训练放在教学首位，也有教师认为应该把情感体验教学放在第一位。两种观点存在着明显差别，但是都认识到声乐教学应该包括两个部分的内容，那就是技巧以及情感教学。如何确定教育核心成为了影响学生学习质量和效率的关键因素。就目前而言，高师声乐教学当中接触的学生通常不具备稍微完善的音乐专业素质，那么在声乐教学当中就必须客观分析当前的教学现状，转变过去陈旧的教育模式，逐步纠正单一关注声乐技巧而忽视情感培养的观点。情感体验教学是促进学生演唱技巧提升的关键要素，这是因为情感体验教学可以让学生接触大量的声乐作品，并从中进行细细感受与情感品位，能够增强他们的音乐感悟力，进而提升学生演唱技巧。
（三）培养学生情意素质
情感体验教学是高师声乐教育质量提升的关键，除了有助于提升学生演唱技巧之外，还有利于学生情意素质的培养。情意素质包括了思维、兴趣、情感、毅力等多个方面，而这些素质在学生的未来人生发展当中都发挥着重要作用。当代社会讲求的是要培养人的情商，因为情商在个人发展当中发挥的作用是不可估量的。那么在高师声乐教学中，教师要加强对学生的情感体验教学，调动学生的积极情感，培养学生良好的情意素质，从而促进学生情商的提升。在声乐课堂上，学生聆听以及演唱多种多样的声乐作品，并切实让自己进入到音乐形象中，将作品的情感与学生个人的情感融合起来，之后用歌声以及表演表现出来。整个过程是学生强化情感体验的过程，也是发展情意素质的过程。
二、情感体验教学在高师声乐教学中的实践方法
（一）创设情感体验情境
在声乐教学当中流传的一句话就是声音存在着只能意会不可言传的特点，也就是说，利用言传的方法只可以让学生获得一定理解，无法提高学生理解的深度和广度。尤其是在体会音乐作品的感觉方面，依靠言传的方法是无法讲解清楚的，于是要通过创设情感体验情境的方法促使学生主动的进行情感意会和审美体验。创设情感情境的方法能够在课堂教学的开端部分就酝酿出和教学内容有关的情绪，从而激发学生的情感需要，也将学生真正引入到音乐作品的情境当中。如果学生被实际情景或者虚拟情景感染，会自然而然的唤起情感因素。比方说，生动形象和优美的教学语言，就是激起学生良好情感体验的有效途径。教师可以在声乐教学当中应用趣味盎然的表述方法，精辟的分析以及合理的点拨，让学生的情绪得到感染，调动学生的思维，叩击学生的心灵，让学生在音乐世界当中尽情遨游。除此以外，教师还可以借助钢琴伴奏的方法为学生创设情感体验情景，调动学生的积极情感。
（二）提升节奏把握能力
节奏这音乐符号特体主框架，节奏和声音都无法脱离演唱，而且节奏会贯穿在每一部声乐作品当中。在高师声乐教学中，如果教师想要分析学生在演唱当中出现的问题，一般情况下能够在节奏方面发现原因。比方说节奏不统一、节奏松弛度不佳、节奏呼吸不准确等。就节奏本身特点而言，声乐作品当中的节奏必须严格准确，但是节奏也不能够是机械性的，这是因为节奏是，音乐表现的核心要素，音乐是在不断传递情感，且富有勃勃生机的艺术形式，要想让音乐形象以及音乐情感得到强化，就必须将突破口放在节奏把握方面。所以，提高学生的节奏把握能力以及理解能力，能够让学生在情感情绪等方面受到良好启发，使得学生能够深层次的感悟音乐作品当中蕴含的情感美与艺术美，让学生领悟到音乐作品创造的意境。例如，《乌苏里船歌》这部声乐作品的节奏音型具备浓郁民族风韵和清新格调，将天人合一的传统美学思想体现的淋漓尽致，而又进一步证明了节奏在帮助学生体验作品情感方面的巨大作用。
（三）加强情感体验引导
教师在高师声乐教学当中的指导作用是不可缺少的，这是因为高师学生的情感体验经历较少，在实际学习当中往往不能够深层次的挖掘作品情感。此时教师在这其中发挥的作用就显得尤为重要，要发挥好引导作用，引导学生逐步深入的获得情感体验。第一，引导学生用情眼观察周围世界。正所谓百闻不如一见，只有当学生亲眼观察周围的世界，才会获得更为直接和深入的认识，由此引发的情感也会变得更加丰富鲜活。虽然学生的主要学习任务是学习，但是在读圣贤书的同时，还需要了解窗外事，带有一定的责任意识用情眼看周围世界，观察自然以及社会现象，从而让人生的情感体验得到增加。在经过了情感体验积累后，学生在声乐学习当中才会调动自己的积极情感，与作品产生共鸣。第二，引导学生用情心感悟生活。生活是收获丰富情感体验的重要场所，带着一颗情心感悟生活能够让学生获得更加丰富的生活素材，体会到更加细腻真挚的情感。这样学生可以将从生活当中获得的一些情感感悟运用到自己的演唱当中，在二度创作当中加入个人思想和认识，这样才能够将音声乐作品演绎得真挚感人，提升艺术感染力。
三、结语
情感体验教学在高师声乐教学实践中占有举足轻重的地位，在落实高师教育目标方面发挥着重要作用。通过在高师声乐教学当中加强情感体验教学，有助于落实教育宗旨，提高学生演唱技巧，促进学生情以素质的发展，进而完善学生的音乐综合素质。声乐教师在教学实践中要注意革新自身的教育观念，加强对学生情感体验与启发，通过创设情感体验情景，提升学生节奏把握能力以及，加强学生情感体验引导等方法让学生的情感综合素质得到发展。
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篇11：原生态在民族声乐的多元化教学中作用的探讨论文
原生态在民族声乐的多元化教学中作用的探讨论文
论文关键词：原生态音乐 民族声乐 教学
论文摘要：“原生态”这个新生的名词近几年在各种媒体中广为流传，它是自然生态保护的标记。“原生态音乐”也越来越被人们关注。然而这种民族原始特色的音乐，却依然只是在民间流传，它正面临着无人继承的困境。高校音乐专业的课堂应该担当此任。本文将对原生态音乐走进民族声乐教学课堂的意义及教学存在形式提出几点自己的见解。
原生态音乐，是我国各族人民在生产生活实践中创造的、在民间广泛流传的“原汁原味”的民间歌唱音乐形式，它们是中华民族“口头非物质文化遗产”的重要部分。在很长的一段时间里，原生态音乐似乎已经被忽视掉了。但最近几年似乎又被众多音乐人士所推崇，因为从某个角度说，只要有人的地方就有原生态。作为我们中华民族的传统艺术，它讲究比兴等传统的诗歌手法，源于生活而高于生活，是百姓的杰作，是大众语言的精华。因此传承和发扬原生态音乐，是我们每个中国人地责任和义务。而作为培养专业音乐素养的高校民族声乐课堂，更是承担了这一重要任务。
一、问题的提出
中央电视台的最具影响力的栏目——中央电视台青年歌手电视大奖赛，受到广大观众的关注。但最近几年，人们却发现选拔出来的民族唱法歌手普遍存在“千人一声”的问题，越来越得不到观众的喜爱。反倒是在青歌赛中产生的阿宝、石占明等原生态歌手，受到音乐人士及观众的一致赞赏。原生态民歌也逐渐出现在观众的视线中。湖北省长阳**族自治县贺家坪镇三友坪村的“农民兄弟”王爱民、王爱华在第十二届全国“隆力奇”杯青年歌手大奖赛中崭露头角。而前不久在四川绵阳举行的为期3天的首届中国原生态民歌盛典暨中国民间文艺第十届“山花奖”系列活动中，“农民兄弟”又以一首*家山歌《细碗莲花》获得中国原生态民歌盛典比赛金奖第一名，并入围文艺界最高奖项“山花奖”。原生态民歌以其特有的单纯、真挚吸引了众多音乐专家及观众的关注。原生态民歌应该说是民族声乐的一个部分，但又不等同于民族声乐，它是相对于学院派而言的。这些现象都在提示我们：应该把原生态民歌教学纳入民族声乐教学中去，不仅可以使我们民族声乐教学“多元化”，更可以让原生态民歌得到传承与发展。
二、原生态音乐在民族声乐教学中的重要作用
民族声乐教学是一门新的学科，具有鲜明的民族特色。全国各高校也开始将原生态音乐引入课堂，它必将对民族声乐事业的发展和进步起到积极的推动和促进作用。但力度还很不够，有些高校甚至忽视了它的存在，把民族中最美好的音乐教育素材丢失了。这对于从事民族声乐的工作者来说是莫大的遗憾。然而随着社会的不断发展与进步，艺术家们对原生态音乐不断加工与完善，词曲日渐完美，已成为独树一帜的民族特色，具有较高的艺术价值，在高校民族声乐教学中渗透原生态音乐有着重要的现实意义和深远的历史意义。它是民族声乐教学的*壤。
（一）增强了学生的民族意识
当今的民族特色文化正不断走向世界，让世界更好的了解中国的民族音乐。而原生态音乐体现了中国的民族精神，是民族生命的一个重要组成部分，是一个民族位于世界之林的根基。也是民族声乐的一个重要组成部分，是民族声乐的艺术精华，弘扬民族精神，可以从学习原生态音乐入手。像湖北省长阳**族自治县贺家坪镇三友坪村的“农民兄弟”王爱民、王爱华在第十二届全国“隆力奇”杯青年歌手大奖原生态唱法中就获得了金奖，他们并不是想出名，而是为了传承并宣扬*家的民族文化，让每一个*家儿女都为之骄傲自豪。在高校民族声乐教学中渗透原生态音乐同样有助于培养学生的民族情感和爱国情感，增强民族自尊心和自豪感。提高学生的民族声乐素质，促进民族声乐艺术不断发展、完善，在世界民族文化之林焕发其独特的艺术魅力。
(二)激发了学生的学习兴趣
进行民族声乐教学的首要任务就是培养学生的兴趣及挖掘学生的音乐才能。原生态音乐源于生活，又高于生活，它更贴近学生的生活，它是对生活的音乐诠释，爱与恨、美与丑、情与爱都饱含在旋律中，没加任何修饰，歌的旋律和人的感情完全融在了一起，达到了忘我的境界。而民族声乐教学更多的是先进行理论上的传授，在让学生反复练习，学生会觉得枯燥无味。久而久之，学生没有了兴趣，更缺乏了创新精神。高校的学生来自五湖四海，每个地方都有自己的原生态音乐。若把原生态的音乐渗透在民族声乐教学中，让学生在课堂上自由发挥，尽情表演，相互交流，歌人合一，使课堂成为学生的天堂，让学生的情感自然流露，学生的兴趣自然会达到前所未有的高度，因为他们唱了自己想唱的，表达了自己想表达的。让原生态音乐成为课堂上一道亮丽的风景，对于促进学生全面了解学习民族声乐，激发学生学习民族声乐有着重要意义。
(三)丰富了学生的音乐知识
匈牙利著名作曲家和音乐教育家柯达伊说：“学校的音乐教育应牢固地建立在民族音乐的.基础上。”中国是一个文明古国，原生态音乐是祖先留给我们的巨大精神财富，它需要得到继承和发展，而高校作为传播民族文化的主要阵地，有着义不容辞的责任。学习民族声乐，首先要学好祖先留给我们的非物资文化遗产---------原生态音乐，才可能在声乐领域中有所作为，它是对民族声乐必要的、有益的补充。它既可以促进民族声乐的更好发展，又可让学生的音乐知识更加丰富。
三、对高校民族声乐教学中渗透原生态音乐教学的建议
（一）提高教师素质，壮大师资力量
教师自身素质是实施原生态音乐走进民族声乐教学的前提。高校要重视对教师原生态音乐素养的培养。原生态音乐是相对于“学院派”而言的，它是一种来自民间的、原始的、未经过加工的唱法。因此，并不是所有的民族声乐教师都掌握的一种唱法。在这样的前提下，对民族声乐教师的培训就显得尤为重要。高校除了采用培训的方式对教师进行系统的培训外，还可以发动教师深入民间，虚心向民间歌手们学习，探索。从而提高自身的专业知识水平，为原生态音乐在高校校园的实施奠定一定的基础。
（二）优选生源，建立兴趣社团
在民族声乐专业中，有很多热衷于原生态唱法的学生。他们大多数来自农村，热爱自己的民族，热爱自己的乡*。这些学生对家乡有着深厚的感情，乐意学习和传承传统音乐艺术，乐意扎根本*。学校和教师可根据这类学生的特点，组织学生成立“原生态唱法”社团，为这类学生搭建一个平台。让这部分学生在专业老师的指导下，有序的学习“原生态唱法”。初次之外，社团的存在还可以为所有爱好原生态音乐的老师学生提供一个可交流、切磋的场所。真正的让原生态音乐走进我们高校校园的课堂。
（三）下乡，走出校门去采风
原生态音乐是自然状况下生存下来的东西，它产生于民间，流传于民间，集中反映了老百姓的生活和情感，是最真实的劳动的体验。它始终保持着“发于心，动于情”的本质，可以唤醒学生的真情与个性，让艺术回归本真。原生态音乐具有来自穷乡僻壤、清新质朴、丰富多彩的风格。学习原生态唱法，关起门来，在校园里“闭门造车”的学习方式是不可取的。只有真正的深入到民间，才能见识到原汁原味的原生态音乐。因此，高校校园应该及时地把老师和学生送到有民族特色的乡间去采风，以丰富原生态音乐的素材。
（四）开展活动，促进展示与交流
开展活动是促进展示与交流的最好的形式。学生在教室的引导下，系统的学习原生态音乐后。各学校还要想办法，帮助这些学子展示他们的成果。如贵州凯里学院在就举办了第一届原生态民族文化艺术节。这样的活动，不仅可以让学生充分展示的自己的才能，还能很好的促进“原生态音乐”的交流，更能为我们的民族文化做很好的宣传，让各族的原生态音乐得到更多人的关注与发扬。在这一点上，中央电视台也已率先做出了表率。近几年的“青年歌手大奖赛中，原生态歌手备受音乐人士和老百姓的喜爱。
四、结语
原生态音乐不仅是一种音乐形式，也是我国非物质文化遗产。传承和发扬原生态音乐是我们每个中国人，特别是音乐工作者的责任和义务。高校音乐专业的课堂更应该担当这个责任。原生态音乐在民族声乐教学中的渗透，也很好的促进了民族声乐的多元化发展。通过原生态音乐走进我们民族声乐的课堂，让我们民族的瑰宝能更好的得到发扬和继承，让我们的民族声乐教学走出“千人一声”的低谷，让民族声乐因为有原生态而呈现出“百花齐放”的景象。
参考文献：
[1]李晓贰.民族声乐演唱艺术[M].湖南文艺出版社，.
[2]王世慧.从原生态民歌看民族声乐的传承发展[J].山东艺术学院学报，，(4).
[3]史维生.原生态民歌的保护与传承[M].人民音乐出版社，.
篇12：审美教育在高校声乐教学中的作用论文
审美教育在高校声乐教学中的作用论文
声乐是一种以声音为主要表演的艺术，歌唱者在表演时的肢体形象、发声时的气息及嗓音有否杂质都直接影响着观看者对艺术的欣赏。大家都学过语文课，都知道一些诗歌写的美，也知道课文中一些文章描写了大自然的美，有时听老师读诗或朗读课文有一种享受的美，同样一首好听的歌也会给我们在听觉上美的享受，声乐艺术的美，无论是在听觉和视觉上都让我们感受到美的品味。所以审美教育纳入声乐教学课程可以进一步提高声乐教学的质量。
一、高校声乐教学审美教育的现状
自从高校根据教育部颁布的课程方案实施教学，声乐教学推行审美教育课程后，高校教育教学改革也向前推进了一步，除了注重对高校声乐班的学生进行声乐方面的乐理知识培训，还加强对唱音的节奏，发音的准确，呼吸换气的方法等唱功的训练，教授学生了解几种演唱唱法的特点，识别各种乐器，掌握音乐的旋律以及自我保健知识。同时也不忘对高校学生进行政治思想方面的教育，培养学生具有关心国家大事、关心学校、关心班级、关心同学和关爱家人的优良思想品质。大部分教师都能够认真遵循新的课程方案进行课堂教学工作，都能认真领会新的方针政策，对声乐教学改革也有新认识，有正确的教学观念，认为声乐教学课程添加审美教育是必不可少的也是切实可行的，这样的教学方案不光可教出好的声乐学生，更可培养思想美、行为美和声音美全面发展的优秀音乐人才。
二、高校声乐教学审美教育现有问题
（一）教学模式问题
以往的高校声乐教学大多采用一个教师教几个学生，教师配有专门的教室和授课用的钢琴等乐器，一般都是教师教一句发声学生学一句发声，再就是用音响播放民族音乐、通俗歌曲叫学生反复的听，学习别人的唱法，一些教师仍存在老思想还用老经验教学生，觉得还是手把手的、一字一句的教放心，学生只要练习练习再练习就可学好声乐。使得部分学生感觉上声乐课就像机械人一样太无聊了，学习声乐课的乐趣与激情慢慢磨掉了。有的声乐教师没有考虑每个学生的基本条件和音乐素质，没有对学生进行量体裁衣，教点有难度的唱法学生无法接受，硬着头皮唱，扯着嗓子吼，感觉不到声乐的美，反而觉得学习声乐真的有点累有、有点难。
（二）素质问题
随着教育的大步发展，各地高校纷纷扩大招生，走进校园学习声乐的人也越来越多，学生来自不同的地方、不同的高中、高中的教师教学方式教学水平也不一样，所以走进高校学生的音乐专业素质和个人思想品德也就参差不齐，高校教师面对这些新生，自己的教学想法也不一样，有的认为只要教出的学生能掌握好唱腔、唱法、音准、换气正确、吐词清晰，学会声乐的各种表演技能，学会唱好歌就可以，其他方面无所谓，可以忽略审美教育，忽略学生思想品德、个人情操和素质教育，认为声乐就是声乐，艺术就是艺术，特别像民族唱法这样传统的艺术不需要别的'东西来衬托[1]。
三、将审美教育渗透进高校声乐教学审美教育的几点建议
（一）改变教学方式
首先，高校声乐教师要真正了解每一名已进校学生的音乐水平，针对每一个学生具体情况制定教学方案，水平高的就增加学习难度，水平一般的就加强基础技能的练习，再结合实际从浅到深的教；其次，要培养学生从思想意识上去认识声乐、了解声乐，知道自己为什么要学习声乐，怎样才能学好声乐，知道什么是声音，什么是高音，什么是低音，怎样学好高音，怎样学好低音，什么样的声音最美、最动听。而提高学生学习声乐的积极性，知道学习声乐的重要性，做到可以主动的去学习、去练习；最后，高校声乐教学方式应结合目前教育改革方案，转变以往进校新生由学校统一安排专业教师的方式，换成学生、专业教师可以互相挑选的模式，这样老师愿意教学生，学生愿意好好学习，形成良好的学习氛围，学校还可经常组织学生互动交流，从而提高声乐课程的教学质量。
（二）注重综合培养
要将审美教育渗入高校声乐教学中，首先，教师自身的素质要提高，自己应该在教授声乐课时不光发声、发音正确标准，而且肢体形象应和谐，使学生在学习声乐课时，从老师的授课中感觉到美，欣赏到美。同时老师在教歌曲时也应讲解每首歌词的含义，作曲者的思想，引导学生开动脑筋去理解歌曲作者的情感，认真聆听歌曲优美的旋律，去想象歌词中的意境，品味其中的美，用以调动自己的感情，激发学习声乐的兴致，唱出优美动听的歌。其次，学校应该重视审美教育课程，声乐教学中加进审美教育部分，不光要教授学生声乐基础知识和技巧，也要培养学生观察生活，走进大自然，在万花丛中呼吸、感受大自然的美，感受祖国这个大家园的好，从心灵深处去领会审美，改善思维、更新思想，达到综合培养学生心理素质的目的。最后，教学教材至关重要，不论教什么唱法，都应选择国内外古今优秀的作品来教学，还可配以多媒体工具辅助教学，让学生通过感知提高审美能力、提高声乐水平[2]。
四、总结
本文根据目前新课程教学的实际情况，浅略讲述了高校声乐教学审美教育的现状及问题，提出了改变教学中旧的方法和模式，综合培养学生审美意识、个人素质，把审美教育融合到声乐教学中，激发学生用自己的行动去刻苦学习、刻苦练习，提升个人艺术知识，增加艺术修养，积极参加校园各类活动，树立正确的学习方法，传承古老的中国文化，掌握美声、民族和通俗的基本唱法，让自己享受在声乐课学习中，感悟到声乐的美，用自己所学知识和本领把音乐这么美的艺术广泛的进行传播，让美的声音和旋律响遍全球。
篇13：换气在歌曲演唱中的作用略述论文
换气在歌曲演唱中的作用略述论文
在歌唱过程中，换气是很重要的，换气在歌唱中起着举足轻重的作用，换气不正确就不会有好的气息，气息与歌唱息息相关。由此可见换气对歌唱是多么的重要。针对换气与歌唱的关系、错误的换气影响声音的质量、换气在歌唱中的重要地位、情感表达的处理四方面谈谈换气在对于歌唱的重要性。
一、在歌唱中如何换气
1.换气决定着发声。换气作为人体的一项基本功能，很多人认为换气只不过是气体的吸入和呼出。其实换气是维持生命的生理功能，是辅助发声的一种技能。我们在发声时，发声器官是会变化的，例如声带振动、声带振动后产生语音。在歌唱过程中，应该控制好气息，保持声音统一、稳健。对气息的合理控制是歌唱者的基本功，歌唱者在歌唱时若不能合理地运用气息，歌唱者的机体(特别是喉部的肌肉)将会处于紧张的状态之中。这时歌唱者会由于不能较好地控制气流作用于声带所产生的力量，那么他的声音就会聚集于喉腔之内而传不出去。所以歌唱时能较好地换气需要后天训练。对于不同的作品、应该单独地进行换气训练，因为不同的作品要求换气是不同的，对不同声乐作品所需要的歌唱时换气状态的掌握，是歌唱者近乎完美歌唱的前提。不恰当的换气方法是很难完美表现歌唱的。因此，在歌唱的过程中，能否发出好的声音，核心是换气方法。
2.自然换气与歌唱相辅相成。歌唱应该是对感情自然而然地流露，是对感情顺畅、不做作的表达。歌唱应该在轻松、自然的情况下进行换气，就如同和老朋友那样轻松、惬意地谈话。虽然歌唱应放松，但歌唱换气并不像说话时呼吸那样随意。在歌唱时，换气应有良好的精神状态和正确的呼吸姿势。每一位歌唱者换气应该在身体放松状态下进行，歌唱时做好换气姿势。歌唱时正确的换气要做好如下几个方面：换气器官及肌群、发声器官及组织要保持适度;使口腔处于放松状态;两肩处于放松状态，双臂应自然下垂;歌唱时应站姿自然，腰背挺直。换气的精神状态和正确的换气意识具备了，接下来就要在歌唱时有意识地换气。从心理学角度来观察，歌唱时的换气可以分为无意注意换气和有意注意换气。专业演唱者的歌唱是有目的的，在歌唱过程中所采取的一定是有意注意换气，这就需要一定的基础。有意换气在歌唱过程中需要有意识、主动地去换气但是不需要在演唱过程中把注意力集中换气上。正确的`练习气息是，在做呼吸练习时，先做好正确的演唱姿势，胸肩松宽、身体伸直，注意力集中，眼望远处，从内心到面的表情都充满情意，然后深深地呼出一口气，使胸部放松，吸气时，硬软腭提起，口腔稍打开，并与提眉动作配合，后腰为主，将腰围向外，让空气自然地、顺畅地“流进”胸部也就自然有了开阔的感觉，但向外呼气时不宜过深，否则使胸、腹部僵硬、不协调，影响发声音高的准确和灵动性，吸气时不要有太大声响，否则不仅影响歌唱的艺术效果，还会使吸气不深沉，影响气息的支持和流动。在心理学中，最理想的是在换气中有预定的、有目的的，不需要自己强迫式的换气。在歌唱中最理想的换气状态就是无意注意换气，最好的换气状态是，将歌唱和换气结合在一起、二者相辅相成。有意换气方法，其实是歌唱者在歌唱之前加以的换气训练，记住换气的感觉，并将这种感觉形成固化，成为歌唱者歌唱时自觉运用的一种注意方式，将有意注意换气形式在不自觉中形成为无意注意换气。一首歌曲通过换气技巧与发声来表达情感的歌唱应是在自然中形成的，所以学习歌唱，平时应加强对有意注意换气的练习，这是歌唱者的基本功，也是为更好地歌唱做准备。掌握了换气技巧，你就可以用无意注意换气去歌唱了。在歌唱中将有意注意的换气自觉转化为无意注意的换气，这才是最自然的换气。
二、错误的换气影响声音的质量
在学习声乐的过程中，很少有人会意识到错误换气对声音质量的影响，不正确的换气会使歌曲的完整性遭到破坏的，使歌唱中出现一些例如紧张、呼吸急促等弊病。歌唱中的换气，需要一些特殊的技巧，如偷气、歇气、提气。偷气是在歌唱中利用字音的间歇迅速换气，使音乐完整并达到与音色的统一，在偷气中使听众感觉演唱连贯、一气呵成。歇气，是使歌唱呈现出一种特殊意境，减慢字音连接，在歌曲中重点处理。提气，是在歌曲演唱中根据需要，采用迅速叹下后提气、延长换气的方法。
不正确的换气对于歌唱是危险的。在歌唱中采取较为科学的换气方式，不仅能提高发声的技术，还能使发声组织和器官损伤的系数降到最低。不正确的换气会使我们的声带受到冲击，进而使我们的声带因用力过猛而使声带受伤，严重的会造成声音的沙哑或失声，使声带失去机能。因此作为一名歌唱者首先要学会用科学的方法进行换气，以此来保护我们的嗓子。
三、换气在歌唱中的重要地位
1.气息与发声歌唱的关系。对歌曲演唱中的气息控制，处于重要地位的是换气，对一部歌曲作品能否完美地用歌唱形式将情感表达出来，主要看演唱者能否对气息加以控制。有些学生在初学唱歌时，为了有足够的气息，在每唱一句之前都喜欢深深地吸一口气，其实不是每个乐句都需要很多的气息。气息的供应和气息的需要是相互的，气息过多，有时会使歌曲演唱无法得到控制。在平衡气息时，歌唱者要能合理地控制气息，让歌唱富有流动感，使气息自然而然地向前，然后根据歌曲的需要改变歌唱的速度、音量，使气息轻松、灵动，气息越灵动、轻松，所产生的歌唱效果就越好。控制好歌唱的气息，歌唱的声音就越具有可塑性。歌唱时气息对于音准是有影响的。例如演唱《我的祖国》这首热烈、激昂的歌时，演唱者对于祖国的热爱会使情绪激动，声音越唱越大，气息就会失控，容易将歌曲声调唱高。演唱悲伤的歌曲时如《丹顶鹤的故事》这首歌时，声音慢，如果控制不好，气息弱了，声音就会低。所以说在歌唱发声时与气息是息息相关的，应该高度重视。在歌唱中吐字、发音都需要气息，没有好的气息就没有好的演唱。但是在演唱中不能有气无字，也不可以光有字无音。
2.换气是声乐艺术中占重要地位。我们在歌唱中应该对问题的本质进行深入地研究。现在我国对歌唱，普遍重视核心外的应用操作，却忘记了对问题本身即核心的深入研究。所以说，应对声乐的核心进行探讨。例如：在歌唱中应该怎样换气、如何在演唱中调整气息、在演唱中怎样运用技巧。笔者自身认为换气是在歌唱中居主要地位，是歌唱中的核心。
3.在换气中做好感情处理。声乐艺术要求用歌声来表现人的喜怒哀乐，用不同的音色来表现不同的感情，如果对音色变化技巧的掌握不够，那么在歌唱时歌声就会非常地平淡。每个人由于其生理结构的差别，对声音本色和表情音色都是有差异的。加之各人对气息控制方法的不同，对歌唱的效果也有着较大的影响。在歌唱舒缓的歌曲时，我们所需的气息力度比较小，我们能够自如地掌握换气，在歌唱激昂的作品时气息则需强弱有致，可时强时弱来表现作品所要表达的情景;在歌唱高亢、激昂的作品时，我们需要充足有力的气息，因而在歌唱时随着情感的变化气息也要不断地跟着加以变化。所以气息与感情处理的关系就是在气与声、气与字、气与腔、气与情的关系。
4. 换气运用的灵活性。歌曲歌唱时需用长短、轻重、快慢、喜怒、哀乐等变化方式来表达情感。这些变化的方式都是由气来完成的，并在合理、均匀的基础上才能发出悦耳动听的歌声。我国传统民族声乐将用气的灵活性概括为沉、弹、顿、停、揉、送、提、收几个字。例如“揉”气，一般用在歌唱舒缓、含蓄的乐句中，使歌曲表达比较内敛、优美，而“提”气，一般用在歌曲的高音区部分，用来表达一种激昂高亢、挺拔坚毅的情绪。其他如送气、各种气息的处理都必须根据歌曲的情况而定，灵活地处理气息的运用。在这些处理方法中，气与气之间的转换就是换气的。在歌唱的情感表达中，换气占有极为重要的地位。
科学而灵活的气息的融合能加大提升歌唱的效果，能充分地处理歌唱者的情感表达，使歌曲更加生动、感人，也是歌唱者歌唱艺术的魅力所在。只有在歌唱中把握好气息的变换，才能将歌曲的魅力境界达到最高境界，就要把发声技巧、演唱形式以及情感的表现有机地结合起来，这样才能呈现出最佳的境界。对于怎样吸和怎么呼，是一件简单的事情，但是在歌唱过程中我们应该做好换气，只有这样歌唱才能流畅、融入感情，才能使歌唱更加完美。
篇14：声乐演唱中钢琴伴奏的艺术特点和专业要求
钢琴有着很强的艺术表演力，被称之为乐器之王，著有音域宽广、和声丰富、表现力丰富等艺术特点，在声乐演唱中，钢琴伴奏不仅承担着表达音乐作品的内涵，而且起到烘托演唱者情感表达的作用。
因此，钢琴伴奏者要有较高的音乐素养和专业技能，才能和演唱者共同创造音乐作品的艺术魅力。
一、声乐演唱与钢琴伴奏的关系
声乐演唱与钢琴伴奏在平衡中相互依存，两者的完美结合才能表达出音乐作品的艺术内涵。
在声乐演唱中，虽然是以演唱者为主，但钢琴伴奏也非常重要，它不但可以渲染音乐气氛，加深主题、意境、背景等的渲染，塑造音乐形象，还可以让演唱者的情绪得到过渡、转化，提高对音乐作品的理解和感受，提升演唱者对音乐作品的表现能力。
声乐演唱和钢琴伴奏的平衡关系，“是指在某种特定情况下，两种事物互相融合、互相弥补、互相磨合，最终达到某种程度的共识与统一。”[1]钢琴自身具有较好的平衡性，这种平衡性基于演奏者扎实的基本功，左右手的相互协调、相互配合，确保了整个音乐旋律连贯、清晰、流畅。
钢琴的平衡理由，不仅仅表现在双手上，还在于声部与双手的平衡，各声部的主次是否清晰分明，更重要的在于与演奏者之间达成一种默契的配合。
在很多经典的中外声乐作品中，我们会发现音乐作品情感节奏的跌宕起伏、结构层次的疏密相间、音响力度的轻重强弱、音乐色彩的波澜起伏等，都完美阐释出音乐平衡的艺术之美。
如《我亲爱的》作品中，钢琴伴奏在前半部分的旋律是比较朴实宁静的;间奏过后，伴奏变为跳奏的柱式和弦，表达出主人公内心激动，怀揣小鹿砰砰跳的心情，与整个歌曲紧密地结合在一起，并配合歌曲的陈述、展开、高潮、结尾等，音乐的表现力不断地升华、丰富。
声乐演唱和钢琴伴奏的平衡关系更强调的是一种彼此的合作，以及钢琴伴奏的甘为“绿叶”的精神，钢琴伴奏从演唱者的整体风格出发，来完善整部作品的各个环节，烘托整体音乐气氛，提高作品的现场感染力。
二、钢琴伴奏的艺术特点
声乐演唱与钢琴伴奏虽然在音乐作品内容诠释方面是相通的，但二者在表现形式还是有很大的不同，作为乐器之王的钢琴，有其独特的艺术特点。
钢琴不仅可以单独演奏，而且因其具有强大的融合性而成为了交响乐队首要合作的乐器。
现代钢琴基本上是由88个琴键构成，钢琴音域中包含了乐音中的最高音和最低音，而管乐器、弦乐器、唢呐、号等乐器基本上只有五个八度和两个半八度的音域，这些乐器无法表达出所有的音域，而钢琴演奏却可以实现。
因此，钢琴有着音域广和多音性的特点，在声乐演唱中，无论什么样的情绪和感情，钢琴都可以与之配合，深受演唱者和作曲家的喜爱，而且现代很多声乐演唱都离不开钢琴伴奏，钢琴伴奏大量的运用也使得其演奏越来越具有韵味。
和声是声乐演唱中经常使用的一种艺术手段，而且被频繁地使用，主要是指各种不同的声音根据一定的组织规律同时发出，形成多声部的高组织形态的声音构成。
[2]但是，和声这一声音构成并不是所有的乐器都可以完美地演奏，如管乐器无法在同一件乐器上演奏和声，弦乐器最多也只能演奏出两个音，但是钢琴就不一样了，它可以同时演奏出十多种音。
钢琴伴奏在和声方面有着巨大的优势，从而也就更加契合声乐演唱的需要。
三、钢琴伴奏的.专业要求
声乐演唱者要想成功地诠释音乐作品内涵和情感，钢琴伴奏者必须要了作品的背景、风格、意境等，演唱者与伴奏者要共同研究作品内容、表现手法，从而构成一个高度的艺术化结合。
因此，作为一名合格的钢琴伴奏者，必须具备扎实的演奏技巧和深厚的理论基础等专业要求。
(一)扎实的演奏技巧
钢琴演奏技巧不仅仅是指演奏者能弹得很快、很响等表面的形式，更重要的在于包括触键和音色的方面的技巧，能演奏出最丰富的音色变化。
钢琴伴奏的音色制约比独奏者要求更高，它除了要有音色制约的基本内容外，还要有自己的独特的要求。
钢琴独奏的音色是根据音乐表现和演奏者个人心境、情绪、情感，通过双手表达出来的;而钢琴伴奏音色是根据歌曲的情感和基调，和演唱者的所要表达的思想内容，来决定音色的沉重、轻柔、舒缓等。
拿舒伯特的歌曲《鳟鱼》来说，作曲家以愉快的基调，生动地描绘了清澈见底的溪水中鳟鱼自由自在的快乐形象，后来鳟鱼被猎人捕捉了，钢琴演奏一边要用多变的音色表达作曲家对鳟鱼命运的同情和惋惜;一边又要让听众们感受到鱼儿在溪水中嬉戏快乐的样子，因此要求钢琴伴奏者右手的全曲的密集音符，要弹奏得轻快、流畅而清晰，左手的连音与断奏完美地的结合，如果没有扎实的基本技术功底，根本无法真正的完成。
(二)深厚的理论基础
钢琴伴奏者除了要有扎实的演奏技巧外，还应具备深厚的音乐基础理论知识，包括和声、曲式以及复调等相关的技术理论，掌握不同时期不同流派的著名作曲家、音乐风格等，学会分析音乐作品，比较不同版本音乐作品的不同，取长补短提高自己的音乐修养。
同时，钢琴伴奏者还要了解美学、社会文化等相关知识，能欣赏美术、设计等其他艺术门类的作品，丰富自己的艺术细胞;以及音乐美学、音乐史学等理论知识的积淀，了解作曲家的社会文化背景等，能帮助钢琴演奏者更好地把握音乐作品的主要思想。
因此，一位优秀的钢琴伴奏者，从某一个方面来讲，也是一位优秀色的音乐家，乐理方面的修养、音乐知识等方面可能比演唱者具有更深厚基础，我们知道，许多歌唱家在专业学习中注重圆润甜美的嗓音练习和歌唱技巧的训练，忽略了理论方面的学习，钢琴伴奏者甚至有时能充当演唱者的老师，帮助他们一起表达作品的情感和内涵。
参考文献：
[1]徐红磊.论声乐演唱与钢琴伴奏的有机融合[J].太原城市职业技术学院学报，，(09).
[2]郑鄂.试论钢琴伴奏在声乐演唱中的作用[J].大舞台，，(02).
篇15：声乐演唱中的呼吸论文
声乐演唱中的呼吸论文
关键词：音乐艺术,歌唱,演唱中的呼吸
声乐是指用科学的发声方法，发出优美嘹亮的歌声，又用歌声透过音乐化了的文学语言，生动地塑造不同乐曲中的人物形象、描绘歌曲意境、表达歌曲思想感情的音乐艺术。而声乐的乐器不象小提琴、钢琴等乐器那样定型，它就是人体本身，它需要在演唱的过程中，根据不同的歌曲风格和感情的需要，不断地调整呼吸的强和弱、共鸣腔体的大与小，并掌握适度的紧张与放松，方能发出高质量、完美的歌声。因此，作为一名歌唱学习者，就要掌握一套科学、卫生、完整、有效的发声方法，了解发声器官的构造和发声的基本原理，并通过不断的实践，方能把自己的歌唱乐器打造成一件优质品。而在整个演唱过程中，呼吸已成为重要的基础，是歌唱的生命。
（一）呼吸器官的组成
人体的呼吸器官，包括鼻、口、咽、喉、气管、支气管以及肺。其中口、鼻、咽、喉、气管等是吸入和呼出气息的通道；肺是储存气息的一个器官，存在于人的胸腔中，其外部由肋骨及控制呼吸的肌肉群等组成。肺本身是不会进行独立呼吸的，它是靠控制呼吸的'两组肌肉群的扩张和收缩来完成呼吸运动的。论文检测。在胸腔下部存在着横膈膜，它的形状类似于倒置的碗，吸气时横膈膜下沉，胸腔扩大；呼气时横膈膜上升，胸腔缩小。
（二）歌唱状态下的呼吸特点
日常生活中的呼吸与歌唱状态下的呼吸有所不同：日常的呼吸只是一种自然的、下意识的本能运动；歌唱的呼吸主要靠肺的底部的最大扩张，是一种有意识的、有一定深度、经过训练而形成的运动。歌唱时，吸完气后仍要保持吸气的状态，胸部不能很快地塌陷，然后再缓慢地、有控制地把气呼出。当然，这要经过长时间的训练，用意志来控制呼吸，才能形成吸气肌和呼气肌之间相对平衡的对抗，从而产生稳定的、优美的歌声。论文检测。
（三）科学、理想的呼吸方法
通常所使用的呼吸方法有三种：上胸式呼吸、腹式呼吸和胸腹式联合呼吸。其中胸腹式联合呼吸法是目前所公认的最科学、最理想、最符合生理机能而被普
遍采用的一种呼吸方法。其训练方法有两种：
（1）快吸慢呼法。你可以想象为突然间受到一种惊吓而倒吸一口气，然后就“站定”在这种状态上，腹部保持一种内外力量的对抗，稍后将气息慢慢吐出。这时横膈膜也得到了一定的锻炼，有了一定的支撑作用。做此练习时要注意胸部的动作是自然提起的，不要有僵硬、紧张的感觉。
（2）慢吸慢呼法。你可以想象为远远地飘来一缕花的清香，你自然而然地去吸闻，这时两肋与腰间肌肉就会向四周扩张，然后保持这种状态，将腹部以下肌肉放松，慢慢吐气。论文检测。做此练习时要注意吸气的自然性，不要过于做作。
呼气时，一定注意吸气后不要马上吐气，仍要有意识地保持吸气时的状态，胸部不许塌陷，要感觉到吸气肌肉群将气息有力地吸入到肺的下端，气息有了一定的落点和支点时，即我们平时所讲的“气沉丹田”，再慢慢地、有控制地放松吸气肌群，腹部肌肉紧张度逐渐松弛，使气息均匀、连贯地呼出。这样就会使呼气更加平稳而有力、均衡而有控制。
（四）常见的呼吸问题及解决方法
有这样一句名言：“只有懂得怎样呼吸的人才能歌唱”。由此可见，呼吸是歌唱发声的基础和重要环节。呼吸只有处于最自然、最深部位的状态时，歌唱者才能全神贯注地投入到歌曲的演唱中，才能进入作品风格的展现和艺术创造的状态中。而现实中很多演唱者由于呼吸上存在着这样那样的问题，无形中阻碍了自己的音乐表现力。常见的呼吸问题有以下几种：
（1） 漏气的问题
歌唱者吸气后，由于自身对气息的控制能力较差，或者意念上的“保持吸气状态”的意识不强或有所松弛，所以在发声前往往先把吸入的气息松掉，或者在发声时同时呼气，这样就造成了气不够用或所谓“沙声”的现象。
解决方法：首先要在意识上有所加强，同时加强对气息的控制练习，保证吸入的气息有一定的停留感，声带要闭合。
（2） 吸入的气息位置浅的问题
在歌唱中，由于歌唱者吸入的气息没有沉入底端，胸腔没有扩张，横膈膜没有下沉，导致吸入的气息量不能支付歌唱的需要，从而出现“僵硬”或喉部拼命用力而使声音“挤”、“卡”或“抖动”的现象。
解决方法：要把意识集中在“吸”上，有意地加强吸气时的深度和力度，呼气时仍要注意保持吸气的状态，腹部不要软弱无力，注意吸气肌肉群和呼气肌肉群之间力量的平衡。
（3） 用日常的呼吸状态去歌唱的问题
由于歌唱者混淆了日常状态下的呼吸与歌唱状态下的呼吸之间的关系，用平时的呼吸状态去唱歌，而使得歌声出现“白”、“喊”、“虚”的现象。
解决方法：认识歌唱时正确的呼吸状态，加强肌肉控制气息的能力，解放喉部肌肉，学会适度的紧张与放松，增强共鸣的感觉。
米兰的一位著名声乐大师曾说过：“好好唱，怎样舒服，就怎样呼吸”。在呼吸方面，强调了自然性、流畅性，而不应该是过分的、僵硬的。呼吸是歌唱的基础，是非常重要的，但是需要强调的是：正确的呼吸只是一种手段，还要与其它条件如咬字、共鸣等相结合，才能最终获得良好的、自如的声音，而不能说“呼吸决定一切”。所以，在演唱的过程中，一定要做到各方面条件的有机结合，才能唱出最美、最动听的歌声。
篇16：声乐演唱中的心理素质探讨论文
声乐演唱中的心理素质探讨论文
【摘要】在声乐表演过程当中，表演者往往重视发音的技巧以及歌唱技能，而忽略了一个重要的问题，即心理素质。演唱者的实际心理素质在很大程度上影响了声乐表演的水平，影响整个表演的实际效果。良好的心理素质可以说是保证声乐演唱水平的一个主要因素，应当作为声乐学习的一个重要组成部分。因此本文重点探究心理素质与演唱之间的关系，分析声乐表演当中所需要的心理素质，提出培养演唱者良好心理素质的途径。
【关键词】声乐演唱；心理素质；培养途径
一、心理素质与演唱的关系
通过对相关文献资料搜集整理发现，当前国内外有很多专家学者都对心理素质做了深入研究。所谓的心理素质，指的是人的大脑在反映客观现实的过程中，神经系统和感知器官对一个客观现实的应变能力。结合这个定义可以看出，影响心理素质的因素包括主观机能以及客观现实。从实践的角度来看，一名优秀的歌唱者往往具备更加积极的心理素质，例如，在专业声乐考试的考场当中，有些考生表现得潇洒大气，声音自然而有力，身体松弛，气息流动，声情并茂。但是也有一些考生在演唱过程中身体僵硬，声音颤抖十分明显，节奏混乱，甚至有部分考生对于自己的气息都无法很好掌控，更有甚者，在考试过程当中忘记歌词，这必然会影响考生的实际考试成绩。这些问题的出现，归根结底也就是考生个人的心理素质不过硬。其实每一位演唱者在舞台上都会感觉紧张，紧张的情绪往往会在很大程度上影响演唱者的演唱水平。而这种紧张的情绪可以分为两种，一种是适度的紧张情绪，它反而能够促使演唱者演唱水平的提高，甚至可以促使演唱者超水平发挥；另一种则是过度的紧张，这与个人的心理素质有关。结合我国当前的声乐专业教学来看，在教育过程中，教师往往更加重视培养学生的唱歌技巧，重点对于一些歌唱技巧方面进行训练，这样的一种教学模式，在很大程度上忽略了心理素质的培养。在实践当中也可以看出，有些学生明明具备较高水平的演唱技巧，也具备一名优秀歌唱者基本的技能和素质，但是在演唱过程中却发挥不出原有的水平。所以在歌唱表演当中，良好的心理素质是必不可少的。
二、影响声乐表演的心理要素
（一）个人情绪的影响。一般来说，个人的情绪在受到外界刺激之后，如果其心理反应是更加积极的，那么就会以积极的态度去对待周边的事物。反之，如果个人在受到外界的'刺激之后产生了一些消极的情绪，其心理反应是消极的，就会感到悲痛、烦躁、愤怒以及厌恶。如果歌唱者心情欢乐，加上科学的表演技巧，那么他（她）就能够很好地完成演出。相反，如果歌唱者在表演过程中出现消极的心理反应，产生对舞台、对观众的恐惧感，那么，就算具备再高的演唱技巧，也无法发挥出来。从音乐作品的角度来看，任何一首作品都能够触发人们积极的情感，从而使得个人获得良好的心理状态以及信心。但是仅仅只有音乐作品还远远不够，因为在声乐演唱过程中，各种突发状况会随时发生，歌唱者也无法排除由于各种因素所导致的紧张情绪。比如在不同的环境下，表演者虽然对某些歌曲十分熟悉，但是无法在舞台上发挥真实水平，从而使观众无法走进歌唱者的音乐世界。
（二）性格的影响。每个人的性格都各不相同，这也决定了人们有不同的行为方式。在一场音乐会中，有的演唱者上台之后身体放松、气息流畅、大胆且收放自如，而有的演唱者在演唱过程中会遇到诸多问题，面临复杂的舞台环境以及观众，使得他们出现怯场、畏惧的心理。但是不同性格的演唱者出现这种情况后，其表现是不同的。一般来说，性格相对外向的，他们对于自身非常有自信，在舞台上很容易与观众互动，并且能够很好地带动观众的情绪，表现得游刃有余；性格相对内向的，个人的主观思维太过僵硬，导致他们在上台表演时很难与观众进行互动，所取得的实际演唱效果不是十分理想。
（三）个人意识。个人意识对歌唱者的影响也是十分明显的，在演唱过程中，存在着大脑对动作有意识控制与潜意识控制的心理活动。这两种不同的心理活动是相互作用且相互影响的。表演者在唱歌过程中，大脑会将理想的唱歌状态转化成为一个表象，并且逐步形成心理暗示，这就促使歌唱者努力对自己的发音器官进行调节，通过这种方式来达到最佳的演唱效果。如果仅凭个人意识去控制自己的行为还远远不够，因为面对复杂的舞台情况，很多歌唱者会遇到各种各样的突发状况，会打乱歌唱者的节奏，影响歌唱者的个人意识。在这个时候，如果歌唱者心理素质不佳，那么最终其表演无法达到既定效果，这对于演唱者个人的发展是极为不利的。所以在日常练习过程中不仅仅要有意识地控制自己的发声，还需要培养个人潜意识的思维能力。
三、培养演唱者心理素质的途径
（一）培养自信心。对于演唱者自信心的培养，应当是整个声乐教学当中的重点。因为声乐教学从本质上来看，是一个相对比较枯燥乏味的过程，歌唱者在学习的不同阶段都会表现出不同的状态，对声乐都会有不同的认知，对音乐也都会有不同的体会。一般来说，歌唱者具备较强的自信心，能够在表演的时候产生更加积极的心理反应，效果也就更加良好。但是在不同的学习阶段培养的内容是不同的，比如有的学生在一开始学习声乐的过程中，对音乐比较感兴趣，也对自己的声音比较自信，但是经过一段长时间的学习之后，学生会发现自己在学习当中所暴露的问题越来越多，比如发声不对、无法控制气息等，在这样的条件下，学生个人的自信心也就会逐步遭受打击，读声乐专业的学生对于自己的歌声越来越不自信。而这个时候，就需要教师对学生进行全方位的辅导，重新帮助学生树立起自信心。其实从本质上来看，声乐专业的学生在歌唱方面比其他非专业的学生拥有更大的优势，他们自身所认为的毛病和不足，在一些非专业的学生看来并不是太大的问题，但是如果忽略了这些不足，那么学生在后续的发展中必然会遇到更大的困难。而面对这样的问题，学生应当调整好心态，要理智去看待这些问题，要相信自己不怕困难，不怕挫折，这样一来，对于声乐的学习，也就会慢慢自信起来，将自己的毛病和错误一一改正，从而逐步融入到更深层次的学习中，将来在舞台上表演才能够更加游刃有余。
（二）选择合适的歌曲。每一位歌唱者的声音都会有所不同，歌唱者的技巧水平也有所不同，所发出的声音也会存在着一定程度的差异。比如有一些歌唱者其声音高亢而明亮，或者圆润而甜美，所以像这种类型的歌唱者就应当选择一些民歌来进行演唱，这样的嗓音十分适合演唱民歌，通过演唱这些歌曲，他们会对于自己的声音越来越自信，也会对于自己的未来越来越坚定。还有一些歌唱者，嗓音特点是深沉宽广，所以就应当以美声唱法为主。每一位不同嗓音的歌唱者，都有适合自己的歌曲，在学习的过程中就有一个更加清晰的目标，而且能够搜集相应的歌曲资料，通过分析研究歌曲的创作背景，更加清晰了解歌曲所要表达的思想情感，通过这样的方式，才能够对整个歌词有更加深层次的理解，从而在演唱过程中表现得更加良好。
（三）提高演唱技巧。要尝试进一步提升演唱技巧。中国有句古话叫做“艺高人胆大”，也就是说，只有技术过硬，人才会更加对自己有信心。任何一位歌唱者的成功都不是偶然的，他们在音乐上也下了很多功夫和心血，也是通过不断学习，不断改正自己的发声习惯，才能够取得一定的成就。而为了不断突破、不断超越，这些歌唱者从来不会停下自己的脚步，一直都在学习，只有这样，自身的整体水平才能够提高。而伴随着演唱技巧的提高，他们自然能够挑战一些高难度的歌曲，能够有信心将自己最完美的歌声传达给观众。胸有成竹的歌唱者在舞台上才能够表现得更加自然，而且游刃有余，演唱技巧的提高也使得他们能够更加自信，更加坚定自己所走的道路。
（四）多参加实践。经常参加实践活动能够帮助歌唱者获取更多的演唱经验，让他们看到诸多不同的现场情况，这样一来，舞台经验丰富了，也就知道如何应对突发情况了，这对于歌唱者整体水平的提高起到十分重要的作用。实践是检验真理的唯一标准，歌唱者只有多次的实践，才能够清楚自己的不足，对于自己的不足进行改善才能够进一步走向成功。作为一名合格的歌唱者，如果没有舞台，那么就永远不会成长，而歌唱者提升自己最好的方式，也就是通过舞台、通过舞台演出来获取更多的经验，学到更多的知识，更好地提升自己的歌唱水平。
四、结语
声乐演唱与个人的心理素质是相互关联的，个人心理素质的好坏，将直接影响声乐演唱的效果，作为歌唱者在演唱过程中，需要清楚认知到心理素质的重要性及重要作用，在日常学习和实践的过程中，更多地重视培养自己积极的心理素质，这样才能够成为一名优秀的歌唱者。
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